巴洛克及前古典主义时期古钢琴的发展

对巴洛克时期 古典主义时期还有浪漫主义时期的音乐的总结~

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音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止“巴洛克（Baroque）”一词来源于葡萄牙语，意思是形态不够圆或不完美的珍珠，而且最初是建筑领域的术语，后来才逐渐用于艺术和音乐领域。
事实上巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管键琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。
悠久的巴洛克音乐这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲），此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。
与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调（更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中）。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐，特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性。
与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。
巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回族曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域。
通常来说，巴洛克音乐有如下一些特色：它的节奏强烈、活跃，短促而律动；旋律精致、跳跃且持续不断；采用多旋律、复音音乐的复调法；作曲家普遍强调作品的情感起伏，以至于音乐的速度、力度变化在当时相当被看重；曲目的调性也从文艺复兴时期单一而保守的教会调式发展为采用大小调形式。同时西洋管弦乐器也在巴洛克时期得到了迅速的发展，小提琴的出现、拨弦古钢琴的成形都为巴洛克音乐提供了更丰富的表现力；其他乐器的发展也使得某些特定风格的巴洛克音乐其配器得以朝着多元化、大规模的方向发展。不过诸如管风琴、羽管健琴、维奥尔琴这类颇具历史的古乐器依然被广泛使用。
在音乐表现形式方面，巴洛克时期要比文艺复兴时期的体裁丰富的多。皇室以及贵族对音乐的需求，促使许多巴洛克音乐家开拓出很多新的音乐表现形式，歌剧的兴起（并不是起源，歌剧的起源要追述到更久之前）便是最为突出的一点。虽然巴洛克时期的歌剧曾被一些专家批评为“矫揉造作”，但却是此后歌剧发展的一个基础。声乐领域的其他表现形式还有神剧、经文歌、清唱剧、受难曲和弥撒曲等，这些都是带有强烈宗教色彩的。由此可见在巴洛克时期，宗教音乐在西洋音乐中依然占有很大的分量。巴洛克时期的器乐曲发展很迅速，出现了大协奏曲、独奏协奏曲、管弦乐组曲、各种舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、赋格和奏鸣曲等诸多表现形式。其中很大一部分通过发展、演变，从而成为了后来更为成熟的形式。
最后谈谈巴洛克音乐的演奏。对当今的指挥与乐团而言，演绎巴洛克音乐有两种主要的方法。其一是采用现代乐器演奏，但是缩小乐团规模，以符合巴洛克作品的特定需要。其二则是采用古乐器或者仿古乐器演奏，甚至成立专门的小编制巴洛克乐团或者古乐团。两种方法相比，显然后一种演绎更能贴近巴洛克音乐的本质，近年来这种本真的演奏方式也已经成为演奏巴洛克音乐的首选。

　　音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。

　　文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐
　　进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。

　　巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展。并且促成了后来的洛可可（Rococo）艺术的 兴起。这一时期的音乐以德、意、法等几个国家最具代表性。

　　1. 巴洛克时代的德国音乐

　　巴洛克时代的德意志音乐，以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，他们的音乐就好比是塔顶，因为他们不但吸收了文艺复兴以来意大利的新音乐，而且开拓了一条全新的道路。许茨（Heinrich
　　Schutz，1585-1672年）二十四岁时赴意大利留学，师从于威尼斯乐派的大手笔加布里埃利（Giovanni
　　Gabrieli，1557-1612）。回国后，他发表了第一部德文歌剧《达夫内》，后来还创作了许多的受难曲。许茨与巴赫和亨德尔恰恰相差了一百年，他的风格对于这两位巴洛克音乐大师的创作有着重要的影响。

　　亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在传统音乐的集大成方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放射着异彩。亨德尔的作品多为歌剧和清唱剧音乐，在他的器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影响；巴赫音乐则在声乐作品中含有强烈的器乐因素，这为古典主义时代的到来奠定了坚实的基础。

　　2. 巴洛克时代的意大利音乐

　　歌剧这一伟大的艺术形式，诞生在“音乐的摇篮”——欧洲文明古国意大利。在当时的佛罗伦萨，
　　有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术很感兴趣的贵族。这些贵族决心赋予希腊戏剧以新的生命，于是他们开始给古老的希腊故事谱曲，并由合唱队穿上戏装把整个故事演唱出来，这就是歌剧的雏形。发展到后来，故事里的角色分别由歌唱者担任；在合唱节目之间，则由男女歌唱家分别担任独唱。当角色的话语轻柔时，台词被处理成半唱半说，这种歌唱很象一首赞美诗，被称为宣叙调；而强烈的感情则是真旋律来表现的，称为咏叹调。而后，咏叹调被专门用来炫耀歌手的美好音色。当时，一部歌剧无论在意大利、英国还是在德国上演，其咏叹调总是用意大利语演唱，而宣叙调部分的演唱则是用
　　本国语言。

　　在意大利的巴洛克音乐中，可与早期歌剧相媲美的还有弦乐，当时歌剧的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的。这一时期的意大利盛产小提琴家，如托莱利（Giuseppe
　　Torelli，1650-1708）、科莱里（Arcagello Corelli，1653-1713）、维塔利（T.Antonio
　　Vitali，1665-1735）、维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1675-1743）、塔蒂尼（Giuseppe
　　Tartini，1692-1770）等，他们都早于巴赫。这些音乐家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音乐的作曲家。意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳（Cremona）人中，小提琴制作家可谓层出不穷，如阿玛蒂、瓜内利和斯特拉第瓦利等，他们精心制作的小提琴，至今还活跃在舞台上，展现出无穷的艺术魅力。

　　歌剧的序曲必须分为三部分：快速开始，中间部缓慢，快速终结，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室内乐及独奏乐器。可见，巴洛克时代的意大利音乐影响极为深远。

　　3. 巴洛克时代的法国音乐

　　在当时的法国巴黎，歌剧和古钢琴音乐在各王侯贵族的府邸内极为盛行。这一时期的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独立成长，已经接近于舞剧的形式。在巴洛克时代，法国最具代表性的歌剧作曲家是吕利（Jean
　　Baptiste Lully，1632－1687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律优美，同时又具有很强的舞蹈性；其内容辛辣、幽默，入木三分。

在古希腊的神话中,阿波罗是一位多才多艺的神,是太阳神,是光明之神,是医药之神,是预言之神也是音乐之神,其下有九位女神,她们是负责实际司理文学,音乐之职,被称为缪斯(MUSES)意大利语为(MUSICA),英语为(MUSIC).当然,谈到西方音乐,并非起源于古希腊时代,应该可以追溯到更早的远古时代.
在西方音乐的发展中,曾有三次较大的变革,每次约各间革三百年左右.由于这些变革在当时比较激进,因此:每次变革均冠以“新”字来形容其音乐风格.比如十四时期的新音乐,十七时期的新音乐,二十时期的新音乐等.
现在所提及的西方音乐实际上是从十六世纪末开始,由其是十七世纪到十八世纪,这一期间,音乐史上称为巴洛克时期.在巴洛克时期前,西方音乐大至轮廓是:公元805年为早期的中世纪,开始了复调音乐.公元1000年为罗马式艺术.发明了谱表.公元1150年为后期中世纪,是早期哥特式风格.公元1300年为晚期哥特式风格,是新音乐的变革时期.公元1450年为文艺复兴时期,兴起了另一次新音乐的变革.直至公元1750年巴赫去世,则为巴洛克时期的结束.再其后则相继为古典派音乐,浪漫派音乐,民族乐派,印象派及现代各种音乐流派
一:巴洛克音乐
十八世纪初的德累斯顿,不少音乐家都等待这一场精彩的管风琴演奏比赛.当时,在德累斯顿有一个法国音乐家叫玛商.由于当时法国音乐在宫廷中的优越地位,使他非常骄傲.以至引起了德国音乐家的不满.于是大家都盼望德国的音乐家巴赫与法国音乐家玛商公开竞赛一番.但是,比赛的当天,这位玛赏先生却坐着当天的第一班邮车逃跑了.这样,巴赫就一个人在宫廷中演奏,成为当时德国音乐家和外国人竞争第一次获胜的榜样.
巴赫是巴洛克音乐的集大成者,所谓巴洛克音乐,是西方古典音乐以前的一种特定风格的音乐.巴洛克的原意有人说是“珍珠的边缘”,也有人说是指“奇异的风格”.文艺复兴时代,首先在建筑上采用了此名词,指西方,特别是德国与奥地利十七,十八世纪的一种讲究过度雕琢的建筑艺术,后来有将此名词用于画作和音乐.音乐史上称此时同期的音乐为巴洛克音乐.大致是从公元1600年到本世纪末750年.
巴洛克音乐的风格以技巧主要有以下特点:
1:数字低音:(一译通奏低音)的普遍运用,故又称这一时期为数字低音时期.这种数字低音是一种简略的和声记谱法,其所用的和弦只记一个低音,并以数字指明,实际所应演奏的和弦,由演奏者根据此数字即兴演奏和声.
2 :对比原则的突出.如早期歌曲中的突然变化,大协奏曲中的独奏与齐奏交替,以及声乐与管风琴音乐中的回声效果等.
3:主音与属音地位的加强,从而为主和弦统治地位的确立奠定了基础.
4:即兴与装饰音的发展,并表现出任性、丰盈与不规则的自由特征.
巴罗克华丽的艺术风格,有如一中崭新而生动的音乐,与以前陈旧而平静的音乐形成鲜明的对比.中世纪以来,单纯而禁欲的音乐,到此时已能冲破阻碍而自由表现出来,并形成强烈的强弱对比.
巴洛克音乐的三大支柱是声乐、器乐与管风琴音乐.声乐的代表音乐家是:卡契尼与裴尔丽, 其主要成就是发展了各种有伴奏的旋律,如清唱剧、歌剧等；器乐的代表音乐家是蒙特威尔第与加布里埃里,主要成就是发展了奏鸣曲与序曲;管风琴音乐的代表音乐家是史维林克与富雷斯可巴帝,主要成就是发涨了赋格曲,托卡塔与组曲.
回顾历史,巴罗克一词在当时绝不是一个值得骄傲的名称.十八世纪若提到“巴洛克风格”便意味着代表低级趣味,而巴赫和亨德尔在当时则有低级趣味的领袖之嫌.但当今巴罗克却作为音乐史上一种独特风格而受到高度评价.
古典派音乐
公元1762年,一位六岁大的孩子以神童的姿态出现在世界音乐舞台上,在大约十年的时间里,这位神童先后征服了慕尼黑、维也纳、巴黎、伦顿、米兰、罗马和拿波里等大城市.他惊人的演奏技巧和作曲才能使人难以置信,拿波里的人都怀疑他有魔法,任为他的魔力来自他手上戴的戒指,为了证实戒指没有魔力,他当众除下戒指演奏.
这就是莫扎特的一段真实写照.说起古典音乐,人们很自然的会想起被称为“维也纳三杰”的三位古典乐派代表人:海顿、莫扎特和贝多芬.
古典派音乐是十八世纪下半叶与十九世纪初流行于欧洲的一种音乐流派.这种音乐的风格与以前的巴罗克音乐有很大的差别.巴赫和亨德尔所惯用的数字低音的复调写作方法,到了十八世纪下半叶就已经变成了过时的东西,在古典派音乐中则是主调音乐处于绝对优势.音乐从简单旋律发展到复调音乐,又从复调音乐发展到突出主旋律,和声为辅的历史阶段.这并不是元古简单音乐的反复重现,而是更高水平.古典音乐的主旋律曲调有着级其重要的地位,低音往往用主音或属音反复演奏,或用简单的分解和弦.在和声上行成以主,属,下属为中心的功能体系.这一时期,人们不想听沉重的音乐,而要求更明朗更轻快的东西.这也可以说是启蒙精神要求的一个方面.因而可以说,情绪明快,结构严谨,音乐语言清晰,音乐手法精炼,是这一时期音乐的重要特点.此时的奏鸣曲体裁得到高度发展.交响乐的发展达到了高度的艺术水平.
古典主义一词原系主要指希腊与罗马的文学与艺术的原则与特征,认为它包括形式上的优美,单纯,尊严和文体严谨.在音乐上,古典派这一词通作浪漫派的对称,即指浪漫派以前的音乐.
浪漫派音乐
公元1826年的巴黎,二十三岁的柏辽兹正在和当时莎士比亚歌剧名演员史密逊小姐热恋着.然而,这段罗曼史却是以悲剧为结束.失恋的痛苦使这位穷音乐家陷入了绝望的深渊.这中热情与颓唐、渴望和苦闷、幻想及怀疑、愤慨兼嘲弄的精神境界,在他自传式的《幻想交响曲》中淋漓尽致的表现出来.这部作品首演即大为成功,成为浪漫乐派的重要代表作之一.透过这部交响曲,可以感到当时社会脉搏的跳动,表现了在当时政治趋向反动的年代,法国资产阶级和小资产阶级趋向衰落时期的矛盾状态.
浪漫一词又音译为“幻想的”“传奇故事的”“有骑士精神的”等等.是文艺上的“古典”一词的对称.浪漫派音乐则是继古典乐派后,流行于十九世纪的一种西方音乐流派.在音乐上以强调主观,情感以及更多形式上的自由为特征.这些特征虽然早在贝多芬晚期作品中,特别是钢琴奏鸣曲中就有所显露,但总的来讲,浪漫乐派是以伟伯及舒伯特为开端的.伟伯在当时写了歌剧《自由射手》,成为公认的浪漫派先驱.舒伯特所作的独唱曲也在此时流行.浪漫派音乐的标志之一是需要台词对白或诗的歌剧,以歌曲作为分野.这在开始时绝非偶然,因为浪漫主义运动并不只是音乐方面,它与当时的造型艺术及文学上的美学思潮有密切的联系.仅就音乐而言,一般可分为前期浪漫乐派与后期浪漫主义乐派两个阶段.
前期浪漫乐派除伟伯及舒伯特外,又从六位出生于同一十年之间的作曲家手中得到发展,这六为著名作曲家是:1柏辽兹（1803~1869）主要作品有：《幻想交响曲》《匈牙利进行曲》等2门德尔松（1809~1847）主要作品有：《苏格兰交响曲》《意大利交响曲》等，3舒曼（1810~1856）4肖邦（1810~1849）主要作品有：《华尔兹》《夜曲》《玛祖卡》等，5李斯特（1811~1886）主要作品有：《浮士德交响曲》《但丁交响曲》《死之舞》《匈牙利狂想曲》等6瓦格纳（1813~1883）主要作品有：《漂泊的何兰人》《汤豪舍》等
自1850年后,西方浪漫乐派进入第二阶段,称为后期浪漫派由于前期浪漫派音乐的高度发展,至此后,有人回头去寻求古典的简朴与统一,企图回复到类似原先的风格.也有人致力发展自己本民族的音乐,以此与德国音乐对抗.还有人大胆探索高度半音化的音乐,使其逐渐向现代音乐过渡.后其浪漫乐派的重要代表人有:弗朗克主要作品有：《钢琴与小提琴A大调奏鸣曲》等、布拉姆斯、布鲁克纳、柴科夫斯基主要作品有：《第一钢琴协奏曲》《弦乐小夜曲》《天鹅湖》等、马勒：主要作品有：《第一巨人交响曲》等、雷格、理查.斯特劳斯主要作品有：《玫瑰骑士》等、西贝柳斯主要作品有：《悲伤圆舞曲》等

除作曲方面,浪漫派音乐在演奏方面也有很大发展,个性的表现不只是作曲的要素对演奏家也渐渐成为必要的条件.其结果自然会考虑到演奏效果,演奏家发挥高度的演奏技巧,受到听众的热烈喝彩,其代表人物如小提琴演奏家帕格尼尼.此外,当时的作曲家兼演奏家如李斯特,肖邦,维尼亚夫斯基等人,对改造发展演奏法,也有着卓越的贡献.
民族乐派
公元1866年初春的布拉格,一个以捷克民族语撰写的角本歌剧与观众见面了,这个以波希米亚农村的农民为背景的歌剧,由于具有浓厚的波希米亚色彩,而被公认是捷克民族歌剧的典范作品.此歌剧名为《被出卖的新娘》,由斯美塔那作曲,作者的另一首交响诗套曲《我的祖国》包含了著名乐章《伏尔塔瓦河》,开民族乐派之先河,斯美塔那死后,当时的波希米亚首都布拉格,一跃而成为民族乐派的发源地,
民族乐派是十九世纪后半叶来的一种强调本民族特性的音乐流派,属于这一乐派的作曲家往往采用本民族的民间歌谣和舞蹈节奏,并选择其本民族历史上和生活中的故事情节,作为歌剧与交响诗的创作题材.从音乐风格来讲,民族乐派开始时可以说是在浪漫派音乐的基础上延续发展而来.浪漫派的作曲家中,如伟伯、肖邦、李斯特、瓦格纳等人,不论有意还是无意,在其作品中,都可以嗅到浓厚的民族味道.从十九世纪中叶起,不少国家与民族要求摆脱当时以德国音乐风格为统治的意识越来越强烈。1860年，民族乐派在波希米亚、挪威及俄国兴起,除捷克民族音乐之父斯美塔那的著名作品外,捷克民族音乐家德沃.夏克的管弦作品《斯拉夫舞曲》等也都较著名.挪威作曲家格里格,则以祖国的民间乐调为基础,运用欧洲音乐的作曲技法,创作了《培尔.金特》等著名的交响组曲.俄罗斯民间音乐之父格林卡则以俄罗斯传奇为题材,创作了第一部用俄语演唱的歌剧《伊凡.苏萨宁》,继而有俄罗斯强力集团,由巴拉基列夫、居易、鲍罗丁、穆索尔斯基和李姆斯基—科萨柯夫等五人组成.后来民族乐派又转到芬兰,西贝柳斯曾一度属于这一流派.
二十世纪的某些现代音乐家,如匈牙利的巴托克与柯达伊.英国的佛汉威廉士.罗马尼亚的艾涅斯库.美国的哈利斯与格什文等人,均可称为民族乐派的杰出代表.
现代音乐流派
公元1894年,德彪西的印象派管弦乐奠基之作《牧神午后》前奏曲在巴黎首次演出,获得极大好评.这以二十年前莫奈的油画《印象—初升的太阳》因首次在巴黎展出而遭到“印象主义”罪名的嘲笑,形成了鲜明的对比.
在西凡音乐史上,现代音乐流派一般从印象主义音乐算起.
音乐的现代与否,本是一个以一定时代风格相联系的相对概念.不同的时代,不同的角度,“现代”一词的含意各有不同.有人将这个历史范畴划分的比较窄,认为现代音乐仅仅指第二次世界大战以后的最激进的音乐流派,有人划分的比较宽:将印象主意音乐也纳入到现代音乐的范畴.还有人划分的更宽:以瓦格纳的音乐剧《特里斯坦与伊索尔德》为新的音乐时代的开始,尽管划分的宽窄各有不同,然而对现代音乐基本阶段的细分却大同小异,如果我们以1856年的《特里斯坦与伊索尔德》为现代音乐的序幕,以两次世界大战为分界,那就可以大致将其基本阶段作一下细分:
近代音乐 现代音乐
第一期 第二期 第三期
1856年 1900年 1918年 1945年 1987年
因此:一般可以说,现代音乐主要指二十世纪来特别是二战后的西方新音乐流派.如果说,十九世纪末后期是浪漫派为主的近代音乐,那么,现代音乐的第一期则基本上建立在上述音乐的延线上,以德彪西的印象主意和勋伯格的表现主义为代表.第二期以新古典主义为代表.第三期则出现了形形色色的先锋派音乐和多种多样式并存.
从技术特点来看:这种现代音乐至少可以包括以下一些类别:
一:扩展调性的音乐—这种音乐扩展到了调性的边缘,在调性飘浮的情况下,运用了频繁的半音,及远关系的“变化和弦”,极其复杂的不协和和弦,多种调性的同时结合等手法.
二:各种无调性的音乐—这种音乐根本没有传统概念的调性中心,如某些十二音体系音乐和其它各种序列音乐等等.
三:形形色色的先锋派音乐—有些作品以极其复杂的数字运算来安排,有的大量使用录音或计算机作为作曲的主要手段,诸如又称具体音乐的一种磁带音乐,电子音乐,电子计算机音乐等.此外,还有偶然音乐,直观音乐等等.不一而足.
现代音乐简介:
1:印象派音乐:是受印象主义绘画和印象主义文艺影响而出现的一种音乐流派.作品多以诗、画、自然景物为题材,着意表现其感观世界的瞬间印象,其代表人无,除德彪西外,在其发源地法国,尚有拉威尔和杜卡等著名作曲家,在西班牙有德.法亚.英国有戴留斯和司格特.意大利有莱斯庇基,美国有雷夫斯基等等著名音乐家,印象主义唯美的幻景,在继巴黎公社的失败的历史状态中,自觉不自觉的反应出对美好生活的太虚幻境界的臆想和对当时残酷现实的逃避.
2:表现派音乐:产生于二十世纪初,流行于二三十年代,创立者是奥地利的音乐家勋伯格,他的学生贝格与威伯恩继承并加以发挥.表现主义最早是在美术上真对印象主义画派提出的一中艺术理论.印象主义主张对客观世界的“所见之物”作纯客观的描写;而表现主义则强调直接表现人的心灵世界和心灵所见的客观姿态.它是资本主义开始发展到帝国主义时期后,大城市中的“小人物”的一种艺术.其重要的创作手法之一是十二音体系.这一技法是由勋伯格所始创.按照这一体系,半音音阶中的十二个音均处于同等地位,将这十二个音排成某一音列,并运用该音列的基本形式,倒置,逆行,逆行倒置等技法加以处理,在这个音列的十二个音未全部出现之前,其中任何一音不得重复.十二音体系的音乐多为无调性或自由调性的音乐.
3:原史主意音乐:它是十九世纪到二十世纪西欧艺术(主要是造型艺术)中的一种流派.法国画家昂利.卢棱被认为是现代原史主义的头头,画家毕加索等人在他们的作品中也有以原史主义的手法及高度的技巧创造了色彩鲜明的作品. 原史主义在音乐中的表现并不是一个稳定的流派,就斯特拉文斯基而言,仅是早期的某些作品属于这一范畴,如他的芭蕾舞音乐剧《春祭》就是典型的原史主义音乐.其它的一些现代音乐家如巴托克,奥涅克等人,也只是在个别作品中有所表露.此外:也有人对采用及其简单的某种现代手法写作的音乐称为原史主义,如著名的西德作曲家沃尔夫就写过这类作品.
4:反法西斯乐派:这是一种并非以音乐风格划分的一种音乐流派.在第二次世界大战前后流行于欧洲各地的反抗纳粹残暴统治的各种音乐作品,皆属这一范畴.有影响的作品如勋伯格的《华沙幸存者》,此作品揭露了第二次世界大战中纳粹集中营迫害犹太人的残绝人寰的暴行.此作品在世界各地无数次的演出,均受到观众的欢迎.
5:新古典主义音乐:它是本世纪二十年代兴起的一中现代音乐六派,是真对后期浪漫派在音乐的标题性,主观性而产生的一中创做思潮.它主张音乐回到“古典”中去,回到离巴赫更远的时代中去.这中主张是由意大利的布索尼首次提出的,他创作的《喜剧序曲》和《钢琴小奏鸣曲》即为此类作品.亨德米特也是重要的新古典主义者,然而,这一流派影响最大的人物还是斯特拉文斯基,他写的《圣诗交响曲》和《士兵的故事》可以说是古典型的新古典主义作品.
6:微分音流派:现代音乐中以采用微分音进行创作的作品,均称为微分音流派.所谓微分音就是指比钢琴键盘上的半音还小的音程.在我国的民间音乐中,就常见比键盘上某音略高或略低的情况,这种比半音还小的音程通常用“↑”或“↓”的符号加注明.微分音流派的体裁不一,有的将一个八度内划分十九个音,二十个音,三十一个音,甚至四十三个音;也有不按全音平均分的,还有不以八度划分音程的,不一而足.意大利的现代作曲家布棱尼就考虑到使用三分之一音.捷克的哈巴就是微分音流派的代表人物.
7:序列主义音乐:其是一中将音的高低、音的长短、音的强弱、音的色彩以及不同的演奏方法全面按即定的流程进行作曲,即为序列主义音乐.它是二十世纪中期开始,流行于西方的一种新的流派.其主要代表人物有布列兹、威伯恩、梅西安、诺诺等人.六十年代起,序列主义音乐又常以电子音乐相结合.
8:电子音乐:一种二十世纪五十年代兴起的先锋派音乐.它是用电子音响方法制造而成的音乐.具体的说,就是把磁带的速度改变,或将其频率改变,或将其频率过滤,振幅过滤,修改频率与振幅,运用回声技术等等,在经过其它电子仪器和录音技术加以剪接处里,使之再生,复合,组成作品.其代表人物有史托克豪森、凯奇等人.
9:具体音乐:一种直接用自然界真实的音响在磁带上制作而成的音乐,这种自然音响无所不包,诸如火车的隆隆声,驳船的嘟嘟声,人们的低语、叹息和咳嗽声,厨房的碗盘,刀叉和炖锅声等等.其代表人物有舍弗尔、昂利等人.
10:偶然音乐:一种用机遇的方法制造的音乐.其代表人物有凯基等人.“偶然”(Aleatory)的概念源于拉丁字:alea iacta est,指骰子时的偶然性,所以又称偶然音乐为色子音乐.它有许多种类,有的通过占卜,掷色子,丢硬币等方法来却定作品的音高、节拍、音色、强度:也有的将地图、星座图等作为创作依据.偶然音乐者认为;我们通常听到的音乐与现实世界的音响毫无关系,认为这些音乐属于虚构的美.认为音乐是一种无目的的游戏.它真正的美应该产生于与听众同时存在的瞬间,即偶然发生的音响.偶然音乐者主张:“用一切有可能的方法来制造音乐”.这种现代音乐流派,在西方也有人评判它是不可取的,认为这样的作曲家失去了作为创作者的职责.(其实只是所处的立场不同而已)
11:爵士音乐:它是一中娱乐性的舞蹈音乐,二十世纪初其产生与美国新奥尔良等地,从美国黑人音乐的劳动歌曲、灵歌、布鲁斯(怨曲)及拉格泰姆(散拍乐)演变而来.自1914年传入欧洲后,经过资本主义流行音乐商业化的扭曲,而逐渐失去了民间音乐的本来面目.(现在好想有些爵士乐又回到民间音乐的行列中了)
12:普普音乐:西方流行的通俗音乐的总称.普普为通俗一词的音译,其音乐包括西方各种流行舞曲,流行歌曲等.爵士音乐亦属此范畴.五十年代中期,在西方兴起了一中摇摆滚乐,六十年代以摇摆乐的名称而风靡西方世界.其中著名的摇摆舞乐对有:“甲壳虫乐队”“滚石乐队”以及瑞典的“艾巴乐队”.七十年代末,迪斯科音乐代替了摇摆舞曲而进入西方社会的各个领域,其特点是速度快,基本速度达到一分钟125拍,节奏强烈呆板.狂热至痉挛的程度.
从西方音乐某些作品中怪诞的,精神质的音响,可以看出作者自觉不自觉的反应了世界大战前后资本主义世界的某些侧面,其中包括人们对战争的恐怖,对未来的绝望,以及空虚孤独的心理状态等等.以布拉赫—艾克的《抽象歌剧第一号》为例,尽管连唱词也是“啊、鸣、嘎”之类的抽象字眼,但只要看到舞台的天幕上放射出的“恐惧、恐惧”,五排大字,就说明它不是那么抽象.又如约翰.凯奇的《四分三十秒》,由一位钢琴家静坐四分三十秒而什么也不弹,这种奇特的作品,至少反应了作者内心世界的空虚.当然,从技术角度来讲,依然要对这些五花八门的音乐有所了解,以便知道什么是可取的,什么是必需批判的.同时,在世界现代音乐中,由于存在这各种不同的音乐作品,其中,既有很优秀的,也有很消极的作品,这是不言而喻的.因此,这就应该以实事求是的态度对具体作品作具体的分析.

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屠家藏青： 古典时期钢琴作品乐观、明朗、流畅、优美的风格特征,以及简洁的和声、严谨的曲式结构,套曲中层次清楚、手法多样、变化丰富、对比鲜明等创作技巧,都是值得我们深入学习、研究与借鉴的.

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