油画作品很重视“视觉中心”，如何把它完整地体现出来？

在油画创作中，怎样才能让色彩发挥出最好的效果？~

造型、色彩、光影、笔触是创作和欣赏油画时，都要考虑的元素，造型通过科学写实手段，可以让油画画面的外在形象贴合真实性的要求，色彩不但可以表现强化造型的精确性，还能展现画家的情绪和思想，更能提升视觉冲击力。光影和笔触是体现画面节奏感和韵律感必不可少的元素，同时，笔触跟色彩结合起来，能展现出强烈的主观情感。

（雷诺阿风景）
自始至终，色彩在油画创作中扮演着非常重要的角色，文艺复兴中期，威尼斯画派大师提香是第一位重视色彩感受的画家，通过他对色彩的发扬，自此后，从巴洛克、洛可可、浪漫主义，一直到印象派，色彩在油画中的比重越来越高。

（雷诺阿作品）
尤其到了印象派时代，色彩的作用在油画创作中上升到了第一位，给油画进入现代性开了一个好头。
实际上，色彩是一把双刃剑，用得好能很好地提升画面趣味，若用不好的话，画面会呈现出凌乱，跳跃，拼凑，没有主题的感觉。归根结底，画面中的色彩组合到一起，以和谐为基准。

（雷诺阿·河边沉思的姑娘）
中国画中经常有浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干等画法，是指先在纸上画出浓墨或淡墨，未等它们干透后，在浓墨或淡墨的基础上，继续施加淡墨或浓墨，这样画出来，等画面完全干透后，就能看到浓淡相宜，虚实相生的层次感，让画面体现出一种自然节奏，给观者没有死板的感觉。

（梵高·花园花开）
油画跟国画都是视觉艺术，它们的画理实际上都一样，都是采取一定方法，让画面色彩不产生冲突和遏制。
从这个意义来讲，油画中在设色时，不能使用同一种色彩或色调，每种色彩或色调在画面不同地方使用时，要有明显的区分，哪里轻哪里重都要贴合画面的主题。在这一点，完全可以参考梵高和雷诺阿的油画色彩。

呵呵，我好久不画油画了，不过最近手痒，刚去买了画框，还没安画布呢。

技巧如下。


挫

挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作，挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

拍

用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。

揉
揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。

线

线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早加油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦培拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放。工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。

油画

油画是西洋绘画中的主要的一个画种。用快干油质调和颜料，绘制在经过处理的画布、板、厚纸或墙面上的绘画艺术。早期油画采有“坦泼拉”（Tempere）画法，即用鸡蛋黄或蛋清作为凋料溶合矿物颜料作画，再作薄而透明油色罩在画上。15世纪，尼德兰画家凡•


爱克兄弟改用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，使颜色易于调和，被广泛地运用。特点为运笔自如，并可层层敷设，提高色彩亮度，能较充分地表现物体的真实感和丰富的色彩效果。从此，新材料和新技法很快流传全欧洲。凡•

爱克兄弟因此被称作欧洲油画的创造人。20世纪初我国出现研习油画者渐多，其中李叔同（1880—1952）最早研习油画并把种技法介绍到中国来。
扫

扫常用来衔接两个邻接的色块，使之不太生硬，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。

跺
指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。
乳剂材料

乳剂材料是一种具有悠久历史的优秀传统材料，在现代得到了新的发展。乳剂型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料，两者的优点也兼而有之。各种坦培拉绘画材料如蛋彩、酪彩以及蜡质材料都是属于乳剂系列的。乳剂材料可用水稀释，干燥速度快，类似水性材料；可以作不透明厚涂，干后不溶于水，又具有油性材料的优点。各类现代的丙烯、乙烯合成颜料等既保留了传统乳剂材料的特点，又具备油性材料的长处，并且还有其它材料无法替代的效果，是有着很大发展前途的新型材料。

油性材料

使用油性材料以及天然树脂作为绘画媒介剂的主要画种是油画，它是由传统蛋彩和酿蛋白等乳剂型材料演变发展而来的。油性材料的特点是干燥缓慢、有光泽并可反复覆盖厚涂。油性材料具有强烈的表现力和丰富的技法效果，可以说几乎包容了所有其它材料和画种的技法特点。油性材料的特性允许深入细微地刻画对象的造型，可以表现出对象丰富逼真的色彩关系，从而符合了14世纪以来人们再现视觉真实的愿望，促进了西方绘画向写实发展的进程。油画诞生后～直在西方画坛占主要地位，并在全世界范围得到发展，这也证明了油性材料的优越性。从水性材料到油性材料的过渡是一个漫长的变革过程，几乎经历了数千年的时间，是绘画材料技法乃至艺术史上的重大突破。油与树脂的使用是使西方绘画材料技法区别于东方绘画材料技法的重要特征之一。

拉

拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等，这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面，画刀画出的形体坚实肯定，是画笔或其它方法难以达到的。

擦

擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显。

抑
抑是用刀的底面在湿的颜色层上轻轻向下压后提起，颜色表面会产生特殊的肌理。在有些需要刻画特殊质感的地方用抑技法可达到预期的效果。
水性材料

人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。

油画材料

油画材料可分为基底材料、油画颜料和媒介剂材料三大类。基底材料指承载绘画颜料层的依托材料和底子涂料。油画颜料是绘制时直接表达绘画的色彩和肌理效果的主要材料。媒介剂材料则是用于调整颜料性状并使其和基底材料结合在一起的各种稀释剂、结合剂和上光剂等。

砌

砌的方法是用刀代替画笔，像泥瓦匠用泥刀环泥灰那样将颜色砌到画布上去，直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄层次变化，刀的大小和形状以及用刀的方向不同也会产生丰富的对比。用画刀调取不同的颜色不作过多调合，任其在画面上自然地混合能产生微妙的色彩关系。起伏过大的色层也可用砌的方法将其砌平。砌的方法如果使用得当，就会有很强的塑造感

划

划指用画刀的刀锋在未干的颜色上刻画出阴线条和形有时可露出底层色来。不同的画刀能产生深浅粗细不同的变与画笔的笔触及画刀利的技法产生的色面形成点、线、面的对起伏的肌理变化。

点

点——众法自点始，一切笔法均出发于点。早在古典坦培拉技法中，点画法就是～种表现层次的重要技法。在维米尔的作品中也使用了点的笔触来表现光的闪烁和物体质地。印象派时点彩笔法成了其基本特征之一，但莫奈、雷诺阿和毕沙罗等的点法各自具有不同的变化和个性。新印象派则走向极端，机械地将点作为其唯一的笔法。现代写实油画中也有沿用以点的疏密来产生明暗层次的，可以造成肯定又不死板的过渡。点的方法在综合性画法中与线条和体面结合可产生丰富的对比，用不同形状和质地的油画笔又可产生不同的点状笔触，对表现某些物体的质感能起独特的作用。

刮

刮是油画刀的基本用途，刮的方法一般是用刀刃刮去画面上画得不理想的部分，也可用刀刮去不必要的细节或减弱过于强的关系，让显得紧张的画面关系松弛下来。长期作业在一天作业结束时往往需要把本画完的部分颜色用刀刮去以便及时干燥，待第二天接着画。颜色干后也可用画刀或剃须刀把高低不平处刮得平整一些。还可在未干的颜色层上用刀刮，使之露出底色从而显现各种肌理。

涂

如果说点画法和勾画法是形成油画点与线的手段的话，那么涂就是构成油画体决，即面的主要方法。涂的方法有平涂、厚涂和薄涂等，也有把印象派的点彩法称为散涂的。平涂是画大面积色块的主要方法，均匀的平涂也是装饰性油画的常用技法。厚涂则是油画区别于其它画种用笔的主要特征之～，可以使颜料产生一定的厚度并留下明显的笔触而形成肌理。用画刀把极厚的颜料刮到或直接将颜料挤到画布上，可称为堆涂。薄徐是用油将颜色稀释后薄薄地涂上画面，可产生透明或半透明的效果。散涂则使用笔显得灵活多变、气韵生动。结合揉扫的涂法也叫做晕涂。

摆

用笔将颜料直接放在画布上不作更多的改动称摆，摆也是油画基本的笔法之一。摆的方法常用在油画开始和结束时，以较肯定的颜色和准确的笔触来寻找色彩与形体关系，往往关键处只需几笔就能使画面改观，当然下笔前应先做到成竹在胸方可奏效。


擦——擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显。

经常接触绘画、摄影、雕塑等视觉艺术的人，都听过“视觉中心”这个专业术语，也叫“兴味中心”或“焦点”。

假如以绘画作品为例，“视觉中心”特指一幅画里边最重要，最有看点，最能吸收观者留意力的那一小块主体画面，国画里通常把它称作“画眼”，它能明白通知观者应该先从这里停止观赏，然后发散式向四周观看，从而领略到整个画面的意境和兴趣。实践上，其它文艺作品，如，诗歌有“诗眼”，有可能是一句诗，也有可能是一个关键性词汇。文章有“文眼”，是提醒文章主题和概括内容的关键语句。“视觉中心”或“画眼”的作用跟“诗眼”和“文眼”的作用完整分歧，都是透露作品精髓的所在，能够协助观赏者更快、更精确地体会作品的宗旨。

画家的创作并不只仅指拿起画笔画画，而是包含了许多个步骤，它们是环环相扣的。总体来说，创作主要包括酝酿、构思、打腹稿、动笔、润饰等流程。酝酿就是把脑子里的笼统思想转化成形象思想的过程。构思是对酝酿的进一步深化和细化。打腹稿就是在脑子里布置好画面构造的规划，对主次关系停止分类，并考虑运用什么样的表现技法。动笔则是把腹稿照实地呈如今纸张上，变成可视的画面。润饰就是对完成的画面作进一步修正，并强化一些细节的表现力。自此，一幅绘画作品呼之欲出，变成一幅真正的艺术品。

实践上，从构图层面来说，一幅油画作品必需包含四大局部，它们分别是主题，主体，陪体，视觉中心，这四大局部构成了油画作品在视觉方式上的根底，缺一不可。油画的主题就是画面中要表达的内容，是观者直接观看到的可视局部，也是画家的艺术理念的直接见证。跟一篇文章要讲述什么样的主题思想和故事内容，在作用上完整相同。油画的主体就是画面中要表现的中心人物或、中心景物或中心事情，位于整个画面的中心位置，也是画家描写最认真的中央。比方，达芬奇名作《最后的晚餐》里，主体就是位于12个门徒正中间的耶稣。摄影作品里有“C位”，含义跟油画作品的“主体”完整分歧，都是指整个画面中的中心位置，是观者的视觉焦点，很容易惹起关注。油画的陪体是指处于陪衬位置的人物或者事情，作用是装点和烘托主体的存在，就像一朵红花需求一簇绿叶来烘托的道理完整一样。

在一幅作品里，必需做到主体为主，陪体为辅，两者一定要主次清楚，决不能让陪体喧宾夺主，从而毁坏掉画面的构造。缺乏主体的画面，一是阐明画家的构图有问题，招致画面中的主次关系紊乱，让没有用途的元素抢占了主画面的风头。这时能够恰当删除一些跟主题不相关的元素，能够是人也能够是物和景。二是阐明画家对主题的提炼和升华做得不够。布置到一个画面中的一切元素，基本作用是为了效劳和升华主题，假如一个元素可有可无，那么最好不要，画面越是简约凝练，越能给观者留下丰厚的审美空间。作为视觉艺术里最重要的“兴味中心”，如何才干在画面中把它完好地表现出来？我以为，做到以下三点就能完成。

第一，注重光影与色彩的作用，经过两者的强弱比照关系来表现。在详细做法中，能够把“视觉中心”这一块的颜色画得更鲜艳、更明快一些，光影强度更丰满一些，这样的话，这一块就构成了一个引人瞩目的“焦点”，自然能吸收观者在看到画面的那一刻，把留意力停留在这个位置。关于这个画法，能够学习17世纪绘画巨匠伦勃朗，他把这种技法运用得十分熟练，并且创造了“伦勃朗式用光”，对表现油画“视觉中心”起到了十分好的作用。

第二，经过构图的空间远近关系来表现。油画家在外出写生时，特别是景色写生，都会先选择一个近景作为视觉中心开端画，然后依次展开对远景的描写，这样做契合客观的真实。在理想生活里，我们观看景物时，近景给人的觉得明晰而完好，远景虚化而破碎，表如今油画创作中，只需遵照这种近实远虚、近主远辅的客观规律，就完整能表现出视觉中心。

第三，采用背景虚化的方式来表现“视觉中心”。摄影艺术里，常常会用到“背景虚化”技法，就是经过变焦，把背景的景深变浅，让焦点汇集在主题画面上，从而有效展示出“视觉中心”。这种技法在油画作品里也常常会用到。对主题画面的细节表现更用心一些，画得更写实更明晰，把主题画面以外的局部画得写意一些，呈现出虚幻、朦胧的效果，这样一比照，就能烘托出视觉中心的存在。

首先应该突出主题，而且想要完整的体现出来就应该注意构图，而且也应该注意色彩的搭配，而且也需要详略得当，一定要将主体物展现出来，其他的环境以及氛围都是为了烘托主体物的。

油画的视觉中心可以通过主体的大小来展现出来，也可以通过物体的虚实来表现出来，同时，也可以通过色彩强烈的对比表现出来，通过以上几点可以完整的把视觉中心展现出来

把它完整的体现出来就是把自己看到的东西全都把它表现在油画上面，这样也会让自己的油画变得非常好看，把自己的想法都表达出来。

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