了解美国的艺术起源和发展,看后现代艺术的全民化

作者&投稿:超林 (若有异议请与网页底部的电邮联系)
~ 在上世纪,美国一直是一座梦想之城,世界各地的人们来到这里寻找美国梦。而各种文化的撞击和发展,打造了异彩纷呈的美国文化和艺术。《DADA全球艺术之旅去美国》将带我们去这个让人激动亢奋的国度见识他们的艺术的发展之旅。

美洲在1492年被发现的,而真正为世人所知则始于1945年。第二次世界大战末期,欧洲人逐渐认识了大西洋彼岸的美洲新世界已经崛起,足以与他们抗衡。在欧洲登陆的美洲大兵带来很多令人着迷的新奇玩意儿――可口可乐、汉堡包、口香糖、好彩香烟、美式足球,当然还有电影明星和啦啦队女孩。但最让欧洲人大开眼界的,还是粗旷牛仔们带来的一股艺术潮流。

这是一种开始形成自己独特风格的艺术,涵盖兰美国及其所有象征物的历史、城市中离群索居的人、高大的建筑、璀璨夺目的仿制珠宝……纷纷进入纽约和洛杉矶的博物馆。新的绘画流派相继诞生,打破了世界文化中心巴黎那些老派艺术拥护者们制定的所有规则。就这样,这些表达痛苦、幽默、不满、不同政见或坏品位的新流派,从无序走向有序,并在未来深刻的改变着艺术的世界。

《DADA全球艺术之旅去美国》就从主流艺术的起源和发展,介绍了上世纪美国的艺术狂潮,那我们现在就去了解一下吧。

欧洲的艺术家们追求人物线条的完美,他们一般是贵族或宫廷画师,在那里艺术是高大上的,平民很少能接触到。而在这个新兴的美国,人们脱离了原有的阶级固化,以一种更自由的心态追求艺术,使他们的艺术更接近生活、更人性化。

这时候、野兽派画家、表现派画家也出于这一原则展开创作,立体主义、抽象手法被大量运用,还出现了未来主义画家。

爱德华·霍珀是美国最伟大的画家之一,而且是最具“美国风格”的一位,他的作品表现出的那种纯粹的孤寂似乎是现代化的产物。

他在1925年创作的《铁道旁的房屋》,看似平淡无奇、单调乏味,但单调的直击人心:那些住在铁道旁的人们每天在窗口欣赏那一层不变的风景,就是从屋前经过的火车。1939年,爱德华·霍珀又创作了《纽约电影》,画面中一位陷入遐想女检票员呆立在放映厅的入口,而观众们则在昏暗之中观看影片。同样,这幅画表现的是另一个世界的孤寂,在那个世界里,电影的画面似乎比周围的世界更加真实和诱人。

跟欧洲画家一样,美国画家对描绘城市也越来越感兴趣。比如查尔斯·希勒,他所描绘的风景没有生气――工厂冷冰冰的烟囱代替了大自然的喧闹。他的笔锋干净利落,只用极为简单的线条就勾勒出轮廓,他的作品几近抽象的速写,我们从中可以看到法国立体题绘画的影子。

同样,斯图尔特·戴维斯也运用抽象手法来描绘音乐、俱乐部、城市的街道和街道上的广告招贴。

而在查尔斯·德穆思的绘画中,城市仿佛被一股永不停歇的按钮推动着,在他的著名作品《我看到了金制的数字5》中,德穆思描绘了一两飞驰的波士顿街头的消防车给自己留下的印象,消防车呼啸而过,而他却呆立街头,思索着那个印入眼帘的数字5。德穆思是一位未来主义画家,这一画派发源于意大利,在两次世界大战之间对绘画艺术产生了深远的影响。

不光如此,达达主义和超现实主义在美国也占着举足轻重的地位,并为艺术实践开拓了全新的领域,让它完全摆脱传统表现手法的规则限制。在两次世界大战之间,一些艺术运动就已经呈现出了一种“美式艺术”的轮廓,比如“乡土派”和“社会现实派”,这些流派推崇美国传统的集体价值观,揭露现代生活的无情,从而赋予艺术更为本质的政治色彩。

而直到第二次世界大战之后,美国才完全摆脱了欧洲一损影响。

“抽象表现主义”这个名称,是《纽约客》杂志的一位记者提出的。这些艺术家们并没有结派,而是独立创作并发展了自己的风格。在20世纪40年代,他们几乎全都生活在纽约,而且在绝大部分时间中都想要创作大尺副的抽象绘画。

这些艺术家的人生遭遇可谓悲惨,先后经历了第一次世界大战、大萧条、西班牙内战、第二次世界大战、犹太人屠杀,还有广岛和长崎的原子弹爆炸,生活没有特别优待他们。阿希尔·戈尔基,是一位亚美尼亚裔,他逃过了土耳其奥斯曼帝国时期针对亚美尼亚族群的大屠杀,却目睹母亲因饥饿而死去;威廉·德库宁,是一位荷兰裔移民;马克·罗斯科,生于俄国一个贫穷的犹太家庭,遭遇了反犹太主义;杰克逊·波洛克是一个贫农家庭的第5个孩子,他的12岁之前搬过8次家,在青少年时期酗酒成性。

在承受了如此之多的苦痛之后,这些艺术家已经无法再用先辈的绘画语言表达绝望之情,他们必须与过去决裂并创造全新的事物。他们作品中的人物支离破碎、造型奇异甚至不以人的形象出现,但从不会透出悲剧的色彩。

对于一些人来说,让绘画过程被人看到并以此来激励自己,即是一种渴望也是一种需要。杰克逊·波洛克、威廉·德库宁和弗兰兹·克兰等人做画时,动作、痕迹、过程、行为都清晰可见,正是这一点,促使评论家哈罗雷·罗森堡在1952年使用了“行动绘画”这个词来指称这些艺术家们的绘画方式。

对于另一些人来说,创作时似乎更加注重内心感受,也更深思熟虑,他们借令出巨大的色域,这是他们在面对这个世界的艺术表达。评论家克莱门特·格林伯格在1955年把他们称作“色域画家”,包括马克罗克·罗思科、巴尼特·纽曼和罗伯特·马瑟韦尔等。

20世纪60年代,美国的消费品生产十分活跃,休闲活动也获得空前发展。产品批量生产,价格便宜,人人都买得起;汽车内部空间宽敞,颜色亮丽;房子可以贷款购买,但可能要一辈子才能还清……在消费社会,生产力获得空前发展,人们相信可以借助金钱和各种家居设备过上更好的生活。

于是,一种新的生活模式诞生了。人们通过电影海报确定休闲时间怎么打发,通过广告选择各种各样令生活更加便捷的商品和服务,艺术家们则从这崭新的世界中获得创作的灵感,用作品描绘、反映、阐释,甚至批评这种现实。就这样,一种前所未有的艺术――波普艺术,如繁花一般灿烂绽放。这种流行艺术,人人可及,人人能懂。

人称“波普教皇”的安迪·沃霍尔,重拾起通常用于印刷海报的丝网印刷技术,开始成系列的大量复制图像。如在《玛丽莲》中,玛丽莲·梦露一头卷发,嘴角含笑,还有无可挑剔的红唇,怎么看怎么美,永远那么年轻。沃霍尔以好莱坞电影明星为创作素材,印刷了大批图像。

“魔镜魔镜,我是最美丽的女人吗?”这个问题仍然悬而未决,但安迪·沃霍为我们展现了一个满是美丽女人的理想世界。这些美丽女子总是呆在游泳池边,喝着鸡尾酒消磨时光,他们的生活真的完美无缺吗?受波普艺术影响,雕塑也和以前不一样了。

比如安迪·沃霍把超市里的清洁擦堆放起来,就是一件雕塑作品;克拉斯·奥尔登博格的巨型塑料三明治看上去滑稽可笑,但占领了各大博物馆的展厅;贾世珀·约翰斯则用彩绘青铜铸城啤酒罐子……写实主义势不可挡,艺术家们想方设法重新表现这种全新社会模式的标志物,为的是赋予它独特的意义,重复、原模原样的复制或巨幅尺寸,任君挑选。

任何创作都是一种表达,但是没有一个地方比美国创作更加自由了。街头巷尾、地铁过道无不留下许多平民创作者的涂鸦,在很多国家,这种行为可能被视作损害公物的行为,但在美国,还可让这些作品进入博物馆。涂鸦,要面对警察越来越严厉的管制,创作意味着即兴和迅速,它往往是人们灵光一闪之后的杰作,带有一种更自然、更亲和的感染力。

千百年来,艺术都是一种高大上的东西,并不是我们每一个人都能够欣赏的,但是艺术流派在美国的发展,衍生出一种更亲民、更随意、更人性化的风格,使我们每个人都能够运用它、理解它并掌握它,汤唯在美国学习资金吃紧时,就曾在街头做过人体艺术,自己既是创作者又是模特,一个人几个小时就能赚够当天的生活费。

在美国,艺术是更自由、更包容,也更具活力的,比起我们之前对艺术的理解,它现在更接近生活,已经成为一种全民艺术,任何人都会使用它。美国的波普艺术流行,进而蔓延到全世界,使我们每个人都可能成为艺术家,加入这场艺术的狂欢,不得不说这于艺术是一种全新的推广。


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