电子音乐代表人？

中国电子音乐代表人物有哪些？~

徐梦圆，来自上海的音乐制作人，他的“China系列”将筝、琵琶、笛子等民族乐器融入电子音乐，风格活泼轻快，流传颇广，没也许你无意中也被他的音乐洗过耳朵，因为经常被电视节目翻牌当做bgm。

你好！
法国的Air首张专辑Moon Safari
挪威的Royksopp的第二张专辑The Understanding
Moby的第一张专辑Play
这些都是风格明快的
还有一些风格比较抑郁的如Massive Attack,Tricky,Portishead

张小夫 是中国的

　　另外

　　1.Pioneers（先驱）
　　撇开Stockhausen、Varese或是Xenakis不谈，电子音乐之所以能进入大众视野，全拜以下这些音乐人所赐。
　　— Kraftwerk《Trans-Europe Express》，1977：Krautrock阵营里最值得一听再听的唱片，以近乎冷漠的表达为技术歌功诵德。当《号外》做电子音乐特辑时，以黄耀明做模特克隆这张经典唱片封面的时候，《Trans-Europe Express》已不单单只是个电子音乐史上杰作，更是一种fashion icon了。
　　— Jean Michel Jarre《Oxygen》，1977：上世纪80年代，Jean Michel Jarre作为电子音乐大使在北京和上海的两场音乐会真是万人空巷，穿中山装的群众们和他热烈讨论Mozart和Beethoven的区别。重新聆听《Oxygen》，这部用古董电子乐器所炮制交响诗，回想到“万人空巷”这个词，实在没有把它妖魔化。
　　— Giorgio Moroder《E=MC2》，1980：Disco教父Giorgio Moroder的唱片最好是一张黑胶碟。Analogue时期的电子音乐到现在已成为新的chic。《E=MC2》从没有在唱片架上落过灰尘，一遍又一遍重访那个带有sci-fi情结的性感年代。
　　2. Ambient（环境音乐）
　　对于那些学究来说，环境音乐的开篇属于Erik Satie那臭名昭著的“家具音乐”。取消一切听觉兴奋点，会让你在不停等待副歌部分出现的时候，彻底陷入绝望。当然享受Ambient的第一要义便是按下play键，然后爱干嘛干嘛。
　　— Brain Eno《Ambient 1: Music for Airports》，1978：Brian Eno算是Ambient最名正言顺的创造者。《Music for Airport》里那些叫人辨不清方向的闲散音符一直如魑魅一般飘来荡去。相信如果把这张唱片与Brian Eno的另一张Ambient杰作《Discreet Music》对换，也没什么人能听出里面的区别。
　　— The Orb《The Orb's Adventure Beyond the Ultraworld》，1991：最初迷上是因为开篇的一曲“Little Fluffy Cloud”，如童话一般色彩斑斓，又充满奇诡想像。The Orb的Alex Peterson像是一不小心抖落了装载满童年回忆的口袋，各式各样的小玩意和纪念品，一古脑儿全掉了下来。
　　— Aphex Twin《Selected Ambient Works Vol. 2》，1994：“电子音乐领域的Mozart”这个头衔对于恶男Aphex Twin来说很贴切，尤其是这张《Selected Ambient Works Vol. 2》一如Mozart一般静谧而悠远。当然天才如Aphex Twin者，不仅自己能拼装出一台analogue合成器，甚至一个礼拜便能制作出塞满6张CD的音乐，实属天人。
　　3. Synth-pop（合成器流行曲）
　　Synth-pop甫一浮出水面的时候与Glam Rock的关系似乎更大一些，颠覆punk的艺术化流行小调，如在音乐里追寻Andy Warhol所带来的流行灵感。如今借由Electroclash咸鱼翻生的十几二十年前的电子口水歌，统统成了高档货。
　　— Tubeway Army《Replicas》，1979：这次Gary Numan并非以solo的样貌出现，所有人却把这张唱片归于伟大的奶油小生Gary Numan个人的名下。封面上Gary Numan顾影自怜的样子最叫人永生难忘。有异装癖的电音怪人Terre Thaemlitz也忍不住20年后用钢琴重新温习这张唱片，并且克隆出来的封面里，甚至那扇窗都是20年前一模一样的。
　　— Depeche Mode《Songs of Faith and Devotion》，1997：一直认为Depeche Mode有种积毁销骨，消磨意志的负面力量。那些具有分裂般美感的旋律与吟唱，一如在暗夜悠然飘出的一缕鸦片香，美得让人有犯错误的冲动。
　　— Pet Shop Boys《Please》，1986：放在整个Synth-pop阵营里来考察Pet Shop Boys，他们都算得上是异类，没有那些艺术青年所通常抱有的顾影自怜，反而干净得如青春期少年，并且十数年如一日，这点最值得骄傲。而《Please》里的“West End Girls”也绝对是Pet Shop Boys迄今为止最棒的歌。
　　4. House
　　一种disco音乐的变种，加上了4/4拍的电子节奏而成。就像朗姆酒是鸡尾酒的基酒一样，House是整个当代电子舞曲的基础形态，最容易在各大舞池里被听到。
　　— Leftfield《Leftism》，1995：House音乐在Leftfield这里开始跳脱出娱乐的功能，成为一种激进的音乐。朋克音乐借由Leftfield再度复活，John Lydon在“Burn Hollywood Burn”的叫嚣，使人回响起“UK Anarchy”。Leftfield对House的创造性改造，使之成为一张经典唱片，而非随时准备被淘汰的舞池单曲。
　　— Armand Van Helden《2 Future 4 U》，1998：Armand van Helden最著名的曲子可能是为Tori Amos的“Professional Widow”所做的mix。至于其后一张专辑《Killing Puritans》里拿德国重金属经典乐队Scorpions的乐曲做菜，改装成house单曲。其带点摇滚般重型风味的house也实在是该领域内少数派翘楚。
　　— Daft Punk《Home Work》，1997：若干年前，是Air乐队的《Moon Safari》以及Daft Punk的这张《Homework》，才使得巴黎成为电子音乐新的孵化阵地。一向擅长搞怪作乱的Daft Punk，把跳舞音乐归结为“狂热、简单、能量和效率”。《Homework》甫一推出，所有的舞池都在播放“Da Funk”。
　　5. Big Beat
　　给电子音乐一点摇滚的刺激似乎是Big Beat诞生的所有原因。几乎摆脱了电子跳舞音乐里disco的传统，直接在摇滚里吸取灵感，使Big Beat一开始便成为了排行榜的宠儿。
　　— Prodigy《The Fat of the Land》，1997：关键是主唱的鸡冠头，让所有的punk乐迷在翻阅音乐杂志时，对这支乐队都颇有好感。当然，音乐里那punk式的唱腔，以及纵火狂般的酣畅淋漓，使Prodigy成为整个Big Beat运动里第一支最成功的乐队，其风头盖过1997所出的一切摇滚唱片，即便是正在浪尖上的Brit Pop也显得暗淡无光。
　　— Chemical Brothers《Dig Your Own Hole》，1997：像Chemical Brothers那样把节拍做到如化学试验般诡谲莫测的程度，是该专门为他们发明个“Chemical Beats”的专用分类学名词。收集齐所有来自《Dig Your Own Hole》的单曲唱片的无聊举动，也只可能发生当时的Chemical Brothers的身上。整个评论界对Chemical Brothers的专宠行为，也使其他一众Big Beat明星显得哗众取宠了一些。
　　— Fatboy Slim《You've Come A Long Way, Baby》，1998：一天能收到4首单曲的混音定单，看来只能发生在Fatboy Slim身上。这张唱片的成功绝对为此推波助澜。化名为Fatboy Slim的Norman Cook最具娱乐大众的本领，同一时期他的单曲以及他为别人所作的混音单曲排着队上榜，使这张《You've Come A Long Way, Baby》更像是张Big Beat的compilation唱片。
　　6. Techno
　　2/2拍的枯燥机械舞曲，源自Kraftwerk的灵感，却成为整个电子跳舞音乐里最核心的品种。对于死硬派的乐迷来说，Techno远比乖巧的其他乐种更纯粹，更刺激。
　　— Derrick May《Innovator》，1997：作为Techno的发源地底特律的3位创始人之一，Derrick May早已成为DJ界内的传奇性人物，在整个电子跳舞音乐不长的历史中，真正能走进殿堂的人还不算多。正当绝大多数人把Techno认作是时髦流行音乐里唯一源自白人的风格时，却往往忽视了几位Techno的创始人，兼最优秀的DJ均是黑人。Derrick May在《Innovator》里，那种反黑人传统的诗意的Techno最是行云流水般畅快。
　　— Underworld《Second Toughest in the Infants》，1996：英伦最具轰炸力的Techno组合当属Underworld，那种融进英伦气息的Techno最叫人怀念Syn-pop时期的好风景，只是更直白、更明确、更狠，也更精致。
　　— Plastikman《Consumed》，1998：正是因为Techno的节奏原型太简单，所以Plastikman对Techno的改造更具实验性，也更敏感。在《Consumed》晦涩的听感里，蕴涵了太多的细节变化，似乎是离大众远了，却更贴近Techno艺术的核心。
　　7. Trance
　　Trance被称作Techno的改良版，自Techno越来越往听不懂的方向发展时，Trance适时地为它加进了许多easy 的元素。
　　— Paul Van Dyk《Out There and Back》，2000：这张唱片里融进了最多欧陆流行曲的风味。在Paul Van Dyk身上，在机械的节奏上，加进几乎是浪漫的风情是Paul Van Dyk成为DJ明星的法宝。
　　— BT《ESCM》，1997：它被誉为是最具史诗般风格的Trance唱片，BT那种直接从new age里汲取灵感的Trance，确实具有摧枯拉朽的力量。
　　8. Acid Jazz（迷幻爵士）
　　这种诞生于1990年代初英国DISCO舞厅的电子音乐，似乎越来越成为爵士乐复兴的一个载体：让爵士乐重新回到舞池里。越来越多的爵士乐手加入到Acid Jazz阵营里，而越来越多的电子音乐制作人也开始越来越爵士化了。
　　— Us3《Hand on the Torch》，1993：这张据说是Blue Note历史上最畅销的唱片，大概也是Acid Jazz中最畅销的一张了。首张单曲“Cantaloop (Flip Fantasia)”使Herbie Hancock原作 “Cantaloop”成了街知巷闻的热门旋律。
　　— Gilles Peterson《INCredible Sound of Gilles Peterson》，1999：Gilles Peterson被誉为Acid Jazz运动的开国功臣，他不仅是世界级DJ，还是厂牌Acid Jazz的联合创始人，也是著名厂牌Talkin' Loud的老板。是Acid Jazz最孜孜不倦的推广人。
　　— James Taylor Quartet《The Money Spyder》，1987：据说这支乐队才是Acid Jazz这个名词的创始人。无论如何，这个由与美国老牌民谣摇滚明星James Taylor同名的英国人领导的四重奏组合，是Acid Jazz舞台上最早也是最活跃的艺人之一，他们非常浓厚的Soul Jazz风格实际上在Acid Jazz之中树立了一个鲜明的标尺，并深深影响了很多后来的Acid Jazz乐队。
　　9. Trip-hop
　　有那么几年，Trip-hop阴暗的节奏不仅统治了英国乐坛，也成了全世界摇滚迷和艺人热烈追捧的对象。一段时间，英国人竟然要高喊“Trip-hop已死”，这只能表明：Trip-hop已经成为不可磨灭的音乐之血渗进了后来的电子音乐骨头之中。
　　— Massive Attack《Blue Lines》，1991；Portishead《Dummy》，1994；Tricky《Maxinquaye》，1995：对于Trip-hop三巨头的这3张几乎人人都有的处女作，还有什么好说的呢？还是把版面留给其它人吧。
　　— Moloko《Do You Like My Tight Sweater?》，1995：跟Portishead一样，这是一男一女两人组合；跟Portishead完全不同，这个组合玩的尽管也是Trip-hop，却有着少有的幽默感，一听起他们懒洋洋的滑稽歌曲，就会忍不住笑着手舞足蹈起来。
　　10. Abstract Hip Hop（抽象嘻哈）
　　Hip Hop升级版，把Hip Hop最核心的部分拿出来作实验，反而最远离原初的黑人音乐根源，从而把Hip Hop带出贫民窟。
　　— DJ Shadow《Entroducing......》，1996：Abstract Hip Hop里最经典的唱片，DJ Shadow那如魔术一样的双手化一切腐朽为神奇。那种复杂编排，以及将scratch技术发挥到极致的聪明构思，使这张唱片今天听来也仍犀利无比。
　　— DJ Krush《Zen》，2001：DJ Krush可能是日本向世界输送的最大Hip Hop明星了。那种具有异国情调的Hip Hop化学配方最是绕过具有意识形态特质的黑人根源，而直达Hip Hop音乐本身。其实很难分清部分Abstract Hip Hop与Trip Hop的区别，在DJ Krush身上也不例外，只是这样一种音乐上的cross over的尝试，似乎是Hip Hop走出自身藩篱的绝妙尝试。
　　— Antipop Consotium《Tragic Epilogue》，2000：Antipop Consotium更加实验得厉害，那种原初Hip Hop里粗野的rap已被知识分子化政治宣言以及美学主张所取代，其表达的内容更深刻，在音乐上也积极向实验跳舞音乐靠拢，想像力更加丰富了。
　　11. Drum N' Bass
　　跳舞音乐的加速版，身体不一定能跟得上节奏的速度。流行的时间并不算长，便被相对温和的UK Garage所取代。
　　— Roni Size & Reprazent《New Forms》，1997：自称创造了“叫人得心脏病的舞曲”，这样一支全明星阵容所组成的Drum N' Bass乐队，当年该专辑一推出，便力排Radiohead、Prodigy，以及Chemical Brothers这类浪尖人物，摘得专门表彰创新艺人的Mercury音乐大奖。正如其标题所昭示的，Roni Size Reprazent的音乐以全新的形式感超越了Drum N ' Bass创始人Goldie
　　— Photek《Modus Operandi》，1997：Photek的Drum N Bass则更黑暗幽深，不讲究乖张突兀的奇诡细节，反而将其简化到如Ambient般营造氛围的境界，一如观看一部黑白间谍电影，紧张与压抑的气氛在这张专辑里挥之不去。
　　— Talvin Singh《OK》，1998：Talvin Singh将印度传统音乐与Drum N ' Bass节奏嫁接到了一起，使传统、异国情调、以及在当时来说最尖端的电子跳舞音乐汇聚到了一起，所有的这些时髦元素，使这张《OK》成为当年最具创意的专辑。
　　12 . Electroclash
　　新近的时髦电子音乐，融进行为艺术、戏剧表演，源自punk或Synth-pop的上世纪70年代末音乐审美重新成为今天新的时尚。
　　— Fischerspooner《#1》，2002：作为Electroclash运动里最大的明星Fischerspooner，他们将美妙的音乐、绚丽的服饰、强劲的视频设备以及戈戈舞女们的表演完美地结合在一起。由Fischerspooner所代表的Electroclash是一场充满DIY精神的运动，它借用大摇滚乐队那样极度风格化的表现形式，使俱乐部文化与先锋表演艺术亦得以复兴

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骑南紫逗： 周宁可

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