【急急急】关于美术方面的问题！！！

有关美术方面的问题。急！~

我们所谓美的观念，不是过去有的哲学家所谓先验的美的观念或客观的美的观念，而是和他们那种唯心主义论点相反，总的说来是客观现实事物的美的反映。自然，美的观念所关系的理论范围可能是广泛的，它的形成过程也可能是复杂的；但是我们认为主要是经过形象思维活动，由具象概念发展而形成为意象，再由意象发展而完成为美的观念。这是我们认为美的观念形成的主要的思维过程，也是我们关于美的观念所要着手考察的主要的理论线索。关于这样的美的观念的论点，对于我们也是一个新的难题，且在下面分节来试行论述吧。

一、由具象概念到意象的形成

　　具象概念经思维活动过程，形象性丰富、意识性增强
　　形象思维是从具象概念开始，也是以具象概念为基础的。具象概念本身不用说就是形象的。只是具象概念的形象是对于客观事物的反映而来的，虽然也有它的主观性，但主要是由于自然的或社会的外在条件的限制性，如所谓目所不能视或耳所不能闻、生活中不能接触的限制等。而所认识到的具象概念，基本上是根据客观现实事物的形象来的；或者说是客观现实事物的映像。因此这种具象概念，一般来说，还不是具有明显的意识性。而在以具象概念为基础的形象思维活动的进程中，首先达到判断阶段、即表明这一个具象概念和另一个具象概念的关系；或者更进一步达到推理阶段、即以一个以上的具象概念为媒介，表示这一个具象概念和另一个具象概念的关系。要之，在形象思维的活动过程中，原来的具象概念的意义就有了相应的变化，即按各种不同的表现形态及概念间的关系，而有不同程度的主观意识性。　　
　　到这里我们还要说明，形象思维和抽象思维由于它们的思维活动本身既有不同，而在思维活动成果上也表现有重大的区别。我们已经知道抽象思维首先是以抽象概念为基础的，它的逻辑规律也规定它是抽象的。在这里我们还要说明：主要就演绎法的抽象思维活动来说，它本身就是抽象的，它的思维活动成果也是抽象的，甚至可以说是更抽象的。而和抽象思维正相反，形象思维既是以具象概念为基础的，它的逻辑规律也要求是形象的；除此之外，我们在这里还要说明形象思维活动本身就是形象的，它的思维活动成果也是更为形象的。　　
　　我们现在就可以分别举例来说明它，先且从抽象思维的判断米说，例如“玫瑰是显花植物”，这个判断是建立在两个概念的天系上，也就是表示这两个概念之间的关系。不用说，这两个概忿都是抽象概念，这个判断也是抽象思维的判断。原来由于思维埘于它的两个概念进行分析之后，把玫瑰断定为显花植物，也就楚把玫瑰看作是显花植物，这个判断本身无异于把玫瑰的其他特性都撇开了，都抹煞了，因而这个判断本身就是抽象的，结果是把玫瑰这个抽象概念变得更加抽象了。再就形象思维的判断来说，我们再引《诗经》中的句子为例，如“桃之天天，灼灼其华”，这两句诗表明“桃”和“其华”的关系，也是一个判断。它是形象思维的判断。原来作为思维对象的“桃之天天”是形象的，接着增加来的“灼灼其华”也是形象的。这两句诗作为两个事物的关系构成的判断，是在“桃之天天”之上再加上“灼灼其华”来形容它，不仅没有把它抽掉什么，反而增添了形容它的东西，于是原来的思维对象的形象是更丰富、更具体的新的形象了。这个新的形象的构成，首先是根据“桃”和“其华”的自然关系。桃的天天，华的灼灼，属于自然现象，或者说有自然的根源；但是它的这种关系的构成，究竟还是由于作者的观察、比较、选择、综合而形成的，也表现有作者的意思。　　
　　我们再举抽象思维的推理的例子来看。如关于文艺理论的基本原理有几句话说：“上层建筑都是为经济基础服务的，文艺是上层建筑，文艺也是为经济基础服务的。”从马克思主义的根本观点看，这样的理论是完全对的；而从普通逻辑来看，这样的三段论式也是非常正确的。但是多少年来、多少人，包括某些美学家、文艺理论家都曾表示怀疑，有的人就公然提出反对意见，也曾得到有力的支持。我们同意这个三段论式，也理解怀疑者和反对者的原因。原因就在于抽象思维的抽象性，在于形式逻辑的片面性。且看这个三段论式的大前提、“上层建筑是为经济基础服务的”，就把各种上层建筑自身的特性抽象掉了；它的小前提、“文艺是上层建筑”，又把文艺本身的特性也抽象掉了。于是结论就只是“文艺是为经济服务的”，成为双重抽象的东西了，也就是既抽去了它是某种上层建筑的特性，又抽去文艺自身的特性。如文艺要是美的，要有感人的，要能启发人、鼓舞人、教育人和娱乐人等特性都没有了，因而未免怀疑或反对文艺是上层建筑、是为经济服务的结论。其实这是一种误解，说文艺是上层建筑，是为经济基础服务的，并无意于否认文艺有自己的特性，只是这里没有说到它，这里不要说到它罢了。这就正是由于抽象思维的抽象性的必然表现。

问题：当在你上课时，一个学生在传纸条，你怎么办？
1、 用眼神暗示他，引起他的注意，让他聚精会神的听课。2、 边讲课边走到他的课桌边，用手敲打他的书桌，提示他，让他聚精会神的听课。3、 课后把他叫到办公室，给他讲清楚，传纸条的危害，让他今后注意上课认真听讲。
2.问题：学生早恋怎么办？你支持学生早恋吗？
“不支持，但也不生硬地反对。先了解学生情况，分析早恋的原因。通过在班上开展讨论，让学生明白青春的可贵，爱情的神圣——很多人只是因为空虚，寂寞，贪玩而随便、不负责任地把爱情当游戏……有必要的话，可以找学生单独谈话，动之以情，晓之以理。”
3.问题：“为什么要选择教师这个行业”、“你是怎么看教师这个工作的”?
我读的就是师范类的专业，做教师符合自己的专业，而且现在公司之类的工作不够稳定，教师稳定性比较高，现在好的学校对教师的培养很好，也能为教师提供很大的发展空间等。
教师这个职业是神圣而伟大的，他要求教师不仅要有丰富的知识，还要有高尚的情操。因此，在读师范时，我就十分注重自身的全面发展，广泛地培养自己的兴趣爱好，并学有专长，做到除擅长绘画和书法外，还能会唱、会说、会讲。“学高仅能为师，身正方能为范”，在注重知识学习的同时我还注意培养自己高尚的道德情操，自觉遵纪守法，遵守社会公德，没有不良嗜好和行为。我想这些都是一名教育工作者应该具备的最起码的素养。
4.问题：教师要耐得住寂寞、清贫、教师要守住这片净土，你为什么选择教师这个行业？参加教师招考进行教师队伍你的动机是什么？你觉得做教师的伟大之处在哪里？
做一名光荣的人民教师一直以来是我的梦想，也是我最真实的理想，并不是因为听了“教师是太阳底下最光辉的职业”这句话，而是因为我非常了解这个职业，也非常热爱这个写满奉献、充满挑战的职业，因为在这里有着可爱的孩子，令人敬佩的同事们，他们都已成为人生路上不可磨灭的一笔。　教师在精神上是富裕的，是其它行业所不能比拟的，因为我们从事的是伟大的事业，是令人尊敬的事业，至少我们的灵魂是幸福的。如果上天要我选择财富的富有和灵魂的幸福，我想我会毫不犹豫地选择后者，这可能就是我选择教师这个职业的根本原因吧！
5.问答：你的座右铭是什么？
“只为成功找方法，不为失败找借口”。我认为一个人的成功与否，和他的努力程度有很大的关系，成功是要有百分之九十九的汗水，而这些汗水也并不是随随便便就可以轻易流出的，想要成功，是要努力寻找一个突破成功的路径并为此奋斗，而总为失败找借口的人是品尝不到成功带给人的喜悦的
6. 外国的一个教育家说过“要认识学生，要学习学生”，对这种说法你如何看？
我认为是正确的，每个学生都不一样，每个人的成长路线也大相径庭。当然要认识学生，就能够让每个学生得到应有的知识 走出属于他自己的道路 不可复制的成功。还有就是 有的时候 老师做的也许没有学生好 这个对于大学 或者 成人尤其如此，所以老师也要向学生学习
7.你教的学生很任性、急燥、不爱学习，你该如何办？
如果他很任性，应多让他和别人相处，体会一下世间的人情冷暖，多去帮助他人培养自己的爱心。另外，他很急躁，不爱学习,是不是他进入了青春期，有叛逆的思想。或许是对学习没兴趣，多给他读一些名人成长的故事，和励志文章。再有可能就是他学习不好，所以很急躁，想学习好却没有办法，应多和他沟通，找合适的方法培养他的学习兴趣。
8.说课和讲课有什么区别，你是怎么看？
讲课课的对象是学生，而说课的对象一般是专家，同行。讲课一般时间是一节课，说课的时间是十几分钟。说课的重点是怎样处理教材，怎样突破重难点，怎样上课。而讲课的重点则是要将知识传输给学生，并及时的获得反馈信息，帮助学生学习。我觉得，讲课属于教学实践，而说课则偏向于理论方面
9.你认为当好一个美术老师应该具备哪些素质？
我认为一个合格的教师首先要有一颗博爱的心，来关心和爱护每一个学生。其次，要有过硬的专业知识，就我自己而言，则是要有过硬的美术功底，有良好的美术修养，要让自己的学生在每一堂课中都能够有所收获。特别是美术老师，要从小培养学生的审美意识，时刻渗透审美精神，这样才可以称得上是一个合格的美术老师
10. 有一天，你上课的时候，学生向你提出一个你也不知道怎么解答的问题，你准备怎么办、
先赞扬这个提问的同学，因为他有这样的思考力和勇气，可以想到这样的问题，而且把它提出来。然后你顺势向全班同学说，大家要向他多多学习，多思考多提问，但有些问题是不能一个人，在短时间内可以回答，解决掉的，所以我想和同学们一起想一下，在课堂上怎样解决这问题。集合大家的智慧来寻找答案，如果在本节课解决回答不了，那我们就把这问题当然课后作业，等下次课把答案告诉这位提问的同学。
11.一堂好课的标准是什么？
1，语言要流畅2.备课充分，知识涵盖量全面3，能够调动起学生的学习兴趣，并且做到与学生经常进行互动。4，教学结构合理，通常是复习-学习新知识-突破重点难点-进行总结，一堂好课是要让学生学习到知识的同时，能够充分的享受一堂课
12.给学生一杯水而老师要有一桶水
作为一名教师，我们身上担负的是要传授知识的责任，在这个信息时代飞速发展的今天，知识的普及也越来越广泛，学生智力普遍得到提高，涵盖的知识量也很多，在这种时候，如果教师只是一味的照着书本去照本宣科的教学，恐怕学生是吃不饱的。如今的新课程理念是要重点培养学生的创新思维，激发学生的学习兴趣，面对着渴望获得知识的学生，教师的知识含量也一定要很大，必须做到不断的学习，不断的丰富自己的头脑，跟上社会发展得脚步，这样，我们才可以算的上是真正的教学
13.一位教师每天都在不断的问自己“今天我想了吗？今天我学了吗？今天我读了吗”
这位教师很有进去精神，懂得时刻鞭策自己，但是同时，作为一名教师，我认为他的做法不符合新课程目标里的要求，因为教师在教学工作中起到帮助、带领的地位，学生才占有主导地位，我们应该每天思考的是“今天学生学习到了多少？学生学了吗？学生读了吗”这样，才能真正的带动学生的学习
14，“我们这节课讲完了”和“我们这节课学完了”有什么区别
这两句话体现的主体不同，新课程标准中强调的是以学生为主体，而讲这个字强调的则是以老师为主体，当老师认为一节课讲完了，而学生确没有学完，那么这节课就是一节失败的课，而“我们这节课学完了”这是以学生为主体，站在学生的立场去考虑的，言下之意就是这节课学生真正的学到了知识，这样才算是一节成功的课
15.学生自己管理自己的观点你赞同吗？
赞同，每一个学生都希望自己可以获得重视，能够有所作为，即使是学习成绩差的学生，也会有管理的欲望，教师在这时应该大胆的放手，让学生自己管理学生，锻炼学生的领导能力，培养学生的处事能力，要让每一个学生在集体中发挥自己的特长，让这些小大人得到最好的锻炼
16.请讲述一件最令你感动的师生情景
在汶川发生地震之后，那里的老师在面临灾难之后所表现出来的师德领我深深的感动。当地震发生时，教师发生了强烈的晃动，所有的学生都吓得四处乱跑，失声尖叫，正在上课的吴老师挥着手，示意学生一个个的往外跑，不要慌张，当时的楼梯口挤成一团，大部分的学生都跟在了吴老师的身后，这时有人发现还有两个学生在教师里没有逃出来，吴老师毅然的冲回了正在晃动的教师，护在了两个孩子身上。为了就这两名孩子，吴老师失去了宝贵的生命。我想，在灾难来临时，这种精神是值得我们所有人民教师学习的
17.激励与批评都是一种教学手段，你比较赞同哪一点？
激励与批评虽然都是一种教育手段，但是其达到的效果是不同的。所以，用在的地方也应该是不同的。不能一味的激励，这样会使学生骄傲。也不能一味的批评，这样会使学生自尊心受打击。总的来说，教育还是应该以激励为主。但是必要的时候，批评也不失为一种好的手段。因地制宜、因材施教，激励为主，批评为辅，二者相结合才是科学的教育手段。
18.你认为一种科学的备课方法是怎样的？你是怎样备课的
1.集体备课，集思广意2.吃透教材，体会重点难点3.准备引申讲解内容，多理解本节知识点相关的实例、典故等细节。4.组织语言，注意授课技巧，把握课堂时间。
19.你最欣赏的教学方法是什么？
我最欣赏的教学方法是讲授法，虽然讲授法也有很多的不足之处，但是它却是在短时间内传授知识最有效的方法，以小学生的能力，还不足以应付自主学习法或者是分析法，所以针对小学生来说，我认为讲授法还是比较可行通用的教学方法
20.假如你的学生当面指责你，你会怎样做
作为一名教师，遇到这种情况千万别急，急了会乱了方寸，也万万不可生气，我认为当面将这个问题激化会增加师生之间的矛盾，同时也影响教师的修养。在遇到这种问题时，心平气和的分析，是自己的问题还是学生对自己存在误会，如果是自己的问题，就要勇于去承认并且改正错误，这样也会得到学生更多的敬佩，如果不是我自己的问题，而是中间存在什么误会，那么我会找一个时间，和学生单独谈，尽量将误会解决
21.你觉得应该怎样上好第一堂课
第一，要给学生留下一个良好的第一印象，建立良好的师生情感。新教师往往会的到学生更多的关注，所以一定要注意仪表，穿着得体大方，谈吐诙谐幽默，要充分的调动自己的感情，在授课的过程中与学生有眼神上的交流，要尽量环视，照顾到每一个学生。第二，要充分的展示出自己的业务水平。衡量一个好教师的关键首要的还是他的专业知识，而要让学生信服你，则是要有过硬的专业知识，把渊博的知识与灵活的教学模式有机的结合起来，吸引学生融入到课堂中来，并且可以随着你的思维去分析问题，当做到这样亮点，其实就是一个比较成功的课
22.教师政策
取得中小学教师从业资格，必须具备中等师范学校毕业以上的学历，教师享有从事教育教学工作，知道学生学习和发展，发表学术论文，参加教师培训等权利，教师应当履行完成教育教学工作任务，对学生进行爱国主义教育，尊重、关爱学生等义务。教师的平均工资不低于国家规定公务员的平均工资水平，并逐步提高，到边远山区或是少数民族地区任教的教职工应给予补助

希望可以帮到你哦

　　一、版画的特点：
　　1 尽可能利用对象的本色，显出木味。
　　2 巧妙利用“留黑”手法，对刻画的形体作特殊处理，获得版画特有的艺术效果。
　　3 发挥刻版水印的特性，让大块阳刻产生强烈的艺术效果。
　　4 通过巧妙构图，以丰满密集和萧疏简淡等不同风格来衬托表现主题。

　　二、剪纸的特点
　　民间剪纸之所以能够历经中国漫长的历史演进，而不失其纯净和清新的特质，与中国农村稳固的社会结构和文化结构有着密切的关系。它自身存在过程中所具有的互为矛盾，又互为统一的不同特性，决定了其对于不断变革侧自然选择方式，从而与宫廷艺术、文人艺术拉开了间距。
　　1． 依附性与独立性的统一

　　民间剪纸是附合民间习俗的必不可少一种艺术活动。它的存在，就必定依附于民间特定的文化背景与生活环境。家中有白事，窗户上不能贴得红红火火；娃娃不生病，老奶奶也不肯剪一串吊魂的小人人；用于摆衬礼品的，要看是办喜事、丧事还是做寿；一对老夫老妻的屋里如果贴上一对坐帐喜花，那肯定是年轻人的戏耍；久旱无雨，如果剪的不是求雨的“独女捣棒槌”，而是求晴的“扫天婆”，那不知要遭多少人的咒骂。这种受存在目的作用制约的依附性特征，表现在具体作品的构图处理上，也就是作品的装饰性特征。如悬空吊挂的门笺、碗架云子之类，必须线线相连；贴在窗户上的则要求与窗格适合，并多镂空，否则迎光看去只是一个大纸片片；贴作炕围的，就最好少剪零碎花纹，否则时间长了很容易损坏。

　　诸多的限制，也形成了艺术上的独特语言。民间剪纸在完成一定的民俗作用之外，又极力显示着自身存在过程中的独立性----即美的特性。一张剪纸，不论它用于何种场合，作者在创作的过程中必然贯注自己的审美感情。只要人们以美的标准肯定了它，它也就有了存在中的审美价值。当然民间剪纸这种艺术形式的独立性，对于民俗的限定不是抛离，而是充分驾驭民俗形式的随心所欲。因而。其存在价值也超越了陪衬民俗的行为目的。

　　这种艺术上的独立性，正随着社会变革和旧民俗的逐渐消失而渐趋明显。

　　2．集体性与个性的统一

　　从绝对意义上讲，任何艺术创造都不能简单地认为是纯属个人的产物。人的社会属性，使之必然地反映着一定阶层的艺术趣味。而个性，只是在集体，或传统基础上的发挥。

　　民间剪纸的集体性特征，明显表现在其作品的最后归属上。作品不再是作者个人的私有，而属于整个社会和集体。因而它的最终面貌，必定是直接集中了群众的智慧，融汇千百人艺术才能和审美喜好的产物。特别是一些已流传千古状态凝固的作品，是经过许多代人的反复雕琢和修改才基本定型，而被普遍承认、流传和保存。如《车马图》、《织布图》，其作品原型如何，已无法细究。在各地均有流传的类似作品，其面貌大相径庭，就很难说哪一件作品完全是某一位作者自己的创造。那么，形成集体性的一个重要成因，则应该是民间剪纸的匿名现象。民间艺术与专业艺术家的创作不同，作品既不标明作者的名字，也没有个人的著作权。好的作品流传于世间，一经传播便成大批临摹、变体作品的滥觞，作者就被融入“劳动者”这一群体概念之中了。

　　诚然，这种劳动者无个人功利的艺术的确建立在民间文化牢固的集体意识上，但是凭这一点并不足以作为对民间剪纸艺术家艺术个性的否定。正如专业艺术家争取艺术的自我表现，却终将不会失去自我在社会和历史上的位置一样，民间剪纸在表现民族集体心理意识的同时，也当然不会没有艺术中的自我。如果说文人艺术家个性的体现是“小我刻意追求“大我”中的位置，那么，民间剪纸艺术家个性的体现，则是置身“大我”之中小我”的自然流露。且不谈东西南北地域的艺术风格和特性，即使同一地区不同作者的作品，也分明有着自己明显的个性。若怀着鄙视心理地走马观花，自然难以看透。

　　以陕北的巧手张林召和王兰畔为例，二人相距不过百里，年龄相近，风俗习惯基本一致。张林召幼年家中富庶，喜看戏听书，受过封建中产阶层礼教的训育。但一生多磨难，三次丧夫，四次嫁人，生过13个孩子全部夭折。因之，外部性格忧郁、孤僻、不善言谈，对人生多唯心思想。其创作是为了“能忘掉乱七八糟的事”，而很少受别人的干扰。可见内心的焦辣苦疼与其含而不露性格的矛盾。创作过程中急於通过情感的泄流，取得心理平衡。王兰畔，她觉得“人活着就要忙忙活活，这样才快活。”对人生和世界没有过高的奢望，而重视自身对社会的贡献，属于“知足者长乐”的类型。她的老伴李新安是把苹果引进陕北高原的有功之臣，但她从没想到应该得到什么报答。因之，其性格开朗活泼，直爽豁达，自信要强，任性好动，又往往不拘小节，丢三拉四。她剪花是因为“人家都让我剪，就是说我剪得好，是抬举我。干别的没大本事，就能铰个花花，铰起花来心里就美美的。”可见其内心世界有着强调自我价值的倾向。她们的作品中，都有着个人形象和心灵明晰的影子，可谓“画如其人”。这种个性的存在，既符合本地区文化传统的集体性特征，又毫不掩饰作者的精神世界，与文人艺术、宫廷艺术个性表达中的吞吞吐吐、无病呻吟形成了鲜明的对照。

　　长期以来，民间剪纸一直被认为是重复性的劳动或传统纹样的复制，忽视了劳动者艺术家的个性创造，这是历史的不公。

　　3． 变异性与稳定性的统一

　　毕竟不是每个用纸剪刻的劳动妇女都能获得艺术上的成熟。一个村，一条山沟，出那么一个或几个被社会公认的巧人，她们的作品就自然会四处流传。其传播方式一种是烟熏替样的方法，一种是靠记忆模拟的方法。流传中，常常是张家的媳妇用李家老婆的样子，王家的女儿又把花样传到姓刘的婆家，人们都有权力按照自己的理想和审美爱好对原稿随意改动。作品的最初形态必然会发生不可避免的变化。这种传承中的变异现象，也不断地调节着民间剪纸与其流传的时代、民族、地区、习俗之间的差异。

　　同时，由于民间剪纸所担负的民俗形式的滋延传承，及基本纹样程式化手法的相对固定，传承方式的世代相袭，又使其具有外在形式相对稳定的特性。有些作品相当于戏曲中的保留剧目，哪个地方漏了一句台词，少了一个动作都会引起观众的哗然，是不能随便改动的。民间剪纸也往往有这种情况：一件好的作品，经过一个笨人之手变成一张难看的纸片片，再经过一个有经验的老婆婆之手，又使它重新恢复了光彩。

　　民间剪纸传承的变异性与稳定性，与其赖以生存的中国农村传统文化结构有着密切的关联。所以，一次大的社会变革的发生，必将会导致不同地域、民族文化心理的波动和调整。从而形成新的态势，所以，挖掘和整理包括民间剪纸在内的民间美术，应是今天有民族责任感的艺术家重要的课题。

　　三、水彩画的特点
　　水彩画是广为普及的一个画种，作为独立的绘画形式，其形成与发展经过了一定的历史过程，世界上第一幅水彩画是出自德国画家丢勒之手，但成为独立画种并兴盛、发展是在英国，至今已有三百年的历史了。 水彩画同其他画种一样，因为使用的工具、材料的不同，有其特长，也有其局限，从而形成了能 独立存在的艺术 特点。 （一）工具性能 学习水彩画必须首先了解和熟悉水彩的工具性能，然后才能更好地掌握与运用它。 1、水彩颜料 水彩颜料色粒很细,与水溶解可显示其晶莹透明;把它一层层涂在白纸上,犹如透明的玻璃纸迭落之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉画颜料有较强的覆盖力。 水彩颜料的群青、赭石、土红等色属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象，巧妙运用可产生新颖的效果。 2、画纸 水彩画用纸比较讲究，它对一幅画的效果影响很大，同样的技巧在不同的画纸上的效果是不大一样的。理想的水彩画纸，纸面白净，质地坚实，吸水性适度，着公后纸面比较来整，纸纹的粗细根据表现的需要和个人习惯选择。不要以为初学不管什么纸都可以作水彩练习，太薄的纸着色后高低不平，水色淤积，影响运笔；吸水太快的纸（如过滤纸），水色不易渗化，难以达到表现意图；太光滑的纸水色不易附着纸面，都不适合画水彩之用。应熟悉自己使用的画纸性能物点，善于巧妙地掌握它。 3、画笔 水彩画笔需有一定弹性和含水能力，油画笔太硬且含不住水分，不宜用来画水彩（但有时可以用来追求某种特殊的效果）。狼毫水彩笔、扁头水粉笔、国画白云笔、山水笔等都可用来画水彩。准备一支大号的涂大色块用，具体塑造与细节描绘有两三支中、小画笔即可。

　　四、中国画一般特点

　　学习中国画，首先应了解中国画的特点是什么，所以这本书就先从这里谈起。

　　要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。这里试举数点。

　　一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思

　　中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。

　　唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。

　　宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。到了清代的方薰，著有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。

　　意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。

　　"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。

　　宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。

　　在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。

　　二、以线造型以形传神——中国画的造型规律

　　中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。
　　"以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。

　　三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则

　　中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。
　　中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。
　　四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则
　　中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

　　五、情景相生气韵生动- -中国画的意境

　　中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。
　　至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。

　　六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

　　可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。
　　题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。
　　中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

　　从写生到写意

　　国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。

　　根据董其昌的记载，好多著名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如"李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山"。当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。

　　由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。

　　对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。

　　主题突出

　　明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说："古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主"。"所主"也即是主题。主题突出，是艺术创作中的一个共性。一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在"有意、机诈和骗诱"和辩才的出于"无心、善良和受骗"两个典型情节，以突出画中的主题。主题突出在"赚"字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。

　　在国画创作中，发现了好的题材，并不等手都能突出主题。如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上叮以不加解释的领会到作画者的意图何在。所以郭熙认为?quot;作画先命题为上品，无题便不成画"。

　　主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。

　　积累素材

　　文艺工作者都需要在生活中积累大量的素材。文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。象画家齐白石，对于各种小生。的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。

　　鲁迅先生提到过，"作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。到外面去速写，是最有益的"。

　　从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。

　　题材 体裁

　　题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙炼金找出的最适于表达某一主题的材料。如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。

　　用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现口为贴切。

　　在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

　　两个基本功

　　一、中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是；陵墓前人作品和老师的画稿。副脚七画家王石谷，临摹宋元各大家，都有相当造诣，经数十年的临摹和体验，他才感到对青山绿水有了充分的把握，这一点在临摹一章里还要细谈。

　　二、生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。

　　两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。

　　在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。清代画家石涛说"笔非生活不神"，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。

　　就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。

　　清，王星在《东庄论画》一书中徽“学画者先贵立品”。清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺仅高的画家才值得人们学习和尊重。

　　五、油画的特点
　　油画是用油画颜料、调色油类的材料，借用画笔、画刀等工具，在特制的底子上绘出的色彩作品。油画由于颜料遮盖力强，技法复杂，能画出很充分、很逼真的效果。油画颜料干得较慢，在作画时还可以用不同成分的调色油控制颜料干燥的时间。所以油画几乎可以画出任何尺寸的画幅，可以描绘大自我中的任何形、质的物体。

　　油画源于西洋，在十七世纪逐流传于远东。
　　流传渠道主要是通过商业贸易，少数由使节传递，用于国与国之间礼尚往来。
　　最早记载的油画制造者当数十四世纪的凡·埃克兄弟。
　　现代普遍认可的油画鼻祖首推意大利人达·芬奇。（代表作“蒙娜丽莎”）
　　油画具有非凡的表现力及艺术感染力。在镜箱，乳化银技术还未出现之前，主要表现的是神话题材，为宗教所用。后来逐渐被宫廷主宰者所接受，并留下诸多人物肖像画。
　　油画是视觉艺术的主要表现手法之一。
　　艺术史学家、哲学家把油画划分成早期、文艺复兴时期、工业革命时期、资本主义阶段、当代。
　　其派别大体上有：宗教派，印象派，野兽派，现代派……。
　　其代表人物有：达·芬奇、米开朗基诺、伦勃朗、德拉克罗瓦、拉菲尔、科罗、列宾、希施金、凡高……。
　　传统的油画无一不在严谨的写实基础上加以深化、提炼，通过画家艰辛的劳动而成。
　　油画画家们大多与建筑、雕塑、旅游、社会活动、文化活动以及政治结下了不解之缘。当前，有一种过于抽象的画种，只能说是一种涂鸦，不在本文所说的油画范畴。
　　油画的基底多采用棉、麻布，或覆盖木板材，或绷紧于木框之上，形成一定面积的平面，用特制的油画颜料绘制。
　　油画颜料是从岩石、矿物、植物中经提炼，研磨，化合分解后，取得极其细小的颗粒，再用植物油按需要配比搅拌而成。自然界中的物质可调制成色光谱中所有的色彩，为油画提供取之不尽，用之不竭的原料。为防止颜料固化开裂，保护画面，使之长久留存，先辈画师还将蛋清搅拌其中绘制，并使其产生一定的光亮度。
　　油画使用的工具主要有画架、画板、油画笔、刮刀、刮棒、调色板、调和油等等。
　　中国西画（油画）始于一百多年前的清朝，由传教士将西画的技法传授给信奉基督教的中国信徒，开始有了中国西画。后来有了一批官派留洋学生，赴海外学习西画。主要代表人物有徐悲鸿、颜文梁等人。
　　西画以人物为主，对人体描摹的要求较高，存世不少艺术品。当然留存于世的风景画也不在少数。
　　对于风景画的要求，除了需有时代背景外，地域特征的表现也需一目了然。
　　艺术是不分国界的，可是一件真正的艺术品须具备民族文化做底蕴，才能立足世界之林，油画也不例外。
　　油画的创作过程，画家本人应该具备深厚的文化素养及长期的深入生活，加娴熟的技法，才能创作出厚重意义的，达到留存于世境界的作品。创作过程达数年之久也不凡前例。
　　油画与建筑相比较，在某种意义上讲，更具备抗自然风险、战争的能力；一幅好的油画作品，其艺术感染力是无价的，其市场价值是昂贵的。
　　从事油画创作是一项具有上帝的使者，人类灵魂工程师的崇高使命意义的工作，其作品应是作者灵魂的表现，同时对社会应富有责任感，创造美的感觉，通过人们的审视，引导人们向美好的愿望前进。

　　六、水粉画是介于水彩画与油画之间，用水调含胶的粉质颜料画在纸上或布上的一种色彩画。最初的水粉画是水彩画的一部分，后来在材料和技法的不断发展和演变中逐步完善起来，从而成为一种颇受欢迎的画种。

　　水粉画的主要特点是用不透明的颜料和水调和作画。薄画时，可以充分地利用水分和底色；厚画时，又能利用水粉画粉质覆盖力强的特点，像油画一样层层涂抹和遮盖，还能干湿结合地塑造各类形象，表现色彩空间，营造艺术氛围。

　　水粉画的特点之一是表现力强，表现形式多样，应用广泛，大制作可以画成大幅舞台布景，小的可以绘成小幅精美图案。既能画出油画般的浑厚、气势磅礴的主题性绘画，也能湿画薄涂描绘行云流水之类的田原风光。近年来在招贴画、宣传画、广告及舞台布景设计方面得到广泛应用。

　　水粉画还有一个特点是表现方法和绘画技巧相对较容易，所需要的作画材料也经济实用，因此它作为色彩训练最先接触的画种，受到喜爱绘画艺术的青少年普遍的欢迎。由于近年来各美术院校招生时，色彩类试卷也大都限定在用水粉画来完成，所以各类考生无不把水粉画当作学习色彩画的首选画种。

　　水粉画的弱点是色域较窄，特别是深色色阶差度小，暗度不够深，难以表现物体微妙的色度变化；再就是水粉颜料没有光泽，着色后干湿变化大，颜色干后纯度也降低，干后颜色亦不好衔接等，这些给初学者带来一定的麻烦，只有在不断的写生实践中，反复琢磨不断总结，才能逐渐掌握其特点。

现代中国画家中，有许多是维护或坚持传统绘画的基本模式，不接受西方绘画影响：一支以模仿、传承前人技巧、风范为基本原则，保存与传授传统技巧；另一支在充分继承传统的同时力图革新，使传统绘画更加完满，创造自己的艺术个性，建树自己的独特风格，给作品注入一定的新内容，而不动摇和改造传统模式。以齐白石、黄宾虹、潘天寿为代表。”

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吕吴少腹： 装饰画是一种实用性和装饰性的美术形式.和普通的画有区别也可以讲没区别,平常的画也是具有装饰性的,只是你所讲的那种装饰画的装饰味浓一些.没有什么绝对的界限,用于装饰的,都可以讲是装饰画,只是运用的地方不一样而已,和写实的相比,一个讲究真实性和绘画者的功底一个更注重装饰性,不一定是写实,可以自己艺术的去加工他,达到你需要的状态.只是自己的一点见解,不一定正确.

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吕吴少腹： 一般红色以及色环上距红色较近的色彩都为暖色,,蓝色、绿色及其与黄色之间的过渡颜色为冷色.黄色里除了柠檬黄属冷色,别的基本都属于暖色.这只是针对颜色而言. 冷暖色调也只是相对来说的,冷暖色调只能评析在同一幅画上,红色在...

东营区18062908609： 有哪位专业人士告诉我关于美术的一些问题? - ？
吕吴少腹： 比例结构找准,多看头骨,把结构理解透, 水粉你也要多临摹一些好的画,然后融合在自己的画里,不需要太写实,只需要颜色漂亮,画就要当作画来画,写实并非好

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吕吴少腹： ....刀剑衣服 ..细节什么都别管.先把基础打好.头身比先了解.然后大体人体结构 然后才是基本五官.眼睛其实一点也不难.注意临摹和积累.然后发型衣服配件再日常积累 这是基本顺序 很多人画的很华丽.但是一看人画的畸形谁都不想看不是么.所以先从基础打起..然后视角.构图.场景.透视.上色技巧.风格选择...各方面 听起来好像有点复杂但是没关系,大家都是这样慢慢摸索的.加油吧.另外找几个朋友一起画是十分愉快的事情.也是一大动力.

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吕吴少腹： 具象:具体存在于空间,而且能够感知的一种形状或形态. 具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性.希腊 的雕塑作品、近代的写实主义和现代的超级写实主义作 品,因其形象与自然对象十分相似,被看作这类艺术的 典型代表. 我们在实践的绘画和其他具象艺术创作的过程中要选择具有典型特点的人物或者事件或者环境去突出艺术创作中的物体与物体环境与环境之间的矛盾很联系.只有典型才具备大众性具备所有物体的共同特着.因为具象艺术具备广泛性的和多重性,所以我们在创作当中选取人物环境还有事件都需要有典型性~