如何浅谈文艺复兴时期的雕像艺术

文艺复兴时期的雕塑的艺术特点~

文艺复兴时期的雕塑家开始着手从人的尘世美与真的方面来表现人，创作了富有立体感和尘世坚定信念的雕塑。哥特式人物形象说明了人渴望天国的完美，而文艺复兴则展示了在做人的完美之中的天国形象。因此，多纳太罗让他塑造的像真人一样大小的《大卫》像赤身裸体，而过去只有亚当和夏娃，以及被钉在十字架的人和被拷打致死的圣塞巴斯蒂昂才能如此。大卫也不再是旧约故事中的英雄，而是一个英俊的小伙子，仅戴着一顶佛罗伦萨小帽，以漫不经心的优雅姿态望着敌人的头颅。这里是新型的人的形象，他十分自信，不受习俗束缚，喜欢摆出优越者的姿态。这也许是文艺复兴时期的人最有说服力的形象，他把自己看成一个受他控制的世界的中心，个性的自由就是他的最高目标。到了文艺复兴盛期，则是以一种使个别一般化的理想主义来对待15世纪的写实主义。

米开朗基罗塑造的五米多高的《大卫》像给人深刻的印象，不再是依靠狂烈的激情，或者骄横的漫不经心，而是借助于他的形象的阳刚之美来表现人物。米开朗基罗也以裸体展示人物形象，肌肉强劲有力，通过紧张与松弛的游戏来具体表现精神和肉体互相和谐的理想。

文艺复兴晚期的样式主义，从16世纪20年代开始流行，持续到16世纪末。一批倾慕米开朗基罗的典雅风格而又务求新奇的艺术家，以追求风格自居，遂被后人视为样式主义流派。此词从17世纪起渐含贬义，有装模作样的讥讽意味。1920年以来，西方美术史学界对样式主义重新作了评价，认为它是盛期文艺复兴美术和巴洛克美术之间的自成一格的流派，其风格演变自有其社会背景，并在西欧形成国际影响。

样式主义的特点是它既有违于盛期文艺复兴美术的一些基本原则，也与日后的巴洛克美术有所不同。它虽仿效米开朗基罗等大师，却只得其形式而失其精神。一般而言，样式主义的作品都注重人体表现，尤以裸体为多，但姿态怪异，肌肉表现夸张近于畸形。与哥特晚期的情形相类似，人的形象又成了心理表达的载体。与哥特风格的S型线条相应，这时出现了那种像蛇似的盘旋向上的组像，这种表现方法成为后来的巴罗克雕塑加以仿效的风格。

文艺复兴时期的雕塑，继承并发展了希腊、罗马雕塑艺术的传统，使雕塑艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕塑家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕塑大师是吉贝尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。同一个时期的伟大雕塑家还有多那泰罗、委罗基奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕塑艺术发展到了最高峰。文艺复兴时期的雕塑艺术对后期的雕塑家有着极大的影响。

文艺复兴是人类历史上里程碑工的伟大时期，是欧洲文化艺术发展史上的重要历史阶段，这之前西方人终于开始被他们自己创造出来的“神灵”所禁锢，失去了作为人的意义所在，成为上帝的“神学奴仆”，在此期间，艺术家不能表现自我，完全服从于上帝。这种禁锢人们思想的行为最终走上了衰亡。文艺复兴的出现使艺术的繁荣在漫长晦暗的中世纪后显得尤为振奋和夺目，“文艺复兴”原意为“古代文化的复兴”或译为“古典风格的再生”。意大利艺术家瓦萨里的《绘画、雕塑、建筑名人传》中，最先使用这一词语来概括那个时期文艺活动的特点。

文艺复兴所代表的是整个思想的解放和灵感的涌现，但在欧洲来说，北欧和南欧所表现出来的美术风格却大相径庭。下面就分别以南欧意大利和北欧尼德兰为代表分别介绍两种不同风格的美术特点：

一、意大利文艺复兴时期美术
文艺复兴首先发端于意大利，因为意大利有三个有利条件：其一，资本主义生产在意大利产生地比较早，商业、纺织业、银行业特别发达。其二，有丰富的古代希腊、罗马的遗迹和遗物。三是由于城市的兴起，意大利的科学和文学发展很快，为美术的发展提供了有利条件。意大利文艺复兴美术的发展大体可以分为三个阶段：发端时期（13世纪末～14世纪）与早期（15世纪）、盛期（16世纪上半叶）、后期即危机时期（16世纪下半叶）。
公元12、13世纪意大利的佛罗伦萨、西埃那、威尼斯等城市随着经济的发展都逐渐形成了以城市为中心的市民世俗文化，艺术家们则表现出对古典艺术的关注，从13世纪后期开始，中世纪美术逐渐向文艺复兴美术过渡。文艺复兴的发端时期，意大利最有名的两个画派是佛罗伦萨画派和西埃那派。佛罗伦萨派的代表人物是乔托，西埃那派的主将为杜桥和马尔丁尼。
乔托被公认为是新与旧两个时代的“桥梁”，西方美术史上的“但丁”。他一生完成了许多壁画，作品最大的特点是依照生活中的模特儿作画，笔下人物生气勃勃，不仅有血有肉，并且有丰富的感情，而且同时作品上开始出现了背景。他的主要代表作是《逃亡埃及》、《犹大之吻》、《圣母子》等。《犹大之吻》被誉为14世纪文艺复兴美术最辉煌的杰作，描绘了犹大出卖耶稣，罗马官兵以犹大和耶稣接吻为暗号而逮捕耶稣的故事。画中耶稣临危不惧，镇定安详，与叛徒犹大的丑恶嘴脸形成鲜明对照。《逃亡埃及》则像是一幅农家生活中的场景，没有过去那种宗教神秘感。乔托的艺术创作不仅对14世纪意大利文艺复兴美术影响极大，后来的马萨桥、达芬奇、米开朗基罗等都十分重视向他学习。乔托创立的现实主义原则超越了一般技法范畴，具有典范意义。

杜桥作为西埃那派的创始人，绘画风格上与佛罗伦萨派不同。他的作品成秀丽多姿面貌，用色精细，线条优美，在写实方面略逊于乔托。代表作有西埃那教堂的主祭坛画。
进入15世纪，意大利的美术得到更进一步发展，出现了较多画派，但佛罗伦萨派仍占有主导地位，在建筑、雕塑、绘画方面形成了新的美术高潮，标志着早期文艺复兴的到来。建筑家布鲁内莱斯基、建筑家多那泰罗、画家马萨桥就是其中的三个代表人物。
布鲁内莱斯基曾赴罗马专门考察古典遗迹。他在建筑中继承了古典建筑开朗和谐的风格，充分运用古典柱式，设计了一批代表文艺复兴成就的建筑作品。代表作品为佛罗伦萨大教堂。
代偶素家多纳泰罗的雕塑脱离建筑而存在，人物富有世俗精神，并在技巧构图上都有大胆尝试。其作品《大卫》是文艺复兴第一件全身裸体像，准确表现了人体结构，反映了市民的进取精神和人文主义思想。
马萨乔是一位继承乔托画风，向自然学习，在绘画上取得了突破性成就的画家。他笔下的人物有着鲜明的时代特色，生气勃勃，富有自信心，画面上人物之间的关系更加密切。同时，他对自然景物的描写也比以前准确地多。作品《失乐园》成功地刻画出亚当和夏娃在运动中的人体，体积感强，背上的情态表现，烘托出画面的悲剧气氛。代表作还有《纳税钱》等。
安杰列科是佛罗伦萨派中的抒情画家，他的画轻柔、圣洁，有一尘不染的味道。对后来的拉斐尔颇有影响。代表作有《受胎告知》、《圣母加冕》等。
博蒂切利是佛罗伦萨派著名画家，也是意大利15世纪下半期最主要的美术家代表。他的作品中有贵族化的华丽，半古典半宗教的典雅，新柏拉图主意的哀婉和来自本人气质上的多愁善感。代表作有《春》、《三王来拜》、《维纳斯的诞生》、《哀悼基督》等。画风秀逸博雅，色彩明丽绚烂，特别擅长使用流畅轻灵的线条，在文艺复兴画家中独树一帜。
文艺复兴盛期
达芬奇的出现被人们看作是文艺复兴盛期的开始。盛期三杰达芬奇被比作深沉的大海，米开朗基罗被比为巍峨的高山，而拉斐尔则被看作是晴朗无垠的草原，这种形象的比喻不无道理。
达芬奇是文艺复兴盛期的第一个杰出的画家，也是卓越的艺术理论家。他一生完成的作品不多，但件件都是不朽名作。他的艺术思想是：1.艺术家要以自然为师，主张首先通过观察自然得之于心，然后才能出之于手下，这与我国画论中的“外师造化，中得心源”同理。2.艺术贵在创造，不要模仿别的画家的样式。3.重视人物的内心刻画，好的画应该描绘人和他的内心活动。4.反对自然主义的描写，要善于从许多美的面孔上提取最好的部分，不仅要画，更要善于思考。5.要善于听取别人的意见。达芬奇的代表作可谓妇孺皆知，《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《岩间圣母》等都是人们津津乐道的名作。《最后的晚餐》十分出色地描写了各个人物的心理状态和表情特征，表现了正义与邪恶的斗争，耶稣背后的大窗子正好衬托着头部，形象清晰，庄严肃穆。《蒙娜丽莎》展现的和谐体现了人的内在美与外在美的统一，代表了一个时代，其中闪耀着人文主义思想的光辉。那被世世代代人们竭力品味的神秘的笑吸引和启发了很多人。

米开朗基罗这是一位伟大的雕塑家、画家和诗人，他的艺术有如下几个特点：1.宗教题材中有着鲜明的人民性特色，描写的是穷人的宗教。2.他的作品有强烈的时代气息，如《大卫》的理想、《摩西》的愤怒、《奴隶》的痛苦、《夜》的悲伤等等都是那个时代的回声。3.因为经历了时代的动乱，作品中反映了时代和个人思想上的矛盾，带有悲剧色彩。米开朗基罗在绘画方面最杰出的代表作是西斯廷礼拜堂的天顶画，主题画取材于《创世纪》，颇有新意。雕塑作品《摩西》是一座正义者的纪念碑，塑造了一个向邪恶挑战的人物，表现出的是人的意志和尊严。

拉斐尔是一位非常善于吸收学习的画家，他把写实的佛罗伦萨和抒情的安步里亚两大画派的风格糅合在一起，而且宗教画中带有明显的异教精神，以古代的精神来调和基督教的精神。拉斐尔创作了一系列的圣母像，其中最出色的如《圣母的婚礼》、《圣母加冕》、《西斯廷圣母》等。《西斯廷圣母》中的人物和真人大小相仿，是类似祭坛画的圣母像。画面上帷幕拉开，圣母怀抱圣婴从云中走来，两边为男女圣徒，底下两个小天使作顾盼状。构图庄重均衡，人物形象俊美，显示出伟大的母爱精神和救世济民之意。无论在内容和形式上都体现了文艺复兴时代的特色，是拉斐尔典范风格的完美代表，对后来的古典派和学院派有很大影响。
威尼斯画派
威尼斯画派是文艺复兴时期意大利北部一个重要画派。当时威尼斯是一个贵族共和国，也是东西方贸易的中心，商业经济十分繁荣。从15世纪中叶起，人文主义的思想在威尼斯得到了迅速发展，15世纪下半叶，威尼斯绘画中的世俗因素已十分明显。这个画派的特点是：作品多呈现出欢乐的情调，画家们喜欢画裸女，宗教观念要比别的地方薄弱。同是宗教题材，表现的确是自己城市的生活和同时代人的形象。威尼斯画派的作品色彩非常漂亮，色调饱满，鲜艳明快，同时他们也很注意大气和外广的表现，对欧洲17和18世纪绘画有着深远的影响。威尼斯画派的代表画家有乔尔乔涅、提香、丁托莱托等。
乔尔乔涅是威尼斯画派中最有才气的画家之一，他的老师贝利尼是威尼斯画派的创始人。贝利尼的作品注重对风景的描写，人物情态和风景紧密结合，充满了淡雅宁静的情调。乔尔乔涅是从贝利尼风格过渡到威尼斯画派全盛时期的代表人物，他的作品意境深远，色彩典雅，柔媚而不俗气。代表作有《田园合奏》、《暴风雨》《睡着的维纳斯》等。
提香和乔尔乔涅是同窗好友，前期是宁静的画风，如《神圣与世俗之爱》、《花神》，后期的作品则常常带有一种激愤和不可抑制的热情，如《丹娜伊》《基督戴颈箍》等。他虽然处在威尼斯危机四伏的年代，但仍保持了人文主义的传统，作品中有着强烈的人民性和英雄气概。另外提香是位与众不同、独具一格的肖像画达士，他比别人更强调人物的个性气质和时代色彩。

二、尼德兰绘画特点
　　继意大利之后，尼德兰也逐渐出现了新文化的曙光，成为第二个全面进入文艺复兴的地区尼德兰早期的文艺复兴运动，其性质和意大利的文艺复兴属于同一范畴。
　　1.凡·埃克兄弟的细腻画风
　　尼德兰在文艺复兴时期的艺术，最显著的特点是注重于现实生活的变现，充分反映了当时城市市民阶层的生活状态以及他们对美好生活的渴望。因此，他们特别强调了绘画作品题材的世俗性；同时，由于这种绘画史从中世纪哥特式祭坛画和拜占庭的小型细密画演变而来的，因而它便显出前列的装饰趣味，画家们又非常注重对细节的刻画，因此，整体画面给人的视觉感受相对比较呆板且不够生动。
　　2.作为尼德兰文艺复兴最早的奠基人，凡·艾克兄弟无疑是我们首先要介绍的。
　　胡柏特·凡·艾克是哥哥，他应该称得上是尼德兰文艺复兴最早的奠基人。扬·凡·艾克是弟弟。他可以称得上尼德兰文艺复兴艺术最早的奠基人。
　　他们兄弟俩的《根特祭坛画》是一幅具有划时代意义的作品，也是他们最著名的代表作。作品虽然取材于圣经中的宗教故事，但画面所表现出来的人物形象却具有人世间的生活气息；尤其是内层中央部分的主体画面——《羔羊的礼赞》，更是充满了人世间的欢乐；那些生动的天使形态完全没有一点神的韵味，完全是有血有肉的现实生活中的人。这件作品所体现出来的带有人文主义世俗倾向性的意义，给处以中世纪哥特式艺术氛围中的尼德兰画坛带来了新时代的曙光。
　　此外扬·凡·艾克还画了许多肖像作品如《阿尔诺芬尼夫妇》、《提摩大·李尔肖》、《包红头巾的男子》等。虽然每一个局部都被他刻画的面面俱到，但整体效果却十分拘谨和刻板，缺乏应有的生动。这也许就是尼德兰画家在当时受中世纪哥特式祭坛画和细密画的传统影响所带来的局限性，又或者说是整个时代的局限。
　　二、尼德兰的后哥特式幻想
　　十五世纪末至十六世纪初，尼德兰成为了哈布斯堡王朝的势力范围，工商业进一步繁荣，意大利人文主义思潮也促进了这里的宗教改革运动。但是，由于法国和西班牙连年对尼德兰的征服与统治，使得尼德兰文艺复兴进入了最后的辉煌。这一时期最著名的画家有包斯和勃鲁盖尔，我在这里主要以包斯为代表谈一下尼德兰的后哥特式幻想。
　　包斯的作品明显带有寓意性的批判。《稻草车》描绘的是在一片虚幻的空间里，人们竞相为登上通往天国的稻草车而相互争先恐后，表达了人生如草芥的无奈。特别令人难以解释的是他那副祭坛或《人间乐土》，画面中充满了怪异的幻想，有人认为是应当是荷兰的一种小型基督教社团主张纵欲和饮乐的要求而作的。所有的物体被描绘得相当真实，如：水珠、蚌、猫头鹰等；但却出现了水主力冒出来人体、蚌壳中伸出了大腿、猫头鹰站在有四手四足的人头上等超现实的梦幻场景。如此荒诞不经的超现实主义画面的营造，居然出现在400年前，这是具有奇迹性的。
　　应该说包斯的艺术史开创了早期批判现实主义绘画的理想，他运用虚幻的真实表达了他对当时社会公德的愤慨和无奈。意大利的绘画特点：
　　1.艺术与科学的结合
　　文艺复兴重要的特色之一是艺术与自然科学结合起来，互相促进，使两者都得到了发展。透视学、光影学和解剖学的运用，使得绘画具有空间感，物体的体积得到了充分的表现，人体的比例和结构更加准确。代表作《蒙娜丽莎》。
　　在中世纪中的绘画作品中的形象是僵硬的、呆板的，达芬奇的《蒙娜丽莎》使人们看到了人类自己的笑容。这是一幅架上油画，达芬奇着重表现了人物的脸和手；应该说出了省略衣着服饰，人物的每一个细节都被处理的精湛务必；而背景是采用他最擅长的“空气透视法”，由近至远逐渐消失；整个画面仿佛被一种柔和的因素笼罩着。
　　2.赞美人体的健美和活力
　　到了文艺复兴时期，由于人文主义思想的影响，艺术家笔下的裸体都是健康、丰满、充满生命力、心灵和肉体和谐统一的形象。代表《春》、《维纳斯的诞生》。
　　这两幅话中的女性人体是意大利文艺复兴美的典型，而她们们又不同于希腊罗马雕像的美。比例长达八个头以上的修长身体，滚圆的腹部和臀部，拉长的脖颈，随风飘动的秀发，体现着新型的理想美。
　　3.把人物放在真实的自然环境中
　　艺术家们认为，把人放在真实的自然环境之中，这不仅使画面更真实了，而且也扩大了空间感。代表《天上的爱与人间的爱》。画面中令人心旷神怡的风景和人物使我们不禁想到天堂就在人间，令人羡慕、向往。同时令人敬畏的神和人溶为一体，它在向人们宣布；人与神、朴实与崇高、精神与肉体、自然美与理想美、驾驭自然的意志和被驾驭的自然，都是可以达到完美的结合的。
　　
虽然文艺复兴是一场伟大的人文主义运动，具有划时代的意义，但是由于这场反封建的斗争是资产阶级领导的，所以，作为文艺复兴主要内容的人文主义思想具有鲜明的资产阶级倾向性。人文主义者远离人民群众运动，蔑视人民群众的结果，导致了他们推崇个别英雄人物、崇拜荣誉与权力；由于人文主义思想的核心是个人主义，就必然夸大个人的作用，美化强者行为、业绩，把英雄人物理想化。因此，文艺复兴在历史上既有进步作用，也有阶级局限性。

　　文艺复兴时期的雕像艺术

　　在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。

　　古希腊雕塑的特点:

　　总体特征：希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的，一句话概括是高贵的单纯，静穆的伟大

　　古希腊雕塑的主要发展阶段:

　　（一）迈锡尼工艺雕塑 :

　　迈锡尼城位于希腊半岛南端的伯罗奔尼撒半岛的东部。发生于这个地区的文化因迈锡尼城而得名，史称“迈锡尼文化”，成为克里特文化之后的又一重要文化。
　　在荷马史诗的记载中，荷马常用“多金的”这个词来形容迈锡尼。其实它并不盛产黄金，但是金银工艺制品相当发达，这是由于迈锡尼人同产金国，尤其是埃及人直接贸易所形成的，其中最引人注目的是金面具、金酒器等。当今考古发现除狮门有装饰雕刻外，雕塑艺术成就主要表现在金银工艺制品上。
　　动物雕塑在酒器工艺中被广泛运用。《狮头酒杯》是用金箔敲打而成的，形象以写实为基调，着力于装饰雕琢，简练概括，呈现狮子的基本形象特征。最有趣的是有双把手的高脚《鸽子酒杯》，造型不一般，这种形状的酒杯在史诗《伊利亚特》中曾有过描写：“旁边放着一个酒杯，是老人从家乡带来的。它镶嵌着金钉，杯的提耳一共有四只，每个提耳上面站着一对黄金鸽子，好像正在啄饮；提耳下面有两条长柄支持。”这是真实的记录，“史诗”确有史实根据。
　　金面具是丧葬品，模仿死者的面容制成，一般是罩在身份高贵的死者的脸上，这些面具实际上就是氏族部落首领的遗像。所以每个面具的面型都有特点：有的浓眉大眼，有的淡眉微现，有的嘴唇紧闭。迈锡尼的这种为死者罩面具的风俗，古埃及人早已沿用，且有明显的宗教含义：为死者留下一个不朽的面容，以便死者的灵魂飘荡四方以后还能找到自己的归宿。迈锡尼人制作面具是否也具有这宗教意思，至今尚无史料证明。
　　爱琴海艺术从地理环境上看起来似乎前接埃及艺术，后带希腊艺术，但是它决不是埃及艺术和希腊艺术的中间媒介。爱琴海地区的雕塑艺术具有民族的、地方的特征，这种个性特征既表现在艺术形式构成上，也表现在审美意识上。爱琴海艺术形象给人们的视觉感受不像埃及那样地对神灵和法老的崇拜，更多的是对神灵和王者的无视。他们的艺术直接同人类自身与现实生活相联系，艺术形式比起古埃及来更为轻松自然，具有和谐的节奏感和波动律。
　　克里特历经盛衰，特洛伊战争使特洛伊毁灭，迈锡尼衰落，一帮野蛮的游牧民族阿提卡人南下，一代古老文明便在铁蹄下变为一片废墟。但就在这文明的废墟上滋生出了古希腊文明。

　　（二）希腊雕塑艺术:

　　由于北方蛮族南下毁灭了克里特和迈锡尼的文明，希腊人被迫重新创造自己的文明。希腊文明主要表现在希腊神话、建筑和雕刻上。
　　希腊雕塑分4个时期，即荷马时期(公元前12世纪—8世纪)，因荷马史诗是这一时期唯一的文字史料而得名；古风时期(公元前750年—6世纪末)，因这时期的雕刻艺术呈古朴稚拙的风格而得名；古典时期(公元前5世纪下半期—334年)，指希波战争结束至马其顿亚历山大大帝开始东侵；希腊化时期(公元前334年—30年)，指罗马灭亡埃及托勒密王朝这一历史时期。

　　1、荷马时期•希腊神话——古希腊雕塑的源泉:

　　荷马时期的开始，是以多利亚人从希腊半岛北半部南下为标志的，约在公元前12世纪末到11世纪。这个时期是氏族部落社会，已进入铁器时代，它改变了荷马时期的社会面貌：产生了私有财产和阶级分化，进入奴隶社会，这时期政治上盛行原始民主制。到荷马时期末已由部落的管理机构开始向国家统治机关过渡。
　　由于多利亚人的南下，克里特和迈锡尼文化遭到毁灭，希腊文化必须从头开始。
　　从公元前12世纪到前8世纪的近四百年时间里，遗存的艺术史料甚少。由于荷马史诗在这一阶段汇集而成，并且反映了这一时代的精神面貌，所以史称“荷马时代”。荷马史诗是指《伊利亚特》和《奥德赛》，相传为古希腊著名盲诗人荷马所作。这两部史诗是希腊初期文明的百科全书，正如柏拉图所说，“荷马培养了整个希腊”。换句话说，不了解荷马史诗也就无法理解希腊文明。这又必然涉及到希腊神话，因此又可以说，如果不了解希腊神话就无法鉴赏希腊雕刻艺术。马克思曾说过，希腊神话“不只是希腊艺术的武库，而且是它的土壤”。荷马时代正是希腊神话的形成时期，略知一些希腊神话，对于探讨、鉴赏希腊、罗马乃至后来的文艺复兴美术具有十分重要的意义。
　　希腊神自成神系，称“奥林匹斯神系”，前后两辈。在未有宇宙之前只有混沌神——卡俄斯。卡俄斯生下大地女神该亚、地深处神塔耳塔洛斯、爱神厄洛斯、黑夜男神厄瑞波斯、黑夜女神尼克斯。两个黑夜神又生下了太空神埃忒耳、白昼女神赫墨拉、死神塔那托斯、睡眠神许普诺斯。大地女神该亚生天父乌剌诺斯，天父又与母结合生六男六女：女儿称提坦女神，男孩称提坦神。天父担心儿女夺权，便将提坦诸神囚禁于塔耳塔洛斯。该亚怂恿最小的儿子克洛诺斯起来反对父亲，受伤的父亲的血滴在地上生出复仇女神厄里尼厄斯和巨神吉伽斯，这就是前辈神族。
　　克洛诺斯夺了父王之权与妹妹瑞亚结合生了六男六女，最小的叫宙斯。宙斯后来取代父亲主宰世界，又与兄姐及子女组成新的神系家族，生活在希腊人敬奉的圣山奥林匹斯山。人们在艺术品中常见到的诸神主要都是这个神系及他们繁衍的后代。众神之父宙斯罗马名朱彼特，统治天国、人间,掌管雷电，又称天神；天后赫拉，又叫朱诺，掌管乌云、风暴、闪电和雷霆，称天空之神。宙斯的姐姐迪弥特，又叫赛来斯，是农业收获之神。宙斯的哥哥一个叫哈得斯，统治着地狱和冥国，另一个叫波赛冬，掌管海洋，又叫海神。宙斯和勒托生的儿子阿波罗是太阳神，女儿阿特米斯，又叫狄安娜，是狩猎和月亮女神；宙斯和天后朱诺生的两个儿子，一个叫阿瑞斯，又叫马尔斯，主管战争，称战神；另一个叫赫淮斯托斯，又叫瓦尔冈，是火神和工匠之神。宙斯和山岳神女迈亚生的儿子赫尔墨斯，又叫墨丘利，是众神使者和宙斯特使。宙斯与大海神女狄俄涅生的女儿叫阿芙罗狄特，又叫维纳斯，也有人说维纳斯是从海的浪花中诞生的，她是爱和美的女神。从神族家谱来看，希腊神话显然是原始社会群婚制的产物。各种神职是人对自然现象不理解，用想像和借助想像企图征服自然力，支配自然力，从而把自然力加以形象化。这正如恩格斯所说的：“由于自然力被人格化，最初的神产生了。”
　　2、古风时期的雕塑:

　　公元前8世纪到6世纪，希腊社会发生了巨大的变化，部落首领的权力完全消失，原始公社瓦解，奴隶制度在希腊形成，开始建立了奴隶制的城邦国家。由于陆地贫瘠，城邦国家之间的矛盾日益尖锐，导致海上扩张和殖民统治。这两个方面互相影响、互相促进，使希腊在政治上与经济上很快成为地中海世界的一支强大的力量。
　　在荷马时期，雕刻艺术仅是一些小雕像。真正古希腊雕刻史的首页应从古风时期开始。因为古希腊雕刻中最突出的人体雕刻就是在这一时期奠定基础的。
　　法国美术史家丹纳曾说：希腊人表现人体还有一种全民性的艺术，更适合风俗习惯与民族精神的艺术，或许也是更普遍更完美的艺术，这就是雕塑。人体雕刻艺术是古希腊雕刻艺术之冠。
　　人们从保存下来的属于古风时期的男女人像雕刻中，可以窥见人类幼年时代的文明成就。古风时期的男子人像雕刻主要是青年全身裸体立像，希腊人称为“库罗斯”（意为“小伙子”）。这些雕像在人体比例和肌肉质感方面都接近真实的人体，面部表情开始生动起来，现出笑容。不管何种身份和职业的人物都用这种微笑表现，成为当时统
　　一的时代风格，后人称之为“古风式微笑”。
　　3、希腊过渡时期雕塑:
　　在希腊艺术发展进程中，由古风发展到古典时期中间有一个过渡时期，指公元前5世纪前半期。在这段时期里希腊经历了一场反抗波斯入侵的著名的希波战争。著名的马拉松战役就在这个时期。
　　希波战争对古希腊具有深刻影响，严酷的战斗培养了希腊人强烈的爱国主义和奋发图强的精神，产生了伟大的悲剧艺术。在雕刻艺术中出现了战斗，歌颂英雄业绩的主题，无论是表现神话还是现实题材都与古风时代作品不同，与“古风式微笑”形成鲜明对照。产生了具有时代精神的严谨风格：从静态的姿势转向力求表现运动甚至激烈动作；从过去只表现人物的正面发展到表现人物的多种方面。雕刻的技巧更加熟练，逐渐形成一种比例匀称、结构准确、形体明晰的“团块”体系。这时期的代表作品有《驾车人》、《波赛东》、《鲁多维奇宝座浮雕》和《里切亚青铜雕像》等。

　　4、希腊古典时期的雕塑艺术:
　　历时半个世纪的希波战争，最终以希腊的胜利而告结束。在希波战争中，雅典是希腊各城邦的盟主，城市虽然遭到战争的破坏，但是战争胜利而缴获的大量财富，又使希腊的经济繁荣起来。作为城邦盟主的雅典，对外以霸主身份发展自己的势力，对内实行民主政治，给人民以更多的富足与自由，从而使雅典成为当时欧洲最美丽繁荣的城市，也使雅典自公元前5世纪中叶进入了“伯里克利斯的繁荣新时代”。
　　伯里克利斯是位精明能干的政治家，他关心贫苦平民甚于贵族，曾立法不准鞭打奴隶。他还是积极提倡文化艺术的统治者，把雅典建成了全希腊的艺术和教育中心。他说过，“我们没有忘记使疲劳的精神获得休息，我们的生活方式是优雅的”，“我们是爱美的人”。希腊的哲学家和艺术家常常是他的座上客。古典盛期的伟大雕刻家菲狄亚斯就是他的好朋友。由于贤明的伯里克利斯的关怀和提倡，希腊艺术进入最繁荣的时期。
　　古希腊雕刻进入古典时期后出现了新的繁荣，雕刻家们进行新的探索和创造，突破古风程式，试图在人体直立的基础上将人体的重心移至一足，使另一足自然地表现出一些动态，以表现现实生活中人物的各种运动感。这是古代艺术家美学观的新发展，意味着雕刻家对人与人体美的认识的提高。这时期创造的作品更接近现实的完美人体。

　　5、希腊化时期雕塑艺术:
　　希腊化时期一般指公元前334—30年，又称希腊主义时期。这一时期从公元前334年马其顿王亚历山大东征波斯，到公元前30年罗马帝国灭亡埃及托勒密王朝，前后共300余年。
　　马其顿希腊王经过南征北战，使帝国版图跨越欧亚非三大洲，成为希腊的鼎盛时期。崇尚文化艺术的亚历山大王使希腊艺术广为传播东方，又从古代东方文化中吸收营养，从而使东西方文化开始交流与结合，促进了文明的新发展。随着城邦国家的瓦解，政治、宗教、艺术也逐渐丧失了严肃性和公民性。艺术开始成为满足少数贵族统治者自我炫耀、享乐和粉饰现实的手段。这就使神在艺术中的地位降低，人和人的生活更多地出现于艺术题材中。
　　同古典时期雕塑相比，希腊化时期的艺术风格多样，既有同古典艺术接近的风格，如《米罗岛维纳斯》等一系列维纳斯雕像，也有体现这一时期生死搏斗、美丑相争的时代精神、掺入悲剧性风格的《拉奥孔》等。希腊化时期的雕塑艺术由于希腊本土雕塑传统深厚，依然成为希腊雕刻艺术的中心。
　　在古典时期象征至高无上权威的宙斯和城邦保护神雅典娜，在艺术中已不占主导地位，象征爱与美的维纳斯则逐渐登上艺术的宝座，许多姿态各异，模仿普拉克西特列斯的“优美的样式”造型接踵问世。古希腊的艺术家们从人的生活出发，肯定人生，赞美人的美，赋予人的肉体和精神以崇高而十全十美的理想，把人提高到神的高度。人们通过希腊化时代的雕塑家们对维纳斯的创造，可以看到充满人性的女神的永恒的艺术魅力。其中最著名的莫过于《米罗岛维纳斯》。
　　[编辑本段]古希腊雕塑的代表人物

　　1、菲狄亚斯 (公元前5世纪初—431年):
　　古代希腊艺术可以用一个人的名字来象征，那就是菲狄亚斯。他是雅典著名的民主派执政官伯里克利的战友和艺术总顾问，他的艺术创造体现了古典盛期的最高成就。
　　关于菲狄亚斯的生平，人们只知道他生于公元前5世纪初，于公元前431年去世。菲狄亚斯曾经在希腊各地从事艺术创作活动，在20来岁时就已蜚声艺坛。他的主要创作生涯是在故乡雅典度过的，他一生最辉煌的业绩是在他领导下重建了雅典卫城，完成了众多的雕刻装饰杰作。
　　整个雅典卫城的建筑雕塑艺术，尤其是巴特农神庙上的装饰雕塑，体现了希腊古典盛期的雕塑成就，它标志着希腊古典雕塑的高峰。罗马帝国时期的希腊传记作家普鲁塔克说过：“它们好像年年常春的神物，能够摆脱岁月的折磨；在它们的结构之中，似乎蕴藏着某种永生的活力和不死的精神哩!”
　　古代学者认为菲狄亚斯的艺术风格是姿态宁静而高贵，表情肃穆而温雅。对此，后人称为“神明的静穆”。菲狄亚斯塑造的奥林匹亚的宙斯之美不仅使传统的观念益增光辉，而且同神妙的自然也相宜不悖，这正是他崇高艺术的精华。菲狄亚斯胜过一切希腊雕刻家而为后代人怀念和赞美的，正是他身上体现的希腊艺术的精髓：忠实于自然，同时善于净化自然；模仿自然，同时又善于在模仿中驰骋想像力，表现理想。菲狄亚斯正是理想化的巨擘，在他的生前死后，古典风格的特性一直支配着希腊雕塑艺术。

　　2、伯利克里托斯 (活动于公元前5世纪后半期):

　　伯利克里托斯是与菲狄亚斯同时代的阿戈斯地方的雕塑家，他自成一派，故称他为阿戈斯派雕塑家。人们只知道他最擅长表现青年运动员的形象，所使用材料都是青铜，现在看到的是大理石复制品。
　　为了创造美，希腊人发现了比例，而发现人体比例的希腊人首先就是伯利克里托斯。他认为人体的比例要依靠“数”的关系。人体最理想的比例是头与全身的比例为7∶1。伯利克里托斯对人体比例结构的探索，实际上是艺术发展到成熟阶段出现的一种程式化现象。他受哲学家毕达哥拉斯学派关于“美”体现在合理的或理想的数量关系之中的观点的影响，曾著有《法则》一书，专门论述人体比例。
　　体现伯利克里托斯理论的雕像是《持矛者》和《束发运动员》，这两位裸体青年男子雕像是完全依人体比例为7∶1的法则创造的。他们体格壮健，肌肉发达，雕像还从力学上探索和解决了人体重心和各种动态之间的关系：人体的重心都落在右脚上，左脚因此获得了解放，为适应人体重心的平衡，人体各部分的动作与肌肉也随之作了相应的塑造，表现出力量的美。

　　3、普拉克西特列斯:
　　战争给希腊带来极大的破坏，国家再无财力兴建神庙和装饰。大型装饰雕刻逐渐减少，单独的圆雕开始增多；敬神的雕像少了，安慰人们不安心灵的和平女神、爱神、酒神多了。形象的神性也更少，而更多地充满世俗性和人情味。以前那种崇高的英雄气概和雄健有力的艺术风格，逐渐被追求个性和温柔秀美的艺术风格所替代，雕塑的制作技巧更加完善成熟，形式美的创造更受到雕刻家的重视。这个时期最杰出的雕刻家是普拉克西特列斯、斯柯帕斯和利西普斯。
　　人们只知道普拉克西特列斯是雅典人，早年跟随雅典雕塑家克菲索陀妥斯学习雕塑，承继了老师的艺术风格：男人体形女性化，以前裸体男子那种强壮的筋肉消失，人体变得修长、轻松和柔和，自上而下形成三个自然的转折(头、躯干和下肢)，使整个身体构成S形的曲线变化，男性人体接近女性人体的曲线美。普拉克西特列斯充分发挥大理石质地细腻的特点，努力追求人体肌肉的细腻变化和美妙含蓄的线条，使整个人体具有女性肌肤的丰满圆浑的美感。这种艺术风格的代表作品是《赫尔美斯与奥尼索斯》，它对以后的希腊雕刻风格具有深远的影响。
　　人们在评论希腊雕刻时，往往把巴特农神庙的雕刻比作壮丽的史诗，而对普拉克西特列斯所雕作的那些男女裸体雕像则喻为迷人的抒情诗。在他所有迷人的作品中审美价值最高、最迷人的是维纳斯雕像，其中最杰出的是《克尼多斯维纳斯》。
　　4、利西普斯 (公元前4世纪—？)
　　利西普斯是古典时期最后一位重要雕刻家，擅长青铜雕刻，是西库翁学派的代表。他是马其顿亚历山大的宫廷雕刻家，艺术活动于公元前370—312年间，传说他生平创作了1500余件作品，但没留下一件原作，后世复制的也不多。他承继了波里克列托斯的传统。
　　利西普斯是位大胆的革新者，善于处理空间，精于掌握瞬息变化的运动姿态，表达人物的个性。他首创了有鲜明空间和着重长宽高三方面的雕像结构和表现复杂动作的方法。他加深了对人体的研究，测定了新的人体比例标准，创作了8∶1的规范，在审美观上倾向于灵巧纤长，人体有细长轻捷之感，具有新的审美理想。他的名作有《刮汗污的运动员》，这件作品人们从任何一个角度看都十分完美，所以是公认的古希腊雕刻中第一件真正的圆雕。还有《竞技优胜者》和《休息的赫剌克勒斯》。
　　古希腊雕塑的代表作品
　　古希腊雕塑中的好几项都位列世界十大雕塑中，如：
　　1、《掷铁饼者》 （作者：米隆）
　　米隆的《掷铁饼者》 高约152 厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，米隆作于约公元前450 年。原作已佚，现为复制品。雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作，这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态，运动员右手握铁饼摆到最高点，全身重心落在右脚上，左脚趾反贴地面，膝部弯曲成钝角，整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。形体造型是紧张的，然而在整体结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象，这正是古典主义风格所追求的。
　　2、《维纳斯》
　　《米洛斯的阿芙洛蒂忒》俗称《米洛斯的维纳斯》、《断臂的维纳斯》、《维纳斯像》等，大理石雕像，高204厘米， 亚力山德罗斯创作于约公元前150年左右，现收藏于法国巴黎卢浮宫。 从雕像被发现的第一天起，就被公认为是迄今为止希腊女性雕像中最美的一尊。这尊雕像还是卢浮宫的三大镇馆之宝。
　　3、《雅典娜神像》（作者：菲狄亚斯）
　　雅典娜为雅典城的守护神，也是代表智慧的女神。原作为巴底农神庙大殿的主像，全身高达13米，用银白色大理石雕成，局部镶嵌着象牙与黄金，可惜已在拜占庭帝国时代被毁坏。这里介绍的是大理石小型摹制品。在这件女神雕像中，她头戴战盔，身着希腊式连衣长裙，护胸和甲胄上装饰有蛇形饰边和人头像；她裸露双臂，透过薄衣裙可隐见丰艳健美而有力量的身体；衣裙褶纹和饰物造成横竖线条的疏密变化美；她的手势动作可能是执长矛和托物，整个形象富有女性的温柔和充满生命，更多的是人性，绝少神性，这表明希腊化时期艺术已走向世俗化。
　　[编辑本段]关于古希腊雕塑的知识问答
　　问：在当今社会裸体艺术还有诸多禁忌的时候，人们更会发问：为什么古希腊雕塑几乎都是裸体的？裸体造型艺术何以如此普遍？大部分雕塑是没有眼球和表情的呢？
　　答：因为那个时候战争很频繁，而武器又不是很先进，作战胜利很大程度上取决于身体的强壮，所以那个时候人们的尤其是男人，为了守卫自己的城邦，年轻的男子要经常锻炼身体。为了遗传的因素，甚至把那些有些缺陷的婴孩直接处死。在这样的环境之中，那些身材健壮，骨骼和肌肉都很结实的男子就被视为英雄。为了展现完美的身体，城邦还组织运动竞赛，在这些竞赛中，运动员也大多是裸体的。而这样的运动会一般的女子是不允许参加的。
　　总之因为战争要锻炼身体，裸体的美便反映在雕塑艺术上。古希腊雕塑是那个时代的真实反映。我们今天的人的裸体和古希腊人相比是要逊色多少倍的。也没有裸体的必要。即便是裸体动机也有待商榷。
　　世界驰名的美国学者伯恩斯教授、拉尔夫教授在其力作《世界文明史》中说；“希腊艺术所表达的是什么？总而言之，它是把人文主义象征化 ———即是把人视为宇宙中最重要的造物而加以赞美。尽管许多雕刻描绘神，但这一点也不减损人文主义的本质。希腊人的神是为着人的利益而存在。所以他赞美神，也就是赞美自己。
　　古希腊雕塑以其恢弘而博大的崇高感，体现了人对美的理想范式及美好生活的寻求，它是积极、健康而鼓舞人心的艺术。尽管它产生于那么久远的年代，但作为典范，无论是艺术还是精神，都具有一定的现实意义。

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