中外画家的代表作和艺术风格

中外著名画家美术作品及其表现形式特点~

齐白石是我们所崇敬的大师，“是东方一位了不起的画家！”（毕加索语）。齐白石与吴昌硕、黄宾虹、潘天寿等不同，齐白石不是一位传统意义上的文人画家，其成功之处在於：他从文人画家统治了数百年的中国画领域，以一个农夫的质朴之情、以一颗率真的童子之心、运老辣生涩的文人之笔，开创出文人画坛领域前所未有的境界。这种境界，得到了传统文人阶层与广大平民百姓的交口称赞，从而确立了齐白石在画坛上的历史性地位。他的绘画充满了泥土芬香、生活气息，其作品既师造化又师古人，达到了民间艺术与传统艺术的统一，写生与写意的统一，工笔与意笔的统一，无限生机跃然纸上。
1956年6月张大千曾去拜访毕加索，三次而不得接见。张大千是一个不达目的不罢休的画家，最后还是见到了毕加索，毕加索不说二话，搬出一捆画来，张大千一幅一幅仔细欣赏，发现没有一幅是毕加索自己的真品，全是临齐白石的画。看完后，毕加索对他说：“齐白石真是你们东方了不起的一位画家！……中国画师神奇呀！齐先生水墨画的鱼儿没有上色，却使人看到长河与游鱼。那墨竹与兰花更是我不能画的。”他还对张大千说，“谈到艺术，第一是你们的艺术，你们中国的艺术……”“我最不懂的，就是你们中国人为什麼要跑到巴黎来学艺术？”西方一位大画师，这样评价齐白石，由此可见齐白石的价值。
齐白石把生活中感兴趣的和较熟悉的一切事物统统都搬进了他的画面上。他的选材突破了单纯的民间画、学院画之间的森严界限，历史上从未有过任何画家具有他这种罕见的表现现实世界的热情，他把平凡普通的事物作为画材从而使自己的画达到了空前的丰富。
蛙声十里出山泉名画赏析关于齐白石《蛙声十里出山泉》的鉴赏和评价
画青蛙，只画几只蝌蚪逆水而游动，旁边是山石。据说这是老舍出题，有好多画家参与，最后公认齐白石的最好。为什么呢？
原来，欣赏艺术作品（包括文学作品，特别是诗歌），都离不开鉴赏者的生活经验，，人们依据做平所寄托的意象，也就是画面的形象，唤起生活积累，展开联想和想像，从中就会感受到一种艺术美，将画面还原成生活现实。
具体来说，由画面上那几只蝌蚪，我们想到，蝌蚪是青蛙的卵变成的，自然就想起青蛙；青蛙在交配前，都有一段谈情说爱的日子，他们不停鸣叫，，这就是“听取蛙声一片”。所以说，没有青蛙就没有蝌蚪，换句话说，有蝌蚪必定有青蛙。
再看画面上的蝌蚪，它们逆水而游，并非顺水而下，这意味着，这里是它们的故乡，这里有它们的爸爸妈妈，它们不能离开这里。那它们的父母又在何处呢？也许，它们正躲在旁边的大石底下，饶有兴趣的看着自己的子女在嬉戏呢。只不过，画面上没画出它们罢了。
主要作品：
虾趣图 千帆过尽图 古人造像

中西绘画创作的观念和思维特征的区别 :山水一直作为纯粹而且重要的精神象征存在于中国文人艺术家的生活中。古人认为，自然山水在空间形态上丰富多彩、千变万化，在时间状态上也是无比生动千姿百态的。从山石、树木、水泽、云草中寻找人生存在的道理，寄托心灵、情感，正是中国古代艺术家创作山水画本源的真实意图。对于山水画创作来说，中国山水画的空间特征，更接近于一种时空的转换，画家不仅考虑的是看见了什么，更关心人自身内心的变化过程，想到什么。用生命的状态表达对象。由于没有象西方绘画中光影、质感、透视的约束，中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间，而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。所谓“ 低仰自得,心游太空,心融融于玄境,意飘飘于白云,忘情勿我之表,纵志于有无之间。”一幅画可以从山前到山后，从山顶到山脚，一幅长卷可容下一年四季、阴晴、雨雪。它不是特定的山，特定的水。它有明暗、有表情、有灵性、更有生命，可以使欣赏者与之一起喜怒哀乐。这种神奇这种中国哲学文化所独特的眼光和心灵，你是无法在西方风景绘画中看到的简单的说：西方绘画中注重焦点透视，突出主体，引人注目，比如描绘《耶稣受难》。西方人比较强调个体，简单的例子：西方人家里的小孩享有和大人一样的人格尊严权，中国的小孩就是“小P孩啥也不懂”。中国则注重整体，博大，在古近代绘画中很多使用散点透视，比如《清明上河图》，散点透视可以展现很广阔的空间，突出大场面。当然近现代中国绘画吸取了很多西方绘画的精髓，西方也同样，现在各种透视都只是为了表达内容不同而选择使用了。详细点就需要到百度网页上查资料了，如：三、焦点透视与散点透视 焦点、散点透视是中西画家绘画时对空间的不同理解。焦点透视，就象照相机，焦距对准的地方清楚，集中之外的模糊，从而表现出距离。从物理学的原理出发，用固定的视点表现同一个空间。这种透视只有一个固定的视点、视向和视域，作画取景也只限于在这个视点、视向所决定的视域内。 而散点透视是指中国画的构成是不受时间和空间的限制，把时间和空间相结的一种表现方法。早在魏晋时期的顾恺之的《女史箴图》、《洛神赋图》以及五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》都是通过环境式的景物衔接起来，让空间连续和时间流动结合起来。 中国早期的山水画理论家宗柄就说过，画山水“非以案城域，辨方州，标镇阜，划浸流”。其后荆浩提出画山水要“搜妙创真”，都表现出用散点透视表现出自然美。宋代郭熙在《林泉高致》里提出了山水画的“三远论”：“自山下而仰山颠谓之高远，自山前而窥山后谓之深远，自近山而望远山谓之平远。高远之色清明，深远之色重晦，平远之色有明有晦，……每远每异，所谓山行步步移也，每看每异，所谓山形面面看也”。三远法给画家经营位置以广阔天地。画家可以在一幅画上综合交错地使用三远法安排形象，在长卷中更能使景物有起有伏，有隐有显，有开有合，将散点透视和艺术表现效果结合在一起。 散点透视给画面带来了整体上的音乐节奏感与和谐感。 中国绘画从有限中见到无限，再从无限中回归有限，如此回旋经复，节奏鲜明。西方绘画则以有限见到无限，并一往而不复返。如中国东晋时代顾恺之的《洛神赋图》与十七世纪西班牙画家委拉斯贵支的《拉斯梅尼娜斯》（即《宫廷女官们》）两幅都是人物画，而《洛神赋图》突破时间和空间的局子，使静止的画面，随生活与情势而流动，富有时间感。《拉斯梅尼娜斯》则在单一的视点和静止的画面中，在纵向上塑造出变化丰富的空间。在构图上中国画利用散点透视表现物象内在联系上脉通气贯；在位置经营上环环相扣，节节相连，从内外两个方面形成一种起伏而又连贯的情感节。如宋张择端的《清明上河图》，在结构上有序曲、高潮（虹桥部分）、尾声，形成鲜明的情感节奏，突破时空的局限，同一时间里展现不同环境。在西方现代派画家向传统的西方焦点透视发起了攻击，但也无法否认西方焦点透视的根深传统，在现代派那里也无法否认这种实质，如西方现代派的照相写实主义，仍然可看到传统焦点透视学在形象上的完美体现。其余的可以再查。可以从这几个方面来看，形体：西方绘画是用点，线，面等；也用形体和明暗，色彩结合的方式刻画，（比如油画） 而中国绘画的形体，是讲求以线造型，（如工笔）写意画也讲求以线造型，但更强调笔墨感．明暗：西方绘画强调光影感，但中国绘画几乎不表现光，只表现物体本身的阴阳向背．色彩：西方绘画注重固有色与环境色结合的方式，（可参照水粉作品看看）．中国绘画工笔作品抛弃对光源和环境的影响，只表现对物体本身的色彩．写意作品则追求”色不盖墨，墨不盖色”的法则．空间：西方绘画对空间的刻画是用焦点透视，成角透视，空气透视等等．中国绘画则用散点构图和意象空间．散点构图是没有定点，而是可以多视点观看．（如千里江山图），意象空间就是留白的方式（如齐白石的虾，就从不画水）材质和肌理：西方绘画则用笔触来表达作品的质感和肌理效果．中国绘画则利用毛笔皴擦点染功能和生宣纸渗透性强的特点来表现．中西方绘画艺术的比较中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。中国画和西洋画不一样，可能这是一个很大的特点。西洋画是表象的，非常写实的，对，更多。中国画是写意的，这个写意可不是大概其，是写的意象，写的是理想，写的是画境、意境。所以诗中有画，画中有诗。所以中国画不光要画得好，光是技术好不行，你还得有文化。涉及到诗、书、画、印各方面的修养.中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在的。一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式，是。所以在中国从色彩、构图、黑白、线条，各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。而且中国人历来有一种运动的画面感，这就是中国人天然地有电影的思维、运动的视觉形象，所以中国画里散点透视。你一看它是运动着的，看着山水是活的。中国画意象所体现的是人与自然的同一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发挥着远远超出客体形体本身的精神效应。中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。总之，所有这些都是中国画意象特性的丰富内涵。几千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的。西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。随着夸张变形的创作方法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也必然难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律。在绘画的创造上，中国传统一向推崇的是那些不以绘画为专门职业，但擅于绘画的文化人，被称为文人画家的画家，首先应该是一个在文化上有修养的人，同时又具有绘画技能，所以，绘画艺术的最高价值正是隐藏在艺术家无功利的动机之中。绘画本来就是一种源自心灵的感动，这种感动支配了形象的生成，使得画面上的色彩、线条、肌理、结构、空间相互共鸣，与画家的心灵共鸣，继而与观者的心灵共鸣。于是，便产生了一种被中国先哲概括为“天人合一”的绘画——纯粹的绘画。一个人开始动笔作画总有某种原因，对周围的事物表明态度、状物或者抒情，在特定的空间里写出自己目光之所见，在画面上留下物象的身影，甚至也可能就是一种无意识的摹仿，在笔墨的挥洒和折转间，反照和叠变着通向人生的玄思，通向自然万物的情怀。状态出神、联想自由，入神处都在意识的边缘进行，线与面的旋律动向不易料测，时有惊喜的跳跃，皆合心律，最终获得如有神助，不期而遇的回响，成为一个个色彩篇章生命的凝定，冲击着每一位欣赏者的心灵。中国画往往只是寥寥数笔，但是从这幅画面上你能读到的东西，那可是太多了。所以就像刚才于教授说的，在中国绘画当中，我们指的是真正的中国绘画，有中国文化神韵的中国绘画，你真的可以读出所有东方文化艺术的精要。希望可以帮到你～～～

　　达芬奇的代表作
　　《自画像》《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》这些都是他耳熟能详的代表作。此外他还创作有《圣母子与圣安娜》《抱貂女郎》《岩间圣母》
　　《母与子》等。

　　凡．高的代表作

　　《夜咖啡》《向日葵》《卡士桥》《克利西的街道》《餐厅》《星夜》《自画像》《加歇医生》《盛开的桃花》《鸢尾花》《柏树中的麦田》《麦田群鸦》《阿尔地方的花园》《红色的葡萄园》《收割中的田园风景》《播种者》《罗纳河畔的星夜》
　　用绚丽的黄色色系组合绘成的《向日葵》，堪称梵高的化身，也可说是他的代表作。梵高集中精力创作《向日葵》系列作品时，正是他的艺术成熟时期，此时他非常喜欢使用黄色。对于渴望鲜明色彩的梵高来说，黄色代表太阳的颜色，具有特殊意义；同时，阳光又象征爱情，他以此来表达自己的愿望，我们从中不难看出他坚持使用黄色的用意。

　　凡．高： 凡高是荷兰人,但长年生活在法 国,是后印象派的重要的画家.和他 的同胞伦勃朗一样,凡高也喜欢为自 己画像

　　达芬奇 作为文艺复兴时期作卓越的代表人物,达芬奇的成就和贡献是多方面 的.达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇 芬奇镇.他小时侯曾经拜佛罗基 奥为师,佛罗基奥首先让他练习画蛋,一画就是几年,然后才开始教他作画.由 于达芬奇打下了坚实的素描基础,后来终于成为一代宗师.

　　毕加索 毕加索,西班牙人,自幼有非凡的艺术才能.他的父亲是美术教师,又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练,具有坚实的造型能力. 他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时

　　期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期"

　　徐悲鸿;《老妇》、 《抚猫人像》、《持棍老人》、《自画像》《愚公移山》.《八骏图》《奔马图》，《普吕动》、《初伦杰作》《奚我后》、《田横五百士》、《悲鸿素描集》、《悲鸿油画集》、《悲鸿彩墨画集》、《九方皋》、《会师东京》等.张大千;《荷花》《金荷》，

　　张大千的艺术生涯和绘画风格，经历“师古”、“师自然”、“师心”的三阶段：40岁前"以古人为师"，40岁至60岁之间以自然为师，60岁后以心为师。早年遍临古代大师名迹，从石涛、八大到徐渭、郭淳以至宋元诸家乃至敦煌壁画。60岁后在传统笔墨基础上，受西方现代绘画抽象表现主义的启发，独创泼彩画法，那种墨彩辉映的效果使他的绘画艺术在深厚的古典艺术底蕴中独具气息。
　　自古以来，一个画家能否承前启后、功成名就，很大程度上得力于他传统功底是否深厚。张大千的传统功力，可谓前无古人，后无来者。他曾用大量的时间和心血临摹古人名作，特别是他临仿石涛和八大的作品更是维妙维肖，几近乱真，也由此迈出了他绘画的第一步。他从清代石涛起笔，到八大，陈洪绶、徐渭等，进而广涉明清诸大家，再到宋元，最后上溯到隋唐。他把历代有代表性的画家一一挑出，由近到远，潜心研究。然而他对这些并不满足，又向石窟艺术和民间艺术学习，尤其是敦煌面壁三年，临摹了历代壁画，成就辉煌。这些壁画以时间跨度论，历经北魏、西魏、隋、唐、五代等朝代。
　　历史上许多人临摹的画一般只能临其貌，并未能深入其境；而张大千的伪古直达神似乱真。为了考验自己的伪古作品能否达到乱真的程度，他请黄宾虹、张葱玉、罗振玉．吴湖帆、溥儒、陈半丁、叶恭绰等鉴赏名家及世界各国著名博物馆专家们的鉴定，并留下了许许多多趣闻轶事。张大千许多伪作的艺术价值及在中国美术史上的地位较之古代名家的真晶已有过之而无不及。现世界上许多博物馆都藏有他的伪作，如华盛顿佛利尔美术馆收藏有他的《来人吴中三隐》，纽约大都会博物馆收藏有他的《石涛山水》和《梅清山水》，伦敦大英博物馆收藏有他的《巨然茂林叠嶂图》等等。师古人与师造化历来是画家所遵循的金玉良言。
　　师古人自然重要，但师法造化更重要，历代有成就的画家都奉行“外师造化，中得心源”的做法。大千在学习石涛的同时，也深得古人思想精髓，并能身体力行。张大千说：“古人所谓‘读万卷书，行万里路’，这是什么意思呢?因为见闻广博，要从实际观察得来，不只单靠书本，两者要相辅而行的。名山大川，熟于胸中，胸中有了丘壑，下笔自然有所依据，要经历的多才有所获。山川如此，其他花卉、人物、禽兽都是一样的。”他又说：“多看名山巨川、世事万物，以明白物理，体会物情，了解物态。”他平生广游海内外名山大川，无论是辽阔的中原、秀丽的江南，还是荒莽的塞外、迷蒙的关外，无不留下他的足迹。他在一首诗中写道：“老夫足迹半天下，北游溟渤西西夏。”
　　在大千游历过的名山大川中，他始终把黄山推为第一，曾三次登临。大千之所以偏爱黄山，主要来自于石涛的影响，黄山既为石涛之师，又为石涛之友。大千说“黄山风景，移步换形，变化很多。别的名山都只有四五景可取，黄山前后数百里方圆，无一不佳。但黄山之险，亦非它处可及，一失足就有粉身碎骨的可能。”大千在50岁之前遍游祖国名山大川，50岁之后更是周游欧美各洲，这是前代画家所无从经历的境界。张大千先后在香港、印度、阿根廷、巴西、美国等地居住，并游遍欧洲、北美、南美、日本，朝鲜、东南亚等地的名胜古迹。所到之处，他都写了大量的纪游诗和写生稿，积累了取之不尽、用之不竭的创作素材，同时为他日后艺术的创新创造了良好的条件。
　　读书对画家来说是非常重要的。传说有人问唐伯虎的老师周臣，为什么他画的画反不如他的学生唐伯虎，周臣说：“只少唐生数千卷书。”与其他成功的画家一样，大千也是一个用功甚苦，读书渊博的画家。他平时教导后辈：“作画如欲脱俗气、洗浮气、除匠气，第—是读书、第二是多读书，第三是须有系统、有选择地读书。”画画和读书都是大千的日常生活。过去是如此，借居网狮园后更是这样，朝夕诵读，手不释卷。在外出旅途的车中船上，大千也都潜心阅读。一次，大千从成都到重庆，友人托他带一本费密的《荒书》。到家后，大千即把路上看完的《荒书》内容、作者的见解、生平以及这位明末清初的四川学者和石涛的关系，如数家珍地娓娓道来，实在令人惊讶。因为这是一本艺术之外的学术著作。读书的习惯一直伴随到大千晚年。他常说，有些画家舍本逐末，只是追求技巧，不知道多读书才是根本的变化气质之道。大千读书涉猎很广，经史、子、集无所不包，并不只限于画谱、画论一类的书。

　　徐悲鸿的作品，无论是油画、国画还是素描，在中国近现代艺术史上都占有重要地位。他在油画方面最大的成就是使印象主义的光与色的表现与古典主义严格而完美的造型相结合。在早期中国油画家中，杰出者首推徐悲鸿。在素描方面，徐悲鸿成绩卓著。他的素描既是绘画训练的习作，为他的国画和油画创作打下了深厚的基础，同时又是具有欣赏和研究价值的艺术品。其一生中，仅画人体素描就不止千幅。徐悲鸿在国画方面的造诣也很深厚。他是国画创新的艺术实践者，在继承传统绘画的基础上第一个把欧洲古典现实主义的技法融入到国画创作中，创制了富有时代感的新国画。以人们熟知的画家的马画为例，从这类作品中既能欣赏到中国传统绘画中的线条造型和笔墨之美，又能观察到物象局部的体面造型和光影明暗。

　　徐悲鸿凭藉着他的天才智慧、坚毅的精神和毕生的努力，成为近现代中国画坛上少有的能够全面掌握东西方绘画技法的艺术大师。

　　唐伯虎的代表作http://www.xici.net/u12104809/d55457560.htm

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吴怀奥辛： 中国古代十大画家—— 顾恺之、晋代画家,代表作:《洛神赋图》李思训、唐代画家,代表作:《江帆楼阁图》和《九成宫纨扇图》王诜、宋代画家,代表作:《渔村小雪图》米芾、北宋画家,代表作:《溪山雨霁》、《云山》米友仁、北宋画...

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双桥区18933347580： 中外有名画家的作品 也要作家名 列出画的名称和简介 - ？
吴怀奥辛： 绘画欣赏是提高审美能力,研究并吸取他人绘画经验与技能的重要而不可缺少的途径,是不能忽视的专业活动.平时参观美展,阅览各种画册、美术图片、美术报刊杂志等等,都是属于这种活动的内容.在美术基础学习的同时,如能重视美术欣...

双桥区18933347580： 1列举中外美术史上著名艺术家及作品 2关于美术家有趣的小故事 - ？
吴怀奥辛：[答案] 达芬奇 《蒙娜丽莎的微笑》《 最后的晚餐》 爱德华· 孟克 《呐喊 》 米勒 《拾穗者 》 拉菲尔---<<西斯廷圣母>> 米开朗琪罗--<<大卫>> 莫奈《日出》 凡高《向日葵》 塞尚《红纱发上的塞尚夫人》 毕加索《格尔尼卡》 拉斐尔 《 披纱女子像》《椅...

双桥区18933347580： 举例一些著名画家的代表作 - ？
吴怀奥辛： 达芬奇〔意〕:《最后的晚餐》,《蒙娜丽莎的微笑》 梵高〔荷兰〕:《向日葵》,《星夜》 张择端〔中〕:《清明上河图》 毕加索〔西班牙〕:《哭泣的女人》,《梦》 安格尔〔法〕:《泉》 莫奈〔法〕:《印象日出 》,《睡莲》 齐白石[中]:《虾》 徐悲鸿[中]:《奔马图》 拉斐尔[意]:《雅典学院》 修拉[法]:《大碗岛上的星期天》 米勒[法]: 《晚钟》,《拾穗者》,《牧羊女》,《死神与樵夫》 塞尚〔法〕: 《静物》够了吧?

双桥区18933347580： 著名画家的代表作 - ？
吴怀奥辛： 毕加索:《亚维农的少女》《卡思维勒像》《瓶子、玻璃杯和小提琴》《格尔尼卡》. 列宾:《伏尔加纤夫》、《宣传者被捕》、《意外归来》、《查波罗什人复信土耳其苏丹》及《托尔斯泰》 齐白石:《虾》、《蟹》、《牡丹》、《牵牛花》、《蛙声十里出山泉》等等 徐悲鸿:《 我后》、《田横五百士》国画有、《九方皋》、《愚公移山》、《会师东京》《奔马图》