欧洲美术史
B、 意大利文艺复兴早期的美术(15世纪)
乔托确立了绘画的现实主义原则,但他并没有解决他所提出的问题。15世纪的佛罗伦萨画派继承了乔托的传统,将现实主义艺术发展到一个新的阶段。15世纪初叶,佛罗伦萨由大银行家及各行会的代表人物组成的政府委员会控制。30年代,由于政变银行家柯西莫•美第奇取得了控制权。从1434年至15世纪末叶,佛罗伦萨便一直处在美第奇的控制之下。美第奇家族的代表人物享有继承权,他们用黄金来巩固自身的政治威望,同时庇护文学艺术的开明措施对于取得政治威望也起了不小作用。佛罗伦萨在这时已经发展成为一个繁荣的工商业城市,人文主义的学术和艺术也得到高度发展。以反映世俗生活为已任的艺术家为了要正确表现人体,对解剖学产生了兴趣,而正确的空间表现则需要严格的透视画法。于是在佛罗伦萨首先体现出了科学与艺术的结合。杰出的佛罗伦萨艺术家们开始抛弃中世纪艺术传统,进行大胆的艺术改革,使新的现实主义艺术得以进一步成长。这时的佛罗伦萨已经成为一个积极入世的宇宙观的策源地,在这里产生了新的创作方法和技巧。
1452年拜占庭帝国被土耳其人所灭,大批希腊学者从君士坦丁堡逃到佛罗伦萨,也带来了大量的手抄本。同时在意大利本土也发掘出各种古代的废墟遗迹,古希腊、罗马的文化遗产给予文艺复兴以强烈的影响。15世纪的佛罗伦萨人文主义者们普遍崇拜古代希腊、罗马文化,他们努力学习古典文化,知识渊博,熟悉美术,擅长评论。他们的不懈努力进一步促成了一种入世的宇宙观,并藉此打击教会的威望与神话。
约在1420年左右,佛罗伦萨三位大师的出现标志着早期文艺复兴的来临。这三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、雕塑家多纳太罗和画家马萨乔。布鲁内莱斯基(1377—1446)最初从事于雕塑创作,后与多纳太罗同赴罗马研究古代艺术,最后在建筑艺术上取得杰出成就,并在透视学和数学领域作出了重要贡献。他设计过一批代表文艺复兴成就的建筑,其中佛罗伦萨大教堂是其最早的作品。大教堂采用了拜占庭教堂的集中型制,穹顶呈八角形,跨度42.2米,属当时欧洲最大的穹顶。为减弱穹顶对支撑的鼓座的侧推力,布鲁内莱斯在结构上大胆采用了双层骨格券,八边形的棱角各有主券结构,与顶上的采光亭连接成整体,这座大教堂总高107米,远远望去,格外醒目。这个穹顶在西欧的建筑中是史无前例的,中世纪最宏伟的穹顶也不过是覆盖着内部空间的穹顶,而不会在建筑结构中起着如此重要的作用。这座壮丽的新教堂体现了人文主义思潮的胜利,因此它也被誉为佛罗伦萨共和政体的纪念碑。从帕特•奎里法宫的设计中我们可以进一步体会到布鲁内莱斯基的革新,他比同时代的大多数人都更坚决地摆脱了中世纪的羁绊。在建筑物立面的结构上,布鲁内莱斯基采用了壁柱柱式,为了把大厦分成两层又采用了全檐部的柱式,这样古典的柱式体系就决定了建筑物的比例、分划与造型。这是文艺复兴时代城市府邸中柱式的最早运用。
15世纪的意大利雕刻从一开始就具有一种新的倾向,这就是力求通过宗教题材反映出世俗精神。与多纳太罗几乎同时的还有一位著名雕塑家叫基布尔提(约1381—1455)在佛罗伦萨举行的一次为洗礼堂铜门浮雕设计的竞赛中,压倒了对手布鲁内莱斯基而名声大振。基布尔提出身于手饰工匠家庭,熟练掌握了青铜制作技巧。从1403年起,他花了21年的时间完成了佛罗伦萨洗礼堂第二道门的制作,整个门分为28个框,每一个框内为一个独立的故事,大多是取自圣经内容,每一个故事的表现都充满着统一、流畅的节奏感。他没有把圣经上的以撒刻划画成一个惊恐的孩子,而是刻画成一个漂亮的古希腊的年轻运动员。基布尔提的人物造型典雅,衣褶构成了一系列柔和的弧线,并加入了一些风景因素。第二道门合乎规律地继承和发展了皮萨诺在第一道门中体现的构思与形式。从1425年开始,基布尔提又花费27年功夫完成了洗礼堂第三道门上浮雕制作。这一次在铜门构图上他删去了边框,用对等的10个方形画面分别雕刻出10个旧约故事。在10块浮雕旁还加塑了先知小像和其他人物头像(包括作者自雕像),其精美的工艺和浓郁的现实气息使米开朗基罗钦佩万分,将之称为“天堂之门”。在这件作品上既体现了作者的艺术特色,也体现了文艺复兴时代艺术原则的重大质变:基布尔提的人物造型比例与解剖结构跟真人相符,风景背景与建筑背景贯穿着各种情节,异常丰富。多纳太罗(Donatello,1386—1466)是15世纪意大利最杰出的雕塑家,他的雕塑创作彻底摆脱了哥特式风格的痕迹,复兴了希腊、罗马的古典样式。他的代表作有《加塔梅拉塔骑马像》。加塔梅拉塔生前是威尼斯雇佣军司令官,1445年,多纳太罗受威尼斯共和国之邀在帕都亚为他作纪念像,作品完成于1450年,安放于帕都亚圣安东尼教堂正门前,加塔梅拉塔戎装佩剑,双手提缰。神情果敢,充满英雄气慨。实际上这是当时首次出现的完全世俗性质的形象。除此之外,多纳太罗还竭力探索了骑马纪念碑与建筑群的配合和雕像与台座的比例关系等,无疑他取得了成功。从任何一个角度看雕像都是和谐的,在教堂前广场上他又面对伸展的街道,与教堂保持着合适的距离,从而成为教堂广场上的艺术中心。多纳太罗早期曾在基布尔提的工场作助手,受到基布尔提的一些影响,如1425年锡耶纳沅礼堂圣水器作的装饰浮雕《希律王的宴会》,故事取自圣经中的新约全书,浮雕画面充满紧张的戏剧性,在前景人物与背景关系上层次分明,在有限的构图内造成丰富的空间感。
继承和发展了乔托的艺术传统的是马萨乔(1401—1428)。他以科学的探究精神,将解剖学、透视学的知识运用于绘画。在美术史中经常提到他的两幅名作是《出乐园》和《纳税钱》,都是在1428年为佛罗伦萨卡尔米内教堂布兰卡奇礼拜室而画的壁画。《出乐园》表现了运动中的人体,作者用光线从一个角度照射着亚当和夏娃,从而突现了造型的体积感和空间的丰富性。马萨乔画出了准确的解剖结构,并利用斜射的光线,以明暗法描绘出裸体的男女,人物色调分明,又再通过悲哀的动态和痛苦的表情烘托了画面悲剧性的气氛。《纳税钱》的背景是经过了概括处理的风景,明暗交替的柔和生动的线条和单纯朴素的色彩对比都进一步加强了形的表现力。与乔托相比,马萨乔在塑造集中的人物形象这一方面迈出了重要一步,人物开始脱离宗教说教的因素,进一步体现出一种入世的态度。具体落实到绘画语言上,他努力使人物形象处于结构真实的三度空间中,风景在画面中的出现也使画面范围得以扩大,具有了辽阔的空间感。马萨乔开始合乎规律地运用透视及其教学原则,但又不失美学感受。应该说他是那个时代现实主义艺术的奠基者,在他身上凝结着确立个人尊严的人文思想。他扩大了艺术的主题范围,使艺术充满了朝气。也正是基于此,我们说马萨乔的艺术原则不仅成为15世纪意大利艺术家遵循的典范,也对欧洲美术史上的现实主义画家产生了深远的影响。
马萨乔的艺术品成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来,而佛罗伦萨画派对此做出了重要的贡献。15世纪佛罗伦萨画派主要是以人文主义的精神来画宗教题材,但不同的画家也表现出不同的风格。僧侣画家佛拉•安基利科(1387—1455)善于用细腻恬静的笔调,轻快透明的色彩来表现人物和环境。另一位僧侣画家菲力浦•利皮(1406—1469)则善于刻画人物肖像和生活的细节。在佛罗伦萨画派中的重要画家还有透视学的创始者之一巴奥洛•乌切洛(1397—1475),他的代表作《圣罗马诺之战》 文艺复兴时期画家引进科学塑造艺术形象,作为一种技法研究是不可避免的,乌切洛的作品对后世画家透视画法有重要意义。
被认为是运用透视学作画的典范。安基利科的另一位学生贝纳佐•哥佐利(1420—1497)是以装饰性的手法表现戏剧性的场面的画家。卡斯坦诺(1421—1457)则早于达•芬奇半个世纪就画了一幅动人的《最后的晚餐》。
15世纪佛罗伦萨画派的最后一位大师是桑德罗•波提切利(1444—1510)。他一生主要在佛罗伦萨渡过,早年曾跟随利皮学画,注重用线造型,强调优美典雅的节奏和富丽鲜艳的色彩。他的画多取材于文学作品和古代神话传说,不再局限于宗教题材,这就能更自由地抒发了个性和世俗的感情。他的名作《维纳斯的诞生》(约1482)和《春》(1478)充满柔情的诗意,尽情表达了画家对美术好事物的爱恋,洋溢着人文主义的乐观精神。《春》的构图不拘常规,人物被安排在一片森林之中,中间是维纳斯,右边是撒花的花神,左边是三美神,三美神的动态和衣褶线条充分体现出波提切利所擅长的线条的节奏感。《维纳斯的诞生》也是一件有独创性的作品,它虽然缺乏真实的空间透视,但并没有给人以平板的印象,其秘密也是来源于线条的使用。波提切利用有动感的线条来营造形体的体积感,创造出一个又一个的幻觉。同时,他又用一系列冷色调进行沉着精致的排比,如海洋的浅绿色、风神的天蓝色服装、维纳斯的金发等等。到了晚年,由于佛罗伦萨社会动荡,波提切利的艺术又开始向宗教情绪回归,反映了他精神上的危机,这种情绪体现在《诽谤》和《耶稣诞生》等作品中。在《诽谤》一作中,以前的抒情色彩已不复存在,取而代之的是戏剧性的激情,以前柔和的线条和细腻的情绪渲染也相继为挺硬朴拙的轮廓和表情的高度明确性所代替。
与波提切利同时的佛罗伦萨画派的艺术家还有画家安东尼奥、波拉约奥洛(约1429—1498)和基尔兰达约(1449—1494),以及雕塑家、画家和工艺美术家委罗基奥(1435—1488)。
佛罗伦萨画派是15世纪意大利绘画雕刻的艺术中心,它的发展决定了这个时期意大利艺术发展的主流,同时也影响这一时期的其他画派,如翁布里亚画派和帕都亚画派。
翁布里亚画派的很多画家都访问过佛罗伦萨,但他们还是保留了自己的风格,其中最有成就的是弗兰切斯卡(约1410—1492),早年在佛罗伦萨的学习使他对马萨乔、乌切罗和布鲁内斯基进行了深入的研究,也使他成为马萨乔与列奥纳多•达•芬奇之间的重要环节。他还认真研究过乔托等人的作品以及理论问题,晚年在双目失明的情况下写出了《论绘画透视》和《论正确的形体》等论文。他的作品以柔和平静著称,善于运用明快的颜色来处理空间关系,明确有力的轮廓又使他的作品带有装饰意味。祭坛圣像《基督受礼》是其早期的作品,这件作品造型朴素、明净、格调庄严、隆重,基督、天使、圣徒的形象都是民间流传的典型形象,充满着尊严与内在的张力。人物造型结实有力,比例严谨,具有高度的体积感和严密的空间感。整个画面在色彩上为银色调所统一,洋溢着一种纯净、自然的神圣感。《示巴女王会见所罗门王》分为两个事件,弗朗切斯卡用一种内在的节奏组织起了这两个事件和众多人物。这幅作品的突出特点在于追求造型的概括与几何形处理,追求叙述的明确与洗炼。在色彩上,画家使妇女们服装上的玫瑰色与浅绿色浮现在灰绿色的风景上,造成一种浮雕的厚重感最能反映弗朗切斯卡色彩成就的是《乌尔比诺大公及其妻肖像》。画面人物都作侧面描绘,脸部的体积感是通过圆形轮廓和柔和的明暗渲染来塑造的。乌尔比诺大公穿着红衣服、戴着红帽子,与浅蓝色的天空和灰色的风景拉开了距离,两块红色间的平面处理、灰色与红色的奇妙对比以及较低的地平线一起造就了一种纪念碑式的磅礴气势。弗鲁切斯卡的晚期作品明暗渲染更加柔和,也更具有透明感。佩鲁吉诺(1445—1523)也是翁布里亚画派的重要成员,在他的门生中有后来著名的大师拉斐尔。
除了佛罗伦萨以外,帕都亚也是15世纪人文主义的策源地。在这里,1222年创办了大学,除了研究经院哲学以外,其探索还涉及到了新的先进的学术领域,如医学、天文学、数学等等,同时对古代语言、古代文物与手抄本的收集也相习成风,从14世纪初叶开始这里就成为北意大利的文化中心。15世纪帕都亚画派的代表人物是曼坦尼亚(1431—1506),他在早年曾受到乌切洛的透视法和多纳太罗的古典风格的影响,形成了坚实有力、准确细腻的表现手法,并对古罗马艺术和哥特艺术加以研究和改造。清晰扎实的素描、大胆的线条、轮廓鲜明的形象、形体的雕塑感、强烈的色彩感是他所有作品的共同特征。在15世纪的40、50年代里,曼坦尼亚为埃列米塔尼教堂作了一系列壁画,内容大都以圣经为题材,但他却出色地发挥了透视的作用,描绘了一系列半古代希腊罗马式、半文艺复兴式的室内景与街道,而画面情节就从室内与街道上展示出来。在其中名为《圣雅各前往受刑的行列》一幅画中,曼坦尼亚还成功地运用了自下而上的透视缩减法,前景有大拱门,透过大拱门有街道。和其他数幅壁画一样,此画也充满了纪念碑倾向。《死去的基督》是曼坦尼亚晚期的架上作品,无论就其深刻的戏剧性构思而言,还是就其造型处理而言,它都是一幅有着非常独创的构图作品,而且其悲剧性的表现力在意大利同类题材的作品中也是罕见的。可以说曼坦尼亚的严谨风格的绘画是对早期文艺复兴的卓越贡献与总结。他从古希腊、罗马世界的形象遗产中捕捉到了体现艺术中的关于人的理想概念,他所塑造的形象,圣雅各也好,基督也好,都是那个时代人物概括化和英雄化的形象的投射。
拉斐尔(1483—1520)出生于翁布里亚,早期在画家佩鲁吉诺的工场学习,后来他的画面上始终洋溢着的明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感,都得益于他所受的早期教育。
1508年,拉斐尔应友人雕刻家、建筑家布拉曼特的邀请来到罗马,他以后的许多著名作品都是在这里完成的。他为梵蒂冈宫绘制的三幅壁画《雅典学院》、《巴尔纳斯山》和《圣典辩论》表现了一个人文主义者对于真理和幸福的追求。但总得来说,《雅典学院》是这3幅作品中最优秀的一幅,也是拉斐尔最辉煌的作品,他把古代思想家与科学家的聚会安排在一个有拱门的大厅内,两边有阿波罗和雅典娜的雕像。画面正中央是柏拉图和亚里士多德,两人一个指天,一个指地,他们的手势分别代表着各自的学说。在他们周围还有各种姿态的学者和科学家,也是用特定的姿态表明他们各自的身份和学说。所以说,《雅典学院》里的人物形体比其他两幅具有更强烈的纪念碑倾向。无论从内容还是从形式上来看,这幅作品都标志着人文主义思想在文艺复兴时代美术中的最终胜利。也标志着人文主义思想与古代希腊、罗马文化的密切联系。显然,拉斐尔已经开始享受文艺复兴思想的成果了。这些作品也奠定了拉斐尔在罗马的声誉。拉斐尔是描绘女性形象的大师,到罗马之前,他笔下的圣母是美丽的平民妇女的形象,在她们的身上体现出慈爱、善良、温顺的高尚品质,引起人们对生活的憧憬。到罗马以后,拉斐尔的圣母形象仍然是世俗的,但带上了几分贵族气派,最有名的是《西斯庭圣母》,这幅画象一首优美的颂歌,将圣母的端庄和世俗的爱融为一体。拉斐尔与达•芬奇、米开朗基罗的不同之处就在于他以优美的、诗一般的绘画语言体现了人文主义的理想,他对美的孜孜不倦的追求对后世产生了巨大影响,他所确立的美的样式成为后来学院派古典主义的标准之一。
D、威尼斯画派(15—16世纪)
威尼斯在15世纪成为地中海沿岸最大的商业中心,实行贵族共和制政体,整个城市充满了繁华的世俗气氛,到15世纪后半期美术题材就从宗教转向了世俗。湛蓝的海水与东方商船绚烂的色彩交相辉映,使这儿的艺术家对色彩特别敏感,世俗的题材使他们把目光转向美丽的自然风光,舒适豪华的生活也带来一种享乐主义的情调,这一切都使威尼斯画派的艺术家为意大利复兴演奏了一段华丽的终曲。另一方面,威尼斯艺术的发展还有其一定的特殊性。首先是以前玻璃画、镶嵌画中极具有装饰性的色彩感受与丰富的世俗生活发生了冲突,这使得威尼斯画派转而追求色彩的热烈明朗与辉煌灿烂。其次,由于威尼斯气候潮湿,使得湿壁画的创作被扼制,而画于画布上的油画得到发展。油画的优越性还在于它能最充分、最得心应手地来揭示可观的色彩与色调的充实丰满;也能更加灵活地表现画面上有光线、色彩与空间的细小差别;并能够更加柔和、更加明确地塑造人物形体。从这一点来看,不仅湿壁画,就连以前的木板胶画也比不上油画来得便利。
乔万尼•贝利尼(约1430—1516)被认为是威尼斯画派的创始人,他是曼坦尼亚的内弟,早年受曼坦尼亚影响较大,到15世纪末开始形成自己的风格。与同时代的画家相比,他更注重风景的描写,把自然景色诗意化,使作品充满宁静和淡雅的情调。即使在圣母的形象中,他也没忘记以优美的风景作背景。然而他的成功之处还在于他将风景所造成的氛围与画中人物的精神状态紧密地结合在一起,一般来说,这是他同时代的艺术家所无暇顾及的。在他的作品中,情节的戏剧性已经退到相当次要的地步,而色彩和素描的表现力成为首要的因素,这也是威尼斯画派的共性。这一类的代表作品的贝利尼早年的《有小的树的圣母》,这件用品一扫传统的宗教气息,用几乎是刺眼的色彩安排揭示出人物内心的壮丽感受和精神状态的内在意义。在晚期作品《神的欢宴》、《湖的圣母》中,他以开始大胆地采用外光,色彩变得明朗鲜艳起来,流畅的线条富于音乐性,这种和谐优美的基调促进了威尼斯画派的形成和发展。
贝利尼的学生乔尔乔纳(约1476—1510)是从贝利尼风格过渡们到威尼斯画派的全盛时期的人物,虽然他不幸早逝,但以他非凡的天才开创了一代画风。乔尔乔纳诗一般的画面,并不单纯是一种优美的视觉效果,而且有丰富的人文主义内涵,如《三个哲学家》就分别代表了中世纪哲学、东方哲学和人文主义思想,尤其在代表人文主义思想的青年学者身上倾注了他的热情和理想。《田园合奏》则是一曲美丽的大自然和对幸福的人生的赞歌,画中两个女裸体分别象征两位游吟诗人歌唱的内容。乔尔乔纳最初的人物作是《沉睡的维纳斯》,美丽的女神沉睡在梦中,她生命的活力已经融汇到自然之中。这幅画在形体、色彩、柔和的线条和景色的层次上都达到了高度的统一。如前所述,乔尔乔纳是第一个严格意义上的威尼斯画派的画家。在他的作品中也有高度的抒情,但是这种抒情却总是为一种奇特的理性精神所统领,同时,他进一步延续了贝利尼的探索,大自然在作品中开始起着日益重要的作用。
提香(约1487—1576)和乔尔乔纳是同学,但他却象米开朗基罗那样长寿,他的艺术生涯几乎贯穿了整个16世纪。提香的作品不象乔尔乔纳那样抒情和宁静,而是显得壮丽、热情和富于想象,色彩强烈、用笔奔放。提香笔下的人物更为粗犷,更加意气风发,也更完整。在早期作品中,我们仍能感到乔尔乔纳牧歌式的情调、柔和的形体塑造、宁静的色调等如《天上与人间之爱》风景的柔和宁静,裸体的清新气氛,明亮绚丽的服饰上的冷色调一起形成了舒畅欢乐的主题,也表现了一种特定的精神状态。尽管有乔尔乔纳牧歌式情调的影响,这件作品在内容上却是反映出当时在人文主义学者中流行的新柏拉图主义的思想。1516年左右,提香的风格日趋个性化,他转而进一步追求光与公的波澜壮阔的交织,如《乌尔宾诺的维纳斯》。提香用一个放荡少妇的形象真实地反映了当时威尼斯人生活方式的一个倾面。形象的逼真、生动、情节的风俗化处理,加强了对世俗生活欢乐的认同感。这幅作品明确地反映出提香的现实主义艺术观。同样的情况也表现在他的一系列肖像画中,如《戴手套的男子》和《保罗三世》等著名肖像画。到了晚年,提香的内心充满不安的情绪,画面上的笔触显得凝重,色彩也更加单纯,好象预感到了意大利文艺复兴的黄金时代行将结束,这种情绪明显反映在《丹娜埃》和《哀悼基督》(1573—1576)这类作品上。《丹娜埃》贯穿着戏剧性感受,提香大刀阔斧地处理了色彩与色调的对比关系,将其与闪闪发光的阴影结合在一起,其强烈的感情高潮与《天上与人间的爱》中的明朗绚灿、《乌尔宾诺的维纳斯》中的宁静舒畅形成明显的对立。从艺术语言上分析,提香晚年的作品所要解决的问题是进一步深入地理解色调的相互关系与明暗的规律。日益完善造型处理上的笔法运用与色彩安排,绘画的色彩和谐问题以及不拘绳墨的笔触表与问题。提香艺术的优点也正在于此,即笔触的运用方法为造型的表现提供了更多的可靠性。他也正是在这一点上对17世纪的画家如鲁本斯等人产生影响的。
委罗内塞(1528—1588)比提香晚一辈,他在1553年来到威尼斯,这时的威尼斯已渡过了它的繁荣期,贵族和商人抓住最后的时光饮宴享乐、花天酒地,这从另一个倾面反映出威尼斯人追求的不是宗教的禁欲,而是世俗的欢乐与自由。委罗内塞把这一切都搬上了自己的画面,如《利末的家宴》、《格利戈里的宴会》和《加纳的婚宴》等。在后一幅画中,参加宴会的宾客中有英国女皇、弗兰西斯一世、土耳其的苏丹、丁托列托和画家本人。每幅画都是人物众多,场面宏大,形形色色的人物充斥其中,而且其中都有耶稣的形象。正因为他过分随便地画这些宗教题材,委罗内塞还被宗教裁判所传讯,成为美术史上一场有名的官司。
丁托列托(1518—1594)在威尼斯画派中具有一格,他的艺术理想是“把提香的色彩和米开朗基罗的形体结合起来”。他的画也是具有规模宏大的构图,复杂的激烈的人物动态和异乎寻常的透视角度,如《圣马可的奇迹》和《发现圣马可尸体》等,而在《银河的起源》中,丁托列托又巧妙地运用人物动态与画面光线的对比创造出生动欢快的气氛。和委罗内塞一样,丁托列托也不大注重人物的性格刻画,主要关心的是画面视觉效果。
柯罗乔(1499—1534)是与威尼斯画派的乔尔乔纳、提香同时的一位著名画家,他主要活动在北意的巴马,在画风上受威尼斯画派的影响较大,画面上色调明快,诗意盎然,妇女形象美丽动人。代表作品有《圣夜》、《丽达与天鹅》等。在他的作品中已经看到了巴洛克的前兆。
就西欧说,现实主义(Realism)是从文艺复兴到十九世纪这一特定历史时期形成的一种文艺思潮和创作方法,也是西欧资产阶级登上历史舞台以及确立政治统治时期出现的一种文学现象。
作为文学的一个专门术语,现实主义最早出现在十八世纪德国的剧作家席勒的理论著作中。但是,"现实主义"作为一种文艺思潮、文学流泥和创作方法的名称广则首先出现于法国文坛.法语中的Realisme一词,来源于拉丁文Realistas(现实,实际)。现实主义名称的出现和这种文艺思潮的存在完全是两码事。在法国,现实主义之称始于十九世纪五十年代。最初,由法国小说家商弗洛利(1821--1599)用现实主义当作表现艺术新样式的名词,他于1850年在《艺术中的现实主义》一文中,初次用这个术语作为批判现实主义文学艺术的标志。其 后,法国画家库尔贝(Gustave Courbet, 1819--1877)在绘画上提倡现实主义。
一 八五五年,库尔贝举办了一次个人画展,引起一场大辩论,文艺史上称为"现实主义大论战"。就在这次沦战中,库尔贝创办了一种定期性的刊物,命名为《现实主义》。一八五七年,库尔贝的热心支持者商弗洛利又把他的文集定名为《现实主义者》,从此在欧洲文坛上正式树立起一面现实主义的旗帜,这一术语也就在法国流行起来了。众所周知,巴尔扎克 (1799--1850)是现实主义这个名词最深刻含义上的作家,他 的《人间喜剧》乃是深刻的规范化的现实主义文学。但是,巴尔扎克正如这一流派的伙伴们司汤达,狄更斯、萨克雷以及果戈理一样,都不曾用"现实主义"这一名词来标明他们的新型的文学流派。在俄国,首先使用这个术语的是文艺理论家皮萨列夫(见他的(现实主义者》),不过,那已是十九世纪六十年代的事了。
一般说,凡是在形象中能最充分地表现现实生活的典型特征的,都叫做现实主义作品。法国文学史家爱弥尔·法盖解释说:"现实主义是明确地冷静地观察人间的事件,再明确地冷静地将它描写出来的艺术主张。……要从几千几万的现实事件中,选择出最有意义韵事件,再将这些事件整理起来,使之产生强烈的印象"这同恩格斯所说的"除了细节上的真实之外,现实主义还要求如实地再现典型环境中的典型人物"的定义基本一致。如果我们不把现实主义简单地理解为各种真正艺术所固有的现实性,而是理解为单独具有一整套性格描写的原则和艺术方法的话,那么,在西欧来说,现实主义的形成,一般认为在文艺复兴时期。从文艺复兴的现实主义到十九世纪二十年代的批判现实主义,其中又有十八世纪启蒙时代的现实主义。文艺复兴时期的现实主义以描写人物生动的丰富的感情,欲望和感受而著称它表现出人类的崇高,人物性格的完整,纯洁,而且富有诗意。但在分析社会关系方面又不及启蒙时代的现实主义。后者具有更多的社会性和分析性,强调创作要有明确的社会目的相思想教育作用。
十九世纪的批判现实主义思潮既是历史的继承,又是现实的创新。它总汇了十八世纪以前的文学经验,补充了文艺复兴时代现实主义历史具体性之不足,摆脱了古典主义的理性原则,克服了启蒙时代现实主义的说教成份和浪漫主义的主观性。它又从文艺复兴文学中接受了性格描绘的具体性从古典主义和启蒙时代文学中接受了社会分析因素,从浪漫主义中汲取了一些激情,但它逐渐丧失了前代文学中特有的乐观主义,却沾染了无法摆脱的悲观主义。十九世纪的批判现实主义仿佛是文艺复兴和启蒙时代现实主义特点的有机结合;又在新的历史条件下加以发展。它能从事物的运动和发展中,从人与环境的多种关系中去描写人,特别是它在再现典型环境中的典型性格,再现社会生活的真实,直接分析社会的经济关系,对现实作出尖锐的揭露和批判方面,又达到前所未有的程度。在世界文学史上,十九世纪的批判现实主义文学,成了欧洲资产阶级文学艺术发展的最高峰。
古罗马文化是在伊达拉里亚人和希腊人的强烈影响下发展起来的,古罗马文化与艺术,主要繁荣于共和末期和帝国时期,古老的意大利土著文化,深受伊达拉里亚文化的影响。伊达拉里亚人早在公元前8—3世纪,就创造了拱券建筑和具有东方风格的装饰壁画,以及有力而写实的雕刻,这些对古罗马艺术具有强有力的影响。古罗马人虽然征服了古希腊,但在文化上却被古希腊人征服。古罗马人是古希腊艺术的崇拜者和摹仿者。古希腊艺术对古罗马产生了重大影响,但是由于不同的社会环境和民族特点,古罗马艺术也有其不同于古希腊艺术的独特之处。相比之下,罗马人的艺术更倾向于实用主义,在内容上多为享乐性的世俗生活,在形式上追求宏伟壮丽,在人物表现上强调个性。古罗马文化与艺术的突出成就,主要反映在建筑、壁画、肖像雕刻方面。
一、罗马时期建筑风格特征
古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术, 继承古希腊建筑成就,在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新的一种建筑风格。 古罗马建筑在公元1~3世纪为极盛时期,达到西方古代建筑的高峰。
古罗马建筑的类型很多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙 ,以及巴尔贝克太阳神庙等宗教建筑,也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式院相结合的住宅,还有四、五层公寓式住宅。
古罗马的建筑最辉煌、最有艺术价值的则是为经济服务或为人的生活(物质、精神)服务的建筑,古罗马世俗建筑的形制相当成熟,与功能结合得很好;如广场、道路、桥梁、高架输水道、隧道、剧场、竞技场、浴场、住宅和别墅等等。这些建筑几乎全是直接为人的物质生活或精神享受服务的。在艺术风格方面,它们也追求和谐,追求完美,追求崇高,但已不是一种“神圣”的和谐、完美、崇高了,而是现实人生的一种“合 宜”,是经济繁荣,和平安定,和追求现实刺激的“崇高”,有的“崇高”还直接与某种“悲剧”情绪相联系,如著名的古罗马斗兽场,它那完美、和谐、崇高的造型,因与其功能性的悲剧意味相联系着,是沐浴着奴隶血泪的一种崇高,所以,使这种崇高、完美,更具有了世俗性,它能让人赞叹、使人振奋,但难以产生像希腊神庙的那种“神圣”感。这可以说是古罗马建筑风格中的和谐、完美、崇高与古希腊建筑风格的最大区别。至于另一些世俗的建筑,如卡拉卡拉浴场,它那和谐、完美而又雄伟的风格,也主要来自于世俗的情感,而不是来自理想主义的神圣意识。
在具体建筑的造型风格方面,古罗马的建筑也是既继承了古希腊建筑的造型风格,又革新、发展了它。如古罗马大斗兽场的外部立面,特别是高4层的外部立面,就是古希腊柱式构图的复写,它的底层是多立克柱式,第二层是爱奥尼克柱式,第三层则是科林斯柱式,在顶层则围绕着壁柱。但是,古希腊的这种柱式,在古罗马的这座杰作中已不再像在古希腊建筑中那样起结构作用了,它已蜕变成了一种单纯的装饰,真正起结构作用的部件是隐藏于墙壁之中的结构体。同时,在屋顶造型方面,古罗马人更是极大地革新了古希腊建筑的造型方式,将古希腊习用的梁柱结构,代之以一种更为有效的拱券支撑方法,从而在屋顶造型方面,出现了在古希腊建筑中很难见到的“穹拱”屋顶。正是这种“穹拱”屋顶,成为了古罗马建筑,特别是房屋类建筑与古希腊房屋类建筑最明显的区别。这种拱券结构因经济、实用,且审美效果也很好,故不仅应用于神庙、宫殿等特殊建筑,而且扩展到日常生活的一切领域,如道路、桥梁、输水道、港口、剧场、住宅、仓库和下水道等。从而使许多雄伟建筑在表现和谐、完美、崇高的同时,具有了一种明显的“圆”味。但同时,古罗马的建筑又在造型方面有意识地借鉴和继承了古希腊建筑造型的一般特点,特别是柱廊的使用,常常鲜明地表现出古罗马建筑与古希腊建筑的承继关系。例如古罗马的潘泰翁神庙(又称万神庙),它的主体部分是一个带穹顶的巨大的混凝土圆桶,这种以“圆”为主的风格,是典型的古罗马建筑的特点,而在它的大门入口处,又靠着一个典型的古希腊的柱廊,柱廊由八根科林斯柱式组成,它的上面则是一处三角形的山尖。整个建筑活脱脱地显示着古罗马建筑继承与创新的形象。
古罗马建筑的木结构技术已有相当水平,能够区别桁架的拉杆和压杆。罗马城图拉真巴西利卡,木桁架的跨度达到25米。公元一世纪建造的罗马大角斗场,可容 五万观众,只用了5~6年时间就建成了。它建在一个填没的湖上,但地基竟没有明显的沉陷。
古罗马建筑艺术成就很高,大型建筑物 的风格雄浑凝重,构图和谐统一,形式多样。罗马人开拓了新的建筑艺术领域,丰富了建筑艺术手法。
其中比较重要的是:新创了拱券覆盖下的内部空间,有庄严的万神庙的单一空间,有层次多、变化大的皇家浴场的序列式组合空间,还有巴西利卡的单向纵深空间。有些建筑物内部空间艺术处理的重要性超过了外部体形。
发展了古希腊柱式的构图,使之更有适应性。最有意义的是创造出柱式同拱券的组合,如券柱式和连续券,既作结构,又作装饰。帝国各地的凯旋门大多是券柱式构图。出现了由各种弧线组成的平面、采用拱券结构的集中式建筑物。公元2世纪上半叶建于罗马郊外的哈德良离宫,是成熟的实例。
公元四世纪下半叶起,古罗马建筑潮趋衰落。 十五世纪后,经过文艺复兴、古典主义。古典复兴以及十九世纪初期,法国的“帝国风格”的提倡,古罗马建筑在欧洲重新成为学习的范例。这种现象一直持续到二十世纪20~30年代。
二、古罗马卓越的肖像雕刻和装饰艺术
罗马人在肖像雕刻方面取得了卓越的成绩。罗马人从很早期就有祖先崇拜的风俗,他们为死者作雕像,收藏在家里。在举行新的葬礼时,再把所有的祖先肖像搬出来参加仪式。所以罗马人早期的肖像雕刻以自然主义的逼真为特点,艺术水品不高。
共和国末期,罗马征服了希腊,希腊雕刻艺术对罗马产生了不可抗拒的影响。罗马肖像开始走向形式的多样化、艺术性的概括和表情的生动。为数众多的《奥古斯都像》是受希腊理想化风格影响的典型例子。雕刻家把矮小跛脚、体弱多病的奥古斯都表现成高大健美的统帅,具有运动员一般的体期和英雄期概。他的脸庞也在形似的基础上理想化了,接近希腊雕刻一般的完美。几十座肖像都无一例外的美化,有的将他塑造成战神,有的将他塑造成英雄或美少年。
罗马帝国时期,肖像雕刻中写实风格流行,出现了具有强烈的个性和复杂的内心世界描写的肖像。《卡拉卡拉像》表现了一个凶狠紧张而又冷酷无情的暴君面孔,紧皱的眉头和空虚的眼神中流露出不安的心情,扭转的头部强调了紧张和暴戾的性格。《马可•奥勒留骑马像》是一个具有斯多噶哲学思想的君主肖像。他的脸部带有哲理性的思索,具有颓废、消极、静观的色彩。因为这一明显的特点符合基督教的学说,这座青铜像在中世纪得以保存下来。它对以后的意大利文艺复兴时期雕刻家产生了重要影响。
帝国晚期,在极度的政治、经济矛盾不安中,肖像雕刻风格走向更为写实的道路,出现了大量各种不同的面孔:凶恶的、狡诈的、粗鲁的、惊惶不安的……体现出罗马人这时候的典型性格是:外表形象的粗鲁、内在精神的高度紧张。
罗马浮雕具有记事、写实的特征,其最突出的代表作是图拉真纪念柱浮雕。它详尽地叙述了图拉真皇帝亲自率军征服达契亚人的全过程。这些事件和情节是当作史实来记载的,不论是人物服装还是征服城市的过程都具有历史的真实性。在这两千多人物的长卷式浮雕中,艺术家采用了散点透视手法,出色地处理了情节繁琐、层次复杂、人物众多的构图。
罗马的公室及富豪之家,拥有成百的艺术品及其他的装饰品。地板常常是杂色的大理石,家具都有非常优异的设计及工艺技巧,桌子、椅子、凳子都由耐久性的物质制成,装饰极为豪华。木料、象牙、大理石、银、铜及金等材料都经过非常细密的加工及磨制,铜制的火盆暖着屋子,青铜吊灯则照亮了房间,镜子也是铜的,浮雕或镌刻着花式或神话的图案,有时制成横或直的凹形或凸形,把反射出来的人形改变成可笑的瘦长或胖圆形。
银器用品在中层以上家庭中已经是很普遍了。1895年,考古学家在一座别墅的水池中发现了数量可观的银器收藏品,显然是有人在公元79年躲避维苏威(Vesuvius)火山爆发时把它们储藏在那里的。其中16只银杯中,有一只还看出一个几近完美的单叶(Simple foliage)图样,有两只表示着高浮雕的骨架,另1只上面的图画是奥古斯都在战神及爱神之间加冕登基,表示两者都是人类的敌神;最可笑的是斯多喝派的鼻祖芝诺,讥讽地指着伊壁鸠鲁,后者正津津有味地吃着一在块蛋糕,同时有一只猪,前足立起,彬彬有礼地想讨取一份。
在那个时代,至少在一只手指上戴1枚戒指是社交所必需的,少数的花花公子每只手指都戴戒指,而不只戴一枚戒指,这些戒指都用从非洲及阿拉伯、印度输入的宝石雕刻而成的。罗马人用戒指做私人的印章,他们喜欢使印章有独特的设计,因此当时玉石的雕刻已达到一种难以企及的程度。
同时,各式各样的陶瓷艺术品也充斥意大利的家庭。这时制造艺术玻璃的技术也达到了很高的程度,在庞贝遗址发现的"蓝玻璃花瓶",描绘出酒神在为葡萄成熟而开的庆祝宴会上的优美活动。提比略在位时,吹玻璃的艺术也传入了罗马,很快便制造出了杂色的小玻璃药瓶、杯子、碗及其他精美的制品,并使它们一度成为艺术收藏家及百万富翁们心爱的"猎物",尼禄在位时,曾付出6000银币买了2个小的吹玻璃杯。从亚洲及非洲输入的"萤石"花瓶的价格则更昂贵。奥古斯都虽然把埃及女王克娄巴特拉的金盘子熔化掉,但是却把她那萤石玻璃制成的杯子珍藏了起来。尼禄则为那样一个杯子付出了100万银币。总而言之,罗马人在制玻璃方面至今举世无双。
古罗马的装饰与雕刻的美学追求在于求真美,这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同,这种特征趋向于个人意志的创造,表现出敢于参与世事争胜的气概。
三、古罗马的壁画艺术风格特征
罗马时期的绘画主要包括镶嵌画和壁画。早期绘画多记载具体历史事件,用来装饰公共场所和住宅,这种叙事性绘画保存下来的很少。公元79年,由于维苏威火山爆发,火山灰埋没了庞贝等三个意大利城市。18世纪庞贝城被发掘出来,其中保留了大量壁画,根据这些壁画,罗马壁画被划分为第一、二、三、四庞贝风格。第一风格即用色彩涂绘建筑细部;第二风格是直接在墙上描绘建筑细节,用透视造成更宽敞的空间幻觉,并穿插以情节性绘画,《密祭》就属于这一风格;第三风格强调墙的平面性,并绘以精致的静物;第四风格将透视效果。
古代的游客在罗马的寺院、住宅、回廊及剧场中,发现的绘画甚至比雕塑更为普遍。当然,这时的绘画艺术只局限在壁画等方面。由于维苏威火山的喷发,才为我们在庞贝留下了大约3500幅壁画。有一幅壁画,画着狄奥尼修斯突然袭击安睡中的阿里娅德涅(Ariadne);另一幅画着赫尔墨斯安静地望着火神被绑在苦刑轮子上;还有一连串的幽默壁画,画着无忧无虑的丘比特,滑稽地模仿着庞贝的工业。这些人形画得栩栩如生,人体的色彩至善至美。
艺术鉴定家如果要了解古代意大利绘画艺术的性质,划分它的时期与风格,都要去参考庞贝时期的绘画。
有一个时期,罗马的壁画是模拟一栋建筑,或者画它的正面,或者画它的柱子,人们看见的柱子仿佛是从里面向外看的,空旷的乡野被画在柱子与柱子之间。用这种方法,艺术家使人有置身于一个没有窗子的房间的感觉,室外是凉爽的树木与花卉、原野与溪流、驯良的动物。居民只要在屋里对着墙看,便可想像到身处于一处花园之中,可以垂钓、泛舟、狩猎或养鸟,乐在其中,而不受季节的限制,这也从另一个方面说明了罗马绘画艺术的水平。
例如古罗马:庞贝壁画风情款款,古罗马庞贝城的建筑墙面,在各个时期使用的是不同的材料。多数建筑物是在公元前1世纪至公元1世纪时期内建造的。其时,在墙上制作壁画前,须涂刷多层灰泥。涂灰泥是一道重要工序,一般在豪富宅第,墙上的灰泥有十层之多,灰泥中还掺有捣碎的砖末。
我们可以从一些庞贝壁画上看到这种建筑工匠在墙上涂灰泥的情景:工匠们先在灰泥上勾出轮廓(出土的几幅壁画,有的仅打出轮廓,未来得及上画稿),然后上色。所用的颜料大多采用意大利本土的矿物质,如朱砂、赭石、锡埃纳土黄、碎淳岩等,用生石灰作粘合剂(生石灰易溶于水,从空气中吸收碳酸气,变成不溶解的碳酸钙,使颜料成分得以粘固)。学者们还发现壁画家常采用有机物作颜料,如蛋黄、蛋白、乳浆等(乳浆可用于粘合庞贝蓝或称玻璃蓝、深黑等色)。
这里的一幅《珀耳修斯与安德洛墨达》,所用的颜色就十分鲜艳,它出土于庞贝城,据考证,发现是从公元前4世纪尼基壁画复制下来的,故属于公元1世纪。现归意大利那不勒斯国家博物馆收藏。
《珀耳修斯与安德洛墨达》这一题材也出自希腊神话:埃塞俄比亚国王的女儿安德洛墨达,被吃人的海怪挟持,并说这是执行神的指示。英雄珀耳修斯在归途中经过巨岩上空,发现巨岩上锁着安德洛墨达,便下去杀死了海怪,救出了美人,并娶安德洛墨达为妻。壁画描写的正是英雄救出美人的时刻。珀耳修斯一手提着海怪的首级,一手扶起美人要离开巨岩。
当年与庞贝城同时毁灭的另一古城赫库兰尼姆,经发掘也藏有许多精湛的壁画。这些壁画都以希腊神话为题材。尽管还带有一定程度的摹仿希腊绘画的特色,但从人物的造型与衣服的褶纹表现看,这位画家有着娴熟的绘画技巧,明暗浓淡与色泽的变化,在庞贝的壁画遗迹中是属于高明的。有的学者说它是希腊壁画的摹制品,可能是指形象的特征。我们觉得如此流畅的艺术表现,应该说,摹制者至少在艺术修养上不比古希腊壁画家差,相反,倒是比前者更懂得画理一些。
欧洲文艺复兴运动, 象达·芬奇的`蒙娜丽莎`,米开朗琪罗的雕塑`摩西`,拉斐尔的`圣母子`,这都是历史上不朽的绘画及雕塑作品,这三位大侠也被后人称为意大利文艺复兴时期的三杰。
他们的辉煌成就,不仅对欧洲而且对全世界后来艺术的发展产生了深远的影响。
那么就在文艺复兴期间,为了区分中世纪时期(5-15世纪)的艺术风格,歌特(gotic)出现了,
15世纪中意大利人有了振兴古罗马文化的念头因而掀起了灿烂的文艺复兴运动,由于意大利人对於哥特族摧毁罗马帝国的这段历史情仇始终难以忘怀,
因此为了与这段时期有所区分,他们便将中世纪时期的艺术风格称为歌特(gothic)
对他们而言即意味着野蛮。虽然歌特(gothic)这个词中带有贬义,但在中世纪(歌特)时期,许多伟大的艺术作品都是在这个时代孕育出的
这点似乎15世纪的意大利人也是不能否认的。其中最有名的当算是法国巴黎的圣母院大教堂(Notre Dame)。
当然,哥特式风格也不仅止於建,诸如雕刻、玻璃制品、装饰品和彩缯图稿等等,都深受影响,
这类艺术创作从12世纪中到16世纪初一直绵延不断。同样宗教在哥特艺术上扮演着极重要的角色,
不论是画家或雕刻家,在他们的作品上都喜爱以宗教为题,对於写实的题材则不甚感兴趣。
从字面上理解歌特基本上有三种意义,
其一表示哥特式风格的建筑,如大教堂(cathedral),其最大的特色就是高大的梁柱和尖拱形的天花板与结构;
其二,在文学上哥特是用以形容那些以黑暗寂寞地点(如荒废城堡)为背景的奇异、神之冒险故事;
其三,哥特也代表一种字体相当华丽的印刷或书写风格。
哥特文化作为一场现代文化运动,开始于七十年代末期朋克(PUNK)摇滚的音乐浪潮,
当后者渐渐退去的时候,哥特文化作为一种边缘的亚文化幸存了下来。
哥特文化是作为一种独特的中世纪复古风格的音乐、艺术和文学的文化范畴
在音乐上它承袭了七十年代欧美朋克(PUNK)摇滚的音乐风格
在艺术上表现为一种对十二到十六世纪西欧的哥特式建筑风格的强烈复古倾向
在文学上演变为那种隐郁和怪诞的神秘黑暗文学
哥特文化实际上倾向于那种非暴力的、和平主义的、被动的、宽忍的生活态度。
但在许多媒体中却将它错误地理解为那种极端暴力的,仇视少数民族的和白人至上主义的边缘文化。
哥特文化总是表现出一种孤僻疏离的,阴沉的精神气质,它总是去探讨那些引人深思的社会问题,种族歧视、战争、以及仇恨。
精神上对死亡的迷恋,驱使哥特文化不停地试图去找寻对生活、痛苦和死亡的另外一种思考。
最早的原始艺术
于1万年前左右中断
欧洲南部
人类最早的文明
于2千年前左右中断
西亚·北非
古典主义
古希腊、古罗马 文艺复兴 新古典主义
浪漫主义
现实主义
印象主义
现代各流派
这个图表就是外国美术史的一个大的框架,各个国家和地区、各个年代的艺术家及作品都在这个框架相应的位置上。
第一章 史前美术及古代美术
(一)着重掌握
1.希腊艺术古典盛期美学特征:
"高贵的单纯和静穆的伟大"是古典盛期希腊艺术的本质特征。古典时期希腊美术崇尚理想主义与写实作风相结合的艺术原则,这时的建
筑和雕塑最为完美地体现了古希腊的艺术理想。经典建筑散发着和谐、明朗、端庄的气息;经典雕塑洋溢着庄重、优美、和谐、生动的气息,
带有浓郁的理想主义色彩。
2.古代希腊艺术的分期及各期的代表性艺术作品:
① 几何纹样化时期:底庇隆陶瓶。
② 古风时期:瓶画\建筑\雕刻
a."库罗斯"和"科丽"雕像、"古风式微笑";
b.黑绘风格和红绘风格的陶瓶艺术;
c.希腊神庙的典型样式——"围柱式"神庙以及两种基本柱式。
③ 古典时期
a.古典初期:德尔菲的驭者、掷铁饼者、持矛者;
b.古典盛期:此期的建筑和雕塑最为完美地体现了古希腊的艺术理想。雅典卫城的建筑和雕塑最有代表性。雅典卫城由帕特侬神庙、厄瑞克
忒翁神庙、山门、胜利女神庙组成;
c.古典晚期:出现了新的建筑类型和古希腊第三种重要柱式。三位杰出的雕塑家。头像、尼多斯的阿芙洛狄黛、刮汉污垢的运动员等雕塑作
品。
④ 希腊化时期
a.帕加马城:宙斯祭坛;
b.罗德岛派:拉奥孔群像;
c.雅典:狄摩西尼;
d.亚历山大里亚:努比亚少年、拔刺的少年;
e.希腊本土:米洛的维纳斯、萨莫色雷斯的胜利女神。
(二)掌握
1.洞穴艺术的涵义、功能和内在意义。
①洞穴艺术的涵义:是旧石器时代晚期的欧洲艺术。主要指涂绘在岩洞深处石壁上的绘画作品,同时也包括在那里发现的浮雕等作品。西
班牙北部和法国南部地区是洞穴艺术荟萃之地。
②洞穴艺术的功能和内在意义:学术界历来有多种解释,有的认为是原始部落的图腾崇拜;有的认为与原始人类为祈求狩猎成功而进行的
巫术活动有关;还有的强调记事作用。种种解释都有一定的事实作为依据,但其中任何一种都不足以概括全部意义。
③阿尔塔米拉洞:是西班牙工程师索特乌拉及其女儿于1879 年在西班牙北部山区发现的一座长约300米的大洞, 著名的史前洞窟壁画便绘
于主洞顶部。壁画绘有20余只动物,手法写实,线条简练,形象生动, 其中最为成功的艺术形象要数充满着蓬勃生命力的强劲的野牛。阿尔塔
米拉洞穴壁画成为欧洲旧石器时代晚期美术的绝唱。
2.埃及古王国时期的美术类别及特点:
① 金字塔:
作为法老陵墓的金字塔经历了一个逐渐演变的过程。早期马斯塔巴是一种用泥砖构筑的低台建筑;后来被宏伟宏伟壮观的角锥型金字塔代
替。乔赛尔王梯形金字塔是古埃及历史上最早的金字塔。吉萨金字塔群最为有名。其中胡夫金字塔的规模最为宏大,高度近150米。
金字塔结构简单、单纯、稳固。在轮廓的天际下,金字塔巨大的体量与一望无垠的沙漠融合在一起,实现了人类创造力与自然界的充分交
流,也反映了一种威严、永恒和神秘的时代气气氛。
金字塔前的《狮身人面像》被希腊人称为"斯芬克斯",象征着望权神授的观念。
②雕塑:
法老像一般用质地坚硬的岩石作材料,制作上遵循严格而系统化的工作程序,形成所谓的"正面律",即人物无论站着或坐着,都须正面
对着观者,头部和躯体保持笔直状态。《海夫拉坐像》典型地体现了这一特点。
贵族、官吏及劳动者雕塑虽然也采用了严格的程序化制作方法,但相对于法老雕塑要更为生动、自然和贴近现实生活。如《村长像》、《
书记员》。
③墓室浮雕和壁画:
二者都采用层叠的横向画带形式。画面中人物大小及位置不是根据透视要求处理,而是由社会地位的尊卑来决定;造型上遵循着眼睛、肩
胸正面,脸、腿和手为侧面的惯例。着色的原则为男子一律红褐色,女人为淡黄色。如壁画《梅杜姆的野鹅》细致、逼真得犹如标本,创作者
把写实与图案化的处理巧妙地结合起来,使画面既有平面装饰效果,又不乏一定的生动性。
3.埃及新王国时期美术的新格调:
埃及新王国时期的美术获得了前所未有的繁荣,在许多方面已经脱离了传统的形式规范,而显现出鲜明的时代特征。这是一种注重表达人
间温暖与平和的、更富于人情味的艺术风格,与受到较为严格形式规范控制的传统美术的生硬、刻板作风有相当大的区别。这时的美术家享有
较多的创作自由,敢于如实地反映生活的本来面目。例如《阿赫纳吞雕像》。
4.罗马共和国时期在建筑技术领域的成就:
罗马人在建筑技术领域内所取得的独创性成就为拱券技术和混凝土。
5.罗马帝国时期在建筑上的辉煌成就:
①帝国早期和中期的罗马建筑:
a.公共建筑:高架输水渠、科洛西姆斗兽场;
b.神庙:罗马万神殿;
c.纪念性建筑:提图斯凯旋门、图拉真记功柱;
d.民间建筑:"银婚屋"。
②帝国晚期的罗马建筑:
a.君士坦丁凯旋门;
b.戴克里先宫;
c.君士坦丁巴西利卡。
6.宗教在印度美术中的影响:
在南亚次大陆,孤绝的自然疆界、持续的外族入侵和复杂的人种构成形成了独特的印度文化。印度就象一个博物馆,汇集了多种信仰、习
俗、宗教,印度美术也成为各种宗教的诠释者和传播者,渗透者错综复杂的意识内容。随着各种宗教的兴衰、更替,印度美术展开了风格演变
的历程。印度美术本质上是宗教的,审美体验与宗教体验浑然一体。
印度宗教主要是佛教和印度教。公元前3世纪阿育王时代,佛教被尊为国教,从此佛教美术日臻繁盛,一直持续到公元7世纪才让位给印度
教美术。
7.日本绘画的代表人物及代表作品:
①飞鸟至贞观时代(6-9世纪):绘画代表作是木版漆画《舍生饲虎图》(7世纪);
②滕原时代至室町时代(10-16世纪)
滕原时代的典型风格"定朝式";
用日本手法描绘日本风光的大和绘;
绘卷物:"女绘"《源氏物语绘卷》、"男绘"信《贵山缘起绘卷》、《伴大纳言绘词》;
肖像画:腾原隆信《源赖朝像》;
著名画僧雪舟《冬景山水图》、《烟雨山水图》。
③桃山、江户时代(16-19世纪)
狩野派代表人物狩野永德;
汉画派画家长谷川等伯的《松林图》;
光悦—宗达—光琳派创造的日本美,光琳的代表作《红白梅花图》、《燕子花图》;
浮世绘:开创者菱川师宣,最有影响的是葛饰北斋,其代表作有《神奈川巨浪》;
8.伊斯兰建筑艺术的主要特点:
从公元8世纪起,典型的伊斯兰建筑已逐步形成。外形上是穹顶与几何体的简单组合。伊斯兰建筑成就最高的是清真寺。光塔高耸是清真寺
的标志。基布拉、圣龛、宣讲台、喷泉是清真寺最基本的组成部分。
伊斯兰建筑本身没有纯粹的定式,装饰的复杂繁丽是其最典型的特征。一般采用两种形式的装饰。一类是建筑结构本身的装饰,用外露结
构法,让拱券骨架暴露在外,产生一种构成的美,或者变化拱券样式。另一类是墙面装饰,运用多种材料贴面。装饰纹样从几何纹、动植物纹
到文字纹样变化无穷。在平整的表面,通过色彩对比和纹样连续,给人以变换无穷的视觉印象,整座建筑浑然一体。
(三)了解
1.人类最初的艺术活动产生的时间、旧石器时代美术类别及代表作。
①人类最初的艺术活动产生于旧石器时代晚期,距今约3.5万年至1万多年之间。目前发现的旧石器时代晚期的外国美术作品大致分为两种
类型:洞穴艺术和小型雕塑。
②洞穴艺术包括壁画,如拉斯科洞、阿尔塔米拉洞、三兄弟洞等洞穴壁画;浮雕,如法国"持角的维纳斯"等。
③小型雕塑艺术有奥地利《维林多夫的维纳斯》、法国《莱斯普克的维纳斯》等。
2.中石器时代的美术遗迹:
主要遗迹有北欧和西班牙拉文特地区的岩画,代表作分别为《人物、动物、鱼、舟》、《五个弓手》。
3.新石器时代的巨石建筑和陶器成就:
①巨石建筑:英国斯通亨治巨石圈;
②陶器:造型优美,纹样众多,抽象化的几何纹样占主导地位。纹饰活泼、富于变化,同时又不失内在的统一性,与淘气形制也配合得十
分默契。
4.苏美尔美术遗迹:
① 苏美尔塔庙遗址;
② 祭祀者群像;
③ 金牛头竖琴。
5.阿卡德美术遗迹:
① 阿卡德国王青铜头像;
② 纳拉姆幸王记功碑。
6.新苏美尔和古巴比伦王国的美术遗迹:
① 古地亚人的头像;
② 汉穆拉比法典碑。
7.亚述美术遗迹:
① 萨尔贡二世王宫;
② 萨尔贡二世王宫守护神;
③ 《猎狮图》;
④ 《垂死的母狮子》。
8.新巴比伦美术遗迹:
① "空中花园";
② 巴别塔;
③ 伊什塔尔门。
9.波斯美术遗迹:
① 大流石接见厅;
② 波斯波利斯王宫平台浮雕带。
10.埃及艺术的著名艺术遗迹:
①早期王朝美术遗迹:
《纳美尔王石板》;
②古王国时期美术遗迹:
a.金字塔:马斯塔巴、乔赛尔王梯形金字塔、吉萨大金字塔;
b.《狮身人面像》;
c.雕塑:《海夫拉坐像》、《村长像》、《书记员》;
d.墓室浮雕和壁画:《梅杜姆的野鹅》。
③中王国时期美术遗迹:
a.孟特荷太普三世陵墓礼庙;
b.方尖碑;
c.谢努塞尔特三世头像。
④新王国时期美术遗迹:
a.哈特谢普苏特葬礼庙;
b.卡尔纳克神庙;
c.卢克索尔神庙;
d.阿赫纳吞雕像;
e.壁画《两个公主》;
f.拉美西斯二世坐像。
11.埃特鲁里亚美术在建筑方面的贡献及主要美术遗迹;
①埃特鲁里亚美术在建筑方面的贡献:首次把拱券构造与围柱相结合,使建筑物具备某种纪念碑的气度;
②主要遗迹:陶棺雕像、罗马城的象征青铜雕塑《母狼》、墓室壁画《渔猎》。
12.古罗马的主要美术遗迹:
① 共和国时期的罗马美术遗迹:
a.希腊和埃特鲁里亚风格相结合的神庙:福尔图娜·维律里斯神庙;
b.肖像雕塑流行:<携两位先人头像的贵族>;
c.壁画《花园》、《桃子与玻璃缸》、《庞培城壁画》。
② 帝国早期和中期的罗马美术遗迹:
a.公共建筑:高架输水渠、科洛西姆斗兽场;
b.神庙:罗马万神殿;
c.纪念性建筑:提图斯凯旋门、图拉真记功柱;
d.民间建筑:"银婚屋";
e.雕塑:圆雕奥古斯都像、高发女子、图拉真皇帝、马可·奥里略骑马像等;浮雕通常与凯旋门、记功柱和祭坛结合在一起;
f.法尤姆版画;
g.镶嵌画。
③ 帝国晚期美术遗迹:
a.卡拉卡拉像;
b.君士坦丁大帝头像;
c.君士坦丁凯旋门;
d.戴克里先宫;
e. 君士坦丁巴西利卡。
13.非洲主要美术遗迹:
①撒哈拉岩刻和岩画:圣公绵羊;
②尼日利亚地区的诺克文化;
③西非古伊费王国旧地的青铜像:费伊王后像;
④尼日利亚贝宁古国的雕塑:公主头像、吹角号的人;
⑤土著部落美术:守卫偶像、面具。
14.美洲美术的基本情况:
①北美印第安美术:巨蛇土丘;
②墨西哥的阿兹特克美术:金字塔广场、奥克梅克巨石头像;
③中美洲玛雅美术:乌斯马尔修道院、奇琴伊察古城、浮雕、壁画;
④安第斯山区的印加美术:太阳门、马丘比丘城、雕塑。
15.印度古代佛教艺术的主要遗迹:
① 萨那拉特狮子柱头;
② 巴尔胡特佛塔;
③ 桑奇大塔、树神药叉女;
④ 犍陀罗美术:卡特拉坐像;
⑤ 马土腊美术:马土腊立佛像;
⑥ 阿旃陀石窟。
16.印度古代印度教艺术的主要遗迹:
①包含建筑雕刻在内的南式神庙风格:凯拉萨那特神庙、岩壁浮雕恒河降生、青铜雕塑舞王湿婆;
② 包含建筑雕刻在内的德干式神庙风格:凯拉萨神庙;
③ 包含建筑雕刻在内的北式神庙风格。
17.日本建筑、雕刻遗迹:
① 寺庙建筑采用中国样式:法隆寺金堂、药师寺东塔、唐招提寺金堂、室生寺五重塔;
② 雕刻:释迦三尊像;
18.伊斯兰艺术的主要遗迹:
①著名的清真寺:萨迈拉清真寺、西班牙科尔多瓦清真寺;
②宫殿:西班牙阿尔罕布拉宫;
③陵墓:泰姬陵。
第二章 中世纪欧洲艺术
(一)重点掌握
1.哥特式建筑的特点:
①哥特式建筑的特点:哥特式美术的最高成就是建筑。高大、宽敞和明亮,充分体现当时的宗教精神, 是哥特式建筑的主要特点。哥特式教
堂的基本结构特征是交叉肋拱和尖拱配套构成教堂的骨架,利用扶壁抵挡拱顶的侧推力。彩色玻璃窗代替外墙,教堂因此迷漫着神妙莫测的光
线。哥特式教堂是宗教教义和美学观念紧密结合的典范。比如,巴黎圣母院里面正中的玫瑰窗象征天堂。正立面水平方向分为三曾,暗示三位
一体。
②哥特式教堂的代表:法国圣德尼教堂、巴黎圣母院、兰斯主教堂、亚眠主教堂;德国科隆主教堂;英国坎特伯雷主教堂;意大利米兰主
教堂。
(二)掌握
1.巴西利卡教堂的基本特点:
巴西利卡是罗马公共建筑的一种类型,主要用作会堂、法庭或市场,平面呈长方形,由中堂和两个侧廊组成。中堂宽敞,侧廊比较低矮狭
窄。中堂支撑着的墙面上饰有镶嵌画,高处有侧窗采光,屋顶采用木架结构。这种建筑形式后来成为基督教堂摹仿的范本。教会对巴西利卡式
加以改造,在中堂的一端增添向外突出的半圆形龛作为后殿,祭坛等设在它的前方。教堂入口的门厅设在相对的一端。中堂列柱产生稳定的节
奏感,伴随着信徒走向圣坛。这样的空间安排显示了基督教至高无上的尊严。后来中堂与后殿之间又增加了耳堂,于是就形成了十字形平面(
拉丁十字式)。
2.罗马式建筑的特点:
①罗马式建筑的代表:法国克吕尼第三教堂、圣塞尔宁教堂;德国施派尔教堂;意大利米兰圣安布洛齐教堂、佛罗伦萨圣米尼亚托教堂、
比萨主教堂;英国杜汉姆主教堂;
②罗马式建筑的特点:
罗马式教堂有明显的拉丁十字平面。恢复了砖石拱券。外形上最显著的特点是高墙塔楼。教堂的外墙十分简朴,没有装饰,屋顶上建有一
座或多座塔楼。罗马建筑的建筑师发明了"肋",用肋构成屋顶支架,肋间填以轻巧的石料,减轻了顶部的重量。肋拱、把钟塔组合到教堂建
筑中,这是罗马式教堂的两大贡献。
3.罗马式雕刻的主要遗迹及艺术特色:
①主要遗迹:奥顿主教堂门楣上的浮雕《最后的审判》、莫萨克圣彼得堡修道院南门中柱《先知像》、费丹扎教堂高浮雕《大卫像》
②罗马式雕刻的特点:罗马式雕刻各具特色,而总体上具有一种强烈的形式感和表现性。
4.哥特式雕刻的代表作:
沙特尔教堂西门雕刻、兰斯主教堂雕刻、瑙姆堡教堂雕刻、木雕《哀悼基督》、皮萨诺父子的雕刻。
5.哥特式绘画的代表作:
①沙特尔、博韦主教堂的彩色玻璃画;
②乔托的成就及代表作《哀悼基督》;
③杜乔具有舞台空间感的绘画:《基督进入耶路萨冷》;
④具有北方宫廷风格的马尔蒂尼的《圣母领报》。
(三)了解
1.早期基督教美术的主要内容:
①地下墓窟:壁画善良的牧羊人
②巴西利卡式教堂(拉丁十字式):罗马的老圣彼得教堂、罗马的圣萨比那教堂、克莱塞的圣阿波利奈教堂;
③穹顶结构的集中式教堂:罗马的圣科斯坦萨教堂;
④镶嵌画:《善良的牧羊人》、《面包和鱼的奇迹》;
⑤石棺雕刻:巴苏斯石棺浮雕。
2."蛮族"美术的代表性作品:
①萨顿胡钱包盖;
②兽头;
③"爱尔兰—撒克逊"手抄本风格。
3.拜占庭美术的主要成就:
①建筑:圣索菲亚教堂(综合巴西利卡式和集中式两种形制)、圣马可教堂(希腊十字式)。
②镶嵌画:《查士丁尼与随从》、《西奥多拉与随从》、《基督变容》、《上十字架》;
③圣像画:《符拉基米尔圣母》;
④壁画:《基督在地狱边缘》。
⑤雕刻:斗形柱头。
4.加洛林文艺复兴的美术成就:
两幅圣马太像代表的两种手抄本风格。
5.奥托美术的代表性作品:
①木雕《杰罗十字架》;
②青铜浮雕《堕落后的亚当与夏娃》。
6.贝叶挂毯从侧面反映了罗马式绘画的特征。
7.国际哥特式的代表人物:马尔蒂尼是国际哥特式的初创者。林堡兄弟是其代表人物。
第三章 欧洲文艺复兴时期的艺术
(一)重点掌握
1.意大利文艺复兴艺术的分期、各阶段的艺术特色、影响:
①佛罗伦萨早期文艺复兴美术:
在15实际前四分之三左右的岁月中,摆脱着中世纪的规范,借助理性和科学的知识,力图在美术创作上开拓出新局面,使活生生的现象和
场景反映在美术作品中,让它成为一种再现性的美术。
②意大利盛期文艺复兴美术:
以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔我代表的一批美术家,进一步完善了15世纪意大利人的探索,使理性与情感、现实与理想在美术品中获
得了完美统一,使形与空间的关系获得了高度和谐,从而为再现性的美术确立了一种经典样式,给后世提供了效法的最佳范例。
③样式主义美术
拉斐尔去世之后,一批年轻美术家的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和原则,抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求
一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品,往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道,颇具主观与幻想的色彩。这一美术现
象,流行于盛期文艺复兴之后,巴洛克时代之前,史家称之为样式主义美术。
④影响:由意大利确立起来的具有再现性倾向的古典美术的基本原则,一直影响着以后好几个世纪的欧洲美术发展。
欧洲旧石器时代、中石器时代和新石器时代建筑、雕刻、绘画和工艺的总称。
迄今所知,欧洲最早的美术作品出现在旧石器时代晚期的前段,距今约2.5~3万年前,即地球处在玉木冰河期。这种旧石器时代的美术,约在公元前1万年随着冰河期的结束而消失。中石器时代美术的类型有所增加,随着各地区文化发展的不平衡,出现了各自独立发展的美术传统,不同程度地演化为新石器时代的美术。
旧石器时代美术
旧石器时代晚期之前,虽然缺乏人类对于形象的模仿表现的证据,但实用的工具制作和改进,已经显示了许多审美因素。如手斧的几何化造型、对称感,刃口的细小修饰以及刻痕,都不无初级的装饰价值,而且制造工具的过程也为创作艺术作品准备了造型的技巧。
画家鲁本斯是欧洲美术史上()美术风格的代表人物。
【答案】:C C[解析]:彼得.保罗.鲁本斯(PeterPaulRubens,1577—1640年),弗兰德画家,巴洛克画派早期的代表人物。
《写给大家的西方美术史》分享(上)
这是西方美术史上第一张以背叛者姿态出现的自画像,他为西方近代艺术,走向自我解剖,自我揭发,自我救赎,找到了一个新的起点。 他以败德的傲岸之姿,站在历史的巅峰,冲撞着人们习以为常的伦理道德,它颠覆了传统,使生命回到被拆解的状态,只能看到自己的脆弱、淫欲、贪婪、腐烂与绝望的本质,他书写着自己不可救赎的...
为什么说罗马式美术在欧洲中世纪美术史中占有重要地位?
罗马式美术在欧洲中世纪美术史中的意义和地位,我们可以从如下几方面来看:1.罗马式美术产生于欧洲封建社会进入成熟阶段的时期,它从规模上、风格上,体现了欧洲封建社会前阶段的文化成就。就基督教美术的发展而言,有人依照初期——盛期——晚期的公式,把早期基督教艺术作为初期的代表,把哥特式美术作为...
欧洲绘画史的后记
这次我们对全书做了补充和修改,由上海人民美术出版社重新出版。它能顺利付梓,要感谢上海人民美术出版社社长兼总编李新先生的热心支持,感谢王远编辑的辛勤劳动。我们和广大读者一样,总是以新鲜和激动的心情温习艺术史,温习历史上杰出艺术家们的献身精神与创造精神,在温习中不断加深对人生的体悟和对艺术...
外国美术史上重要的流派及相关的代表作品。
于是成立一个画派,史称“拉 54、拉斐尔前派的代表人物及其艺术特色作为一种艺术思潮:拉斐尔前派在欧洲美术史上最先反映出现代工业文明给人带来的精神上的困惑,它所包含的象征主义和唯美主义内涵对欧洲19世纪末期象征主义艺术产生了很大的影响。布朗:拉斐尔前派的前导,最先领会了早期文艺复兴的艺术,并将它们介绍给...
世界著名画家有哪些
在荷兰乃至全欧洲的绘画史上所占的地位,是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。成名作是《蒂尔普医生的解剖课》,最后一幅画是《浪子回家》。据统计,他一生留存下来的作品有油画600幅、蚀刻版画350幅、素描1500 5.让·奥古斯特·多米尼克·安格尔(1780-1867)19世纪法国杰出的古典主义画家,代表作有《...
欧洲近代美术史中的艺术流派多吗
古典主义 巴洛克主义 罗可可艺术 浪漫主义 印象派 现实主义 我觉得这些是比较重要的
欧洲美术史
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外国美术史试题?
3、为什么说17、18世纪的意大利美术在意大利美术史甚至欧洲美术史上具有承前启后、继往开来的作用?. 4、简述荷兰风格派的创作主张和主要艺术成就. 四、论述题20分 试论米开朗基罗的主要作品的思想内含及艺术特点 《外国美术简史》测试题答案 一、填空(每空1分,共20分) 1、 旧石器时代晚期 2、 正面律 3、 ...
世界最有名的画家有哪位?请详细点
7. 毕加索—西班牙人自幼有非凡的艺术才能.他一生中画法和风格几经变化分为这样几个时期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期" 8. 列宾—俄罗斯写实主义绘画大师列宾与法国绘画巨匠莫奈,同为19世纪后期欧洲美术史上,引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部,各领一方风骚,影响力延伸到整个2...
郯裕复方: 西方美术史的时间线可以追溯到公元前3万年的石器时代,这个时期已经出现了简单的绘画和雕塑.而在公元前27年,罗马帝国建立,这一时期的美术作品通常反映历史事件、神话故事和宗教信仰.随着时间的推移,欧洲经历了中世纪、文艺复...
秦城区15184929652: 世界著名画. - ?
郯裕复方: 米开朗基罗,塞尚,梵高,伦勃朗,莫奈,达芬奇,鲁斯本,毕加索,拉斐尔,安格尔1. 达·芬奇—作为文艺复兴时期作卓越的代表人,文艺复兴时期三巨匠之一, 壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的...
秦城区15184929652: 中世纪的画有什么特点? - ?
郯裕复方:[答案] 中世纪美术 一般指5~15世纪之间的西方美术,包括拜占庭美术、 爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、 罗马式美术和哥特式美术.早期基督教美术有时也被归 入中世纪美术.这些丰富多彩的美术构成了欧洲美术发 展过程中的重要环节. ...
秦城区15184929652: 欧洲文艺复兴 - ?
郯裕复方: 文艺复兴最早是由意大利艺术史家瓦萨里提出来的.有人指出,这个提法并不严密,原因是文艺复兴并不是古希腊、罗马艺术的振兴与恢复,也不仅仅局限在文学艺术的范畴之内. 14世纪下半期到16世纪末,是欧洲从封建社会向资...
秦城区15184929652: 西洋美术史依艺术时期的先后顺序? - ?
郯裕复方: 西洋美术史依艺术时期的先后顺序,概分为十一个单元,有史前美术,古代美术, 中世纪美术,文艺复兴,巴洛克与洛可可,新古典主义与浪漫主义,写实主义与 自然主义,印象派,印象派后的新艺术运动,二十世纪的现代艺术,与最近的现 代美术.西洋美术史的发展可能要从希腊美术开始谈起,一开始画家们的艺术目 的是要为宗教服务,为当权者们服务,甚至是为了替社会代言,不过因时代的变 迁,新的主义诞生,使画家们都懂得开始为自己的理想而努力,也因此有更多的 画派诞生了.
秦城区15184929652: 怎么学西方美术史? - ?
郯裕复方: 西方美术史的学习: 一、个人认为主要找一条线学习,你可以以时间为线进行学习, 1.原始美术 2.古代美术 3.中世纪美术 4.文艺复兴时期美术 5.17-20世纪美术 二、以每个时期不同的艺术风格为线等等. 1、原始美术:神话故事,生殖崇拜为主...
秦城区15184929652: 西方美术史 - ?
郯裕复方: 《西方美术史》以知性女学者的清新的语体,深入浅出地论述了欧洲、北美美术史的发展历程,年代跨度从史前到20世纪80年代.此书不仅融入了美学情感,而且还有其独到之处,首先是对爱琴艺术、中世纪艺术、巴洛克艺术予以了较充分的阐...
秦城区15184929652: 欧洲文艺复兴绘画史?
郯裕复方: 19世纪时色彩缤纷的现代派绘画惊骇环球.特别是西欧,从马奈、莫奈、修拉、塞尚、高更、梵高等印象派代表出现后流派日益纷繁,尤其令人瞩目.例如;毕加索的和平鸽及油画《朝鲜的屠杀》、《战争》、《和平》等作品的反对 侵略战争、歌颂和平的内容,在他的创作中具有特殊的意义.第二次世界大战后,西欧还涌现了一批新的绘画流派,如发端于美国、波及全欧的抽象表 现主义、在奥地利形成的幻想现实主义、萌发于英国的波普艺术、产生于法 国的塔希主义、偶发艺术、观念艺术、奥普艺术、人体艺术思潮、地景艺术、 新表现主义等等,总之~现代主义绘画出现了新的发展,后现代主义绘画更是高潮迭起,传统的现实主义绘画也仍有一席之地,出现了多元的新局面.
秦城区15184929652: 欧洲文艺复兴美术有哪些主要成就 - ?
郯裕复方: 文艺复兴 欧洲的文艺复兴也是世界历史发展中的一个重要阶段.一般是指15世纪、16世纪.作为欧洲文艺复兴运动发源地和中心的意大利,则要提前到14世纪.这场运动的时代背景,是欧洲的意大利首先在封建社会内部出现了资本主...