古典音乐

什么是古典音乐?~

　　一、1.海顿
　　G大调第94号交响曲"惊愕"(1791)
　　D大调第104号交响曲"伦敦"(1795)
　　C大调弦乐四重奏《皇帝》
　　神剧《四季》
　　2.莫扎特
　　歌剧：《费加罗的婚礼》 、《唐.璜》 、《魔笛》、《女人心》。
　　交响乐：《 降E调第39号交响曲》〈帝王〉 、《G小调第40号交响曲》 、《C大调第41号交响曲》〈丘比特〉 。
　　协奏曲：《D大调小提琴协奏曲第四号 》 、《降B大调小提琴协奏曲第五号》 、《C大调钢琴协奏曲第21号 》 、《A大调钢琴协奏曲第23号 》
　　3.贝多芬：
　　降E大调第3交响曲《英雄》、C大调第5交响曲《命运》、F大调第6交响曲《田园》、A大调第7交响曲、d小调第9交响曲《合唱》(《欢乐颂》)、序曲《爱格蒙特》、序曲《柯利奥兰》、降E大调第5号钢琴协奏曲《皇帝》、D大调小提琴协奏曲、C大调第9弦乐四重奏《拉祖莫夫斯基》第三号、c 小调第8钢琴奏鸣曲《悲怆》、升c小调第14钢琴奏鸣曲《月光》、F大调第5钢琴奏鸣曲《春天》、F大调第2号浪漫曲。

　　二、
　　乐章是一个由多个内部完整的部分组成的大的经典音乐作品（如交响乐、协奏曲等）中的一个完整的部分。在一部音乐作品中，各个乐章一般按分明不同的速度、风格和节拍而排列。乐章的题目一般说明其速度（如快板、慢板等）、风格（如“热情的快板”等）或形式（如“小步舞曲”等）。

　　三、
　　贝多芬在西方音乐史上是一位集古典主义之大成，开浪漫主义之先河的伟大作曲家，其创作反映了资产阶级上升时期的进步思想。他通过精湛的艺术创作，大大加强了音乐作品的艺术感染力，并把以海顿、莫扎特为代表的古典乐派推向了新的高峰，并开辟了浪漫主义乐派个性解放的道路。

　　四、
　　贝多芬的《c小调交响曲》(作品67号)开始的四个音符，刚劲沉重，仿佛命运敲门的声音。这部作品因此被称作《命运交响曲》。《命运交响曲》作于1805至1808年。贝多芬在1808年11月写给他的朋友韦格勒(1765-1848)的信中，就已经说出：“我要卡住命运的咽喉，它决不能把我完全压倒！”“命运敲门的声音”在1798年所作《c小调钢琴奏鸣曲》(作品10之1)第三乐章中就已经出现过，以后又出现于《D大调弦乐四重奏》(作品18之3)第三乐章、《热情奏鸣曲》(作品57号)第一乐章、第三《列奥诺拉》序曲(作品72号)、《降E大调弦乐四重奏》(作品74号)等一系列作品中。可见，通过斗争战胜命运，是贝多芬一贯的创作思想。《命运交响曲》所表现的如火如荼的斗争热情，具有强大的感染力。西班牙女低音歌唱家马丽勃兰第一次听《命运交响曲》时，吓得心惊肉跳，不得不退席而去。拿破仑一个旧日的卫兵，听了第四乐章开头的主题，禁不住跳起来喊道：“这就是皇上！”柏辽兹把《命运交响曲》中惊心动魄的斗争场景，看作是“奥赛罗听信埃古的谗言，误认黛丝德蒙娜与人私通时的可怕的暴怒。”舒曼认为：“尽管你时常听到这部交响曲，但它对你总是有一股不变的威力——正象自然界的现象虽然时时发生，却总教人感到惊恐一样。”1830年五、六月间，门德尔松在魏玛逗留了两星期，和歌德作最后一次会晤，在钢琴上为他演奏了古今著名的作品。歌德听了《命运交响曲》的第一乐章后大为激动，他说：“这是壮丽宏伟、 惊心动魄的，简直要把房子震坍了。如果许多人一起演奏，还不知道会怎么样呢。”1841年3月，恩格斯听了《命运交响曲》的演出。他在写给妹妹的信中赞美这部作品说：“如果你不知道这奇妙的东西，那么你一生就算什么也没有听见。”他说，他在第一乐章里听到了“那种完全的绝望的悲哀，那种忧伤的痛苦”；在第二乐章里听到了“那种爱情的温柔的忧思”；而第三、第四乐章里“用小号表达出来的强劲有力、年轻的、自由的欢乐”，又是那么鼓舞人心。恩格斯用短短的几句话，揭示了《命运交响曲》的精髓。

　　五、
　　古典主义音乐指的是1730－1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。

　　古典主义音乐承继著巴洛克音乐的发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。这个时代出现了多乐章的交响曲、独奏协奏曲、弦乐四重奏、多乐章奏鸣曲等等体裁。而奏鸣曲式和轮旋曲式成为古典时期和浪漫时期最常见的曲式，影响之深远直至二十世纪。乐团编制比巴洛克时期增大，乐团由指挥带领逐渐变成一种常规。现代钢琴在古典时期出现，逐渐取代了大键琴的地位。

　　同是古典乐派。作品多用奏鸣曲式和轮旋曲式。同样开始在作品中频繁使用钢琴。

　　六、
　　浪漫主义音乐比起之前的维也纳古典乐派的音乐，更注重感情和形象的表现，相对来说看轻形式和结构方面的考虑。浪漫主义音乐往往富于想象力，相当多的浪漫主义音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。浪漫主义的因素，则包含在从古至今的音乐创作当中，而不仅仅局限于某一个时代，因为音乐创作本身，就是想象力的一种表现，而浪漫主义恰恰是想象力的最佳体现。

　　七、
　　弥撒曲，原为天主教、东正教和圣公会的弥撒仪式所用声乐套曲，歌词使用拉丁文，分普通弥撒和特别弥撒两大类，用于葬礼、婚礼、就职、登基等不同的仪式。宗教改革之后， 新教作曲家也创作弥撒曲，但是内容和形式与天主教弥撒曲有所不同。

　　早期，弥撒曲是没有伴奏的清唱曲，文艺复兴之后加上管风琴伴奏，17世纪起有了管弦乐队伴奏。演唱不仅有合唱，还有独唱和重唱。全曲通常包括垂怜经（Kyrie）、荣耀颂（Gloria）、信经（Credo）、圣哉经（Sanctus）、降福经（Benedictus）、羔羊颂（Agnus Dei）等六个乐章。

　　著名的弥撒曲有巴赫的《b小调弥撒曲》、贝多芬的《庄严弥撒曲》、舒伯特的《德语弥撒》、莫扎特的《安魂曲》等。

　　8、
　　【动机】Motive（英）音乐术语。通常指一个曲调或旋律的片段，是音乐结构中最小的单位。它必须包含有一个或一个以上的重（zhong四声）音，两个或两个以上的乐音。动机具有独立的表情意义，是音乐主题的代表，是主题或乐曲发展的胚芽。

　　奏鸣曲（sonata）
　　一种多乐章的器乐套曲。亦称“奏鸣曲套曲”。由3、4个相互形成对比的乐章构成，用1件乐器独奏（如钢琴奏鸣曲）或 1件乐器与钢琴合奏（如小提琴与钢琴合奏的小提琴奏鸣曲，长笛与钢琴合奏的长笛奏鸣曲等）。其中各乐章的基本特点和曲式结构如下：第1乐章为快板，用奏鸣曲式；第2乐章为慢板，用变奏曲式、复三段式或自由的奏鸣曲式；第3乐章为小步舞曲或谐谑曲，用复三段式；第 4乐章为快板或急板，用奏鸣曲式或回旋曲式。

约翰•凯奇（全名John Milton Cage），美国人，著名实验音乐作曲家、作家、视觉艺术家。1912年9月5日出生于洛杉矶。 

  从1950年起，他的名声和影响波及全世界。1961年，他的演讲、论文集以一个意味深长的书名——《无言》出版问世；从此确立了他作为当代一位主要的音乐理论家和美学思考家的地位。作为“机遇”（chance）音乐的代表性人物，他曾深受远东哲学、美学、尤其是佛学禅宗和中国《易经》的影响。 

  早年学习绘画，但并不得志，曾在Pamona大学和UCLA （加州大学洛杉矶分校）学习，但未卒业。后辗转至著名作曲家勋伯格门下学习作曲。凯奇交不起学费，但勋伯格被凯奇欲献身音乐的精神所感动，同意免费为他授课。但凯奇毕竟缺乏一般意义上的专业作曲家所必需的对和声的感觉，两年后勋伯格劝他不要再致力于作曲。40年代，凯奇在北卡罗来纳的黑山学院听到了日本人铃木大拙关于佛教和禅学的讲课，深受其影响，很快成为禅宗的追随者。他开始把禅学思想运用在对作曲的新尝试中，把音乐想象成“无目的的游戏”，认为生活只是生活本身，一切都要顺其自然，而无须刻意从混沌和偶然中寻找出什么秩序，由此成为了“偶然音乐”作曲家的早期代表人物。他可以打破所有传统作曲技法、所有标准乐器及其标准演奏法为“音乐”所做的既成限定，用一系列连他本人都没有预料也根本不可能预料得出来的音响效果作为他的作品，给听众营造意境并昭示哲理。例如在钢琴的弦之间夹上异物来创造新的音色，在乐谱中写明各个演奏员要根据自己当时的感觉来随意打开或关上收音机，请钢琴家在台上泼水等等。毫无疑问，这些做法使得凯奇从成名时直到今天，一直都是备受争议的人。但以他的作品影响之大，也已无愧于被载入20世纪的音乐史。1992年8月12日，凯奇在纽约逝世，享年80岁。 

  约翰•凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”（沉默）。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。 

  约翰•凯奇的其他作品还有《方塔纳混合曲》、《玩具钢琴组曲》、《空洞的话语》等。并出版了《关于无的演讲》、《从星期一开始的一年》等很多专著和谈话录。 

  另外，凯奇也是一个狂热的业余的霉菌学家和蘑菇收集者，并加入了纽约霉菌学会。他还创造了一种叫做Mesostic的诗歌体裁，让大写字母位于句子的正中而不是开头。 

  ----------------------------------- 

  约翰•凯奇（John Cage， 1912－－1992）是 20世纪美国著名的“作曲家、 哲学家和音乐作家”，他在美国现代音乐发展史中，处于一个极为重要的地位，在很长一段时间内，约翰•凯奇在先锋艺术领域里的地位几乎就是一位领袖或先知。 在美国高度自由的艺术氛围里，他穷其毕生精力，以严肃的思考、独特的行为方式去探求音乐的新发展，获得人们的普遍关注与理解。 

  约翰•凯奇出生于一个英国移民家庭，凯奇家族中有好几代人都极具发明创造的天份，在凯奇一生的音乐创作中，这种家族遗传的天份表现得十分显著。他早年师从亨利•考威尔、阿道夫•威斯、勋伯格等三人学习作曲，其中勋伯格对他的影 

  响尤为深远。由于凯奇对西方传统作曲技法的不适应，更主要是与助伯格的作曲思 路和方式的截然不同，他前后历时五年的作曲学习以对师门的全盘背叛而告终。 

  由于对现有音乐材料产生不满足感，凯奇从三十年代末开始首先将探索的突破口放在音色和结构上。他通过打击乐创作，尝试新的音响组合，同时并对音乐的结 构作了一系列探索，节奏结构”理论就是他在这个时期所提出的。所谓“节奏结 

  构”理论就是将音乐结构建立在时间长度之上的简单而有效的组织方法，这种节奏 结构理论成为他后来多年创作的主要技术依据之一。凯奇在这个时期的代表作有； 为打击乐而作的《第一结构（金属）》《第二结构》《第三结构》《风景用爱神》等。这个时期凯奇集音色探索与节奏结构理论之大成的作品是为预制钢琴而写的一系列独奏，这些作品通过对钢琴的琴弦进行加工处理，在弦中间加入一些诸如钉子、 螺丝、铁片、毛毡等物，使钢琴的某些被预制的音接近于打击乐的音色，取得了令人意外的音乐效果，其中最富代表性的作品是《奏鸣曲与前奏曲》。 

  接下来，凯奇开始了他更为激进的前卫探索--摆脱前一时期对音乐要素诸如音 色和结构进行拓宽的思路，而是直接指向改造音乐概念本身。他在四十年代中后期 接触并接受了佛教禅宗思想，这种充满思辩色彩的东方哲学思想在凯奇一生的音乐 创作中起到举足轻重的作用，它是凯奇许多音乐思想和实践的基础，并且是凯奇背 离传统音乐道路的主要精神动力之一。他首次提出了“空的节奏结构”概念，就是 在作曲家划定的时间结构内，任何声音都可以投入到空的时间框架之中。他在著名 的“关于一无所有的演讲”中反复强调掸宗中的“空”、“增懂”的境界：“我无话可说但我正说着因此这正是我所需要的诗意”。 基于这些理论，他构想了一部实验性的作品《4分33秒》，在音乐史上首次将 “silence（无声）”这个概念在音乐舞台上得以实现。凯奇在这部作品中想要做的就是清空节奏结构，让它在一无所有的状态下，坦然地拥抱所有最纯粹的、自然 发生的音，在空的结构框架内所有的声音，包括无声，都可以成为音乐。 

  五十年代初，凯奇开始强调声音的产生是一种偶然的结果，它们之间的联系不 再是作曲家强加给它们的。由此他开始用偶然的方法来作曲，这个时期的许多作品还运用了图表形式来创作，也同样强调了偶然性的 应用，如《变化的音乐》《威廉混合》和系列图表作品“万千事物”等。 

  六十年代，他尝 试着把生活场景原封不动地搬进艺术。从他作曲生涯中的又一个划时代作品《0分00秒》开始，凯奇把创作注意力集中到对行为过程的关注。事实上，《0分00秒》没有 作为一个作曲的对象而存在，它完全不是一个乐音的系列或集合，而是作为一个行 为过程，通过表演者的行为--坐在椅子上打字、喝水等一系列行为来构成整部作品。六十年代凯奇作品的性质已经属于行为艺术的范畴，他在作品中极大限度地将 生活与艺术之间的距离拉近和抹平，在这个阶段，他迈出了离传统的音乐概念最远的一步，他几乎完全取消了原来意义上音乐构成的基本因素——乐音，打破了听音 乐的习惯方式消解了观众的审美距离，最大限度地将音乐予以泛化。 

  六十年代末到九十年代，凯奇的创作风格基本上倾向于对传统音乐因素的靠拢 和回归。从《廉价模仿》开始，他明显表现出了对传统的可参考性的认可 

  凯奇是美国人文背景中产生的音乐家，他的思维和行为方式都带有典型的美国式特点——开拓、创新和向传统挑战。从某种角度说，他开创了一个时代，却彻底的毁灭了音乐。

约翰·凯奇（John Cage， 1912－－1992）是 20世纪美国著名的“作曲家、 哲学家和音乐作家”，他在美国现代音乐发展史中，处于一个极为重要的地位，在很长一段时间内，约翰·凯奇在先锋艺术领域里的地位几乎就是一位领袖或先知。 在美国高度自由的艺术氛围里，他穷其毕生精力，以严肃的思考、独特的行为方式去探求音乐的新发展，获得人们的普遍关注与理解。

 

  约翰·凯奇出生于一个英国移民家庭，凯奇家族中有好几代人都极具发明创造的天份，在凯奇一生的音乐创作中，这种家族遗传的天份表现得十分显著。他早年师从亨利·考威尔、阿道夫·威斯、勋伯格等三人学习作曲，其中勋伯格对他的影  响尤为深远。由于凯奇对西方传统作曲技法的不适应，更主要是与助伯格的作曲思 路和方式的截然不同，他前后历时五年的作曲学习以对师门的全盘背叛而告终。  

  由于对现有音乐材料产生不满足感，凯奇从三十年代末开始首先将探索的突破口放在音色和结构上。他通过打击乐创作，尝试新的音响组合，同时并对音乐的结 构作了一系列探索，节奏结构”理论就是他在这个时期所提出的。所谓“节奏结构”理论就是将音乐结构建立在时间长度之上的简单而有效的组织方法，这种节奏 结构理论成为他后来多年创作的主要技术依据之一。凯奇在这个时期的代表作有； 为打击乐而作的《第一结构（金属）》《第二结构》《第三结构》《风景用爱神》等。这个时期凯奇集音色探索与节奏结构理论之大成的作品是为预制钢琴而写的一系列独奏，这些作品通过对钢琴的琴弦进行加工处理，在弦中间加入一些诸如钉子、 螺丝、铁片、毛毡等物，使钢琴的某些被预制的音接近于打击乐的音色，取得了令人意外的音乐效果，其中最富代表性的作品是《奏鸣曲与前奏曲》。 

    接下来，凯奇开始了他更为激进的前卫探索--摆脱前一时期对音乐要素诸如音 色和结构进行拓宽的思路，而是直接指向改造音乐概念本身。他在四十年代中后期 接触并接受了佛教禅宗思想，这种充满思辩色彩的东方哲学思想在凯奇一生的音乐 创作中起到举足轻重的作用，它是凯奇许多音乐思想和实践的基础，并且是凯奇背 离传统音乐道路的主要精神动力之一。他首次提出了“空的节奏结构”概念，就是 在作曲家划定的时间结构内，任何声音都可以投入到空的时间框架之中。他在著名 的“关于一无所有的演讲”中反复强调掸宗中的“空”、“增懂”的境界：“我无话可说但我正说着因此这正是我所需要的诗意”。 基于这些理论，他构想了一部实验性的作品《4分33秒》，在音乐史上首次将 “silence（无声）”这个概念在音乐舞台上得以实现。凯奇在这部作品中想要做的就是清空节奏结构，让它在一无所有的状态下，坦然地拥抱所有最纯粹的、自然 发生的音，在空的结构框架内所有的声音，包括无声，都可以成为音乐。

    六十年代末到九十年代，凯奇的创作风格基本上倾向于对传统音乐因素的靠拢 和回归。从《廉价模仿》开始，他明显表现出了对传统的可参考性的认可：“有时 候我们模糊了艺术与生活的区别，有时候我们又试图去分清它们。我们不能一条腿站立，得用两条腿站着。”于是他的作品又回到了有乐谱有音高的形式上来。 

  凯奇是美国人文背景中产生的音乐家，他的思维和行为方式都带有典型的美国式特点——开拓、创新和向传统挑战。从某种角度说，他开创了一个时代，却彻底的毁灭了音乐。

   约翰·凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”（沉默）。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。 

  约翰·凯奇的其他作品还有《方塔纳混合曲》、《玩具钢琴组曲》、《空洞的话语》等。并出版了《关于无的演讲》、《从星期一开始的一年》等很多专著和谈话录。 

  另外，凯奇也是一个狂热的业余的霉菌学家和蘑菇收集者，并加入了纽约霉菌学会。他还创造了一种叫做Mesostic的诗歌体裁，让大写字母位于句子的正中而不是开头。

绝对不是古典音乐作家

但也不能纳入新世纪音乐作家的范畴

新世纪音乐，也有译作新纪元音乐的，是一种在上个世纪70年代后期出现的一种音乐形式，原本的用途在于帮助冥思及作心灵的洁净，但后期的创作者不少已不再抱有这种出发点。有一种说法，由于其丰富多彩、富于变换，不同于以前任何一种音乐：它并非单指一个类别，而是一个范畴，一切不同以往，象征时代更替、诠释精神内涵的改良音乐都可归于此内，所以被命名为New Age，即新世纪音乐。其实，正确的原因，在于提倡这种利用音乐心灵洁净的人，源自一个叫作新纪元运动的异端宗教派别。

约翰·凯奇（John Cage， 1912－－1992）

年份就不怎么吻合

他应该是“偶然音乐”作曲家的早期代表人物

说到他，不得不提《4分33秒》

美国音乐家约翰.凯奇是20世纪最具争议的先锋派大师。 他的无声音乐《4分33秒》惊世骇俗~作为行为艺术的先驱，他不断制造音乐的轰动效应。是一位孜孜不倦的音乐试验家，他摒弃了传统的演奏技巧和作曲技法。以“加料钢琴”的先驱者出名，“加料钢琴”就是在传统钢琴的弦上或各弦之间，放上各种不同的物体，从而改变原来的音响和音色。 凯奇研究了机遇音乐、电子音乐的无音乐，这些音乐都缩小或间接地排除了作曲家的作用。他的作品《4分33秒》是最著名的、前所未有的无声乐曲，该曲的休止符长达4分33秒，创最长休止符的世界记录。他用抛硬币算卦的方法作曲，还常把正演唱的歌手平放在键盘上。他以领袖和先知的地位居于先锋艺术的中心达几十年之久，他参禅悟道，从《易经》吸取灵感，曾一度信奉毛泽东思想。权威的《格罗夫音乐与音乐家辞典》给他作曲家/哲学家/音乐家的桂冠，称其为二战之后，冲击力最大，无人能出其右，影响波及舞蹈/绘画/电影电视/印刷制作和诗歌等整个艺术世界。他说，艺术和生活的界限应该被抹平，世界本身就是一件艺术品。音乐是一种从希望到失望到绝望的过程，《4分33秒》就是这样的一个过程。

其他：

约翰·凯奇（全名John Milton Cage），美国人，著名实验音乐作曲家、作家、视觉艺术家。1912年9月5日出生于洛杉矶。 从1950年起，他的名声和影响波及全世界。1961年，他的演讲、论文集以一个意味深长的书名——《无言》出版问世；从此确立了他作为当代一位主要的音乐理论家和美学思考家的地位。作为“机遇”（chance）音乐的代表性人物，他曾深受远东哲学、美学、尤其是佛学禅宗和中国《易经》的影响。 早年学习绘画，但并不得志，曾在Pamona大学和UCLA （加州大学洛杉矶分校）学习，但未卒业。后辗转至著名作曲家勋伯格门下学习作曲。凯奇交不起学费，但勋伯格被凯奇欲献身音乐的精神所感动，同意免费为他授课。但凯奇毕竟缺乏一般意义上的专业作曲家所必需的对和声的感觉，两年后勋伯格劝他不要再致力于作曲。40年代，凯奇在北卡罗来纳的黑山学院听到了日本人铃木大拙关于佛教和禅学的讲课，深受其影响，很快成为禅宗的追随者。他开始把禅学思想运用在对作曲的新尝试中，把音乐想象成“无目的的游戏”，认为生活只是生活本身，一切都要顺其自然，而无须刻意从混沌和偶然中寻找出什么秩序，由此成为了“偶然音乐”作曲家的早期代表人物。他可以打破所有传统作曲技法、所有标准乐器及其标准演奏法为“音乐”所做的既成限定，用一系列连他本人都没有预料也根本不可能预料得出来的音响效果作为他的作品，给听众营造意境并昭示哲理。例如在钢琴的弦之间夹上异物来创造新的音色，在乐谱中写明各个演奏员要根据自己当时的感觉来随意打开或关上收音机，请钢琴家在台上泼水等等。毫无疑问，这些做法使得凯奇从成名时直到今天，一直都是备受争议的人。但以他的作品影响之大，也已无愧于被载入20世纪的音乐史。1992年8月12日，凯奇在纽约逝世，享年80岁。 约翰·凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”（沉默）。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。 约翰·凯奇的其他作品还有《方塔纳混合曲》、《玩具钢琴组曲》、《空洞的话语》等。并出版了《关于无的演讲》、《从星期一开始的一年》等很多专著和谈话录。 另外，凯奇也是一个狂热的业余的霉菌学家和蘑菇收集者，并加入了纽约霉菌学会。他还创造了一种叫做Mesostic的诗歌体裁，让大写字母位于句子的正中而不是开头。 ----------------------------------- 约翰·凯奇（John Cage， 1912－－1992）是 20世纪美国著名的“作曲家、 哲学家和音乐作家”，他在美国现代音乐发展史中，处于一个极为重要的地位，在很长一段时间内，约翰·凯奇在先锋艺术领域里的地位几乎就是一位领袖或先知。 在美国高度自由的艺术氛围里，他穷其毕生精力，以严肃的思考、独特的行为方式去探求音乐的新发展，获得人们的普遍关注与理解。 约翰·凯奇出生于一个英国移民家庭，凯奇家族中有好几代人都极具发明创造的天份，在凯奇一生的音乐创作中，这种家族遗传的天份表现得十分显著。他早年师从亨利·考威尔、阿道夫·威斯、勋伯格等三人学习作曲，其中勋伯格对他的影 响尤为深远。由于凯奇对西方传统作曲技法的不适应，更主要是与助伯格的作曲思 路和方式的截然不同，他前后历时五年的作曲学习以对师门的全盘背叛而告终。 由于对现有音乐材料产生不满足感，凯奇从三十年代末开始首先将探索的突破口放在音色和结构上。他通过打击乐创作，尝试新的音响组合，同时并对音乐的结 构作了一系列探索，节奏结构”理论就是他在这个时期所提出的。所谓“节奏结 构”理论就是将音乐结构建立在时间长度之上的简单而有效的组织方法，这种节奏 结构理论成为他后来多年创作的主要技术依据之一。凯奇在这个时期的代表作有； 为打击乐而作的《第一结构（金属）》《第二结构》《第三结构》《风景用爱神》等。这个时期凯奇集音色探索与节奏结构理论之大成的作品是为预制钢琴而写的一系列独奏，这些作品通过对钢琴的琴弦进行加工处理，在弦中间加入一些诸如钉子、 螺丝、铁片、毛毡等物，使钢琴的某些被预制的音接近于打击乐的音色，取得了令人意外的音乐效果，其中最富代表性的作品是《奏鸣曲与前奏曲》。 接下来，凯奇开始了他更为激进的前卫探索--摆脱前一时期对音乐要素诸如音 色和结构进行拓宽的思路，而是直接指向改造音乐概念本身。他在四十年代中后期 接触并接受了佛教禅宗思想，这种充满思辩色彩的东方哲学思想在凯奇一生的音乐 创作中起到举足轻重的作用，它是凯奇许多音乐思想和实践的基础，并且是凯奇背 离传统音乐道路的主要精神动力之一。他首次提出了“空的节奏结构”概念，就是 在作曲家划定的时间结构内，任何声音都可以投入到空的时间框架之中。他在著名 的“关于一无所有的演讲”中反复强调掸宗中的“空”、“增懂”的境界：“我无话可说但我正说着因此这正是我所需要的诗意”。 基于这些理论，他构想了一部实验性的作品《4分33秒》，在音乐史上首次将 “silence（无声）”这个概念在音乐舞台上得以实现。凯奇在这部作品中想要做的就是清空节奏结构，让它在一无所有的状态下，坦然地拥抱所有最纯粹的、自然 发生的音，在空的结构框架内所有的声音，包括无声，都可以成为音乐。 五十年代初，凯奇开始强调声音的产生是一种偶然的结果，它们之间的联系不 再是作曲家强加给它们的。由此他开始用偶然的方法来作曲，这个时期的许多作品还运用了图表形式来创作，也同样强调了偶然性的 应用，如《变化的音乐》《威廉混合》和系列图表作品“万千事物”等。 六十年代，他尝 试着把生活场景原封不动地搬进艺术。从他作曲生涯中的又一个划时代作品《0分00秒》开始，凯奇把创作注意力集中到对行为过程的关注。事实上，《0分00秒》没有 作为一个作曲的对象而存在，它完全不是一个乐音的系列或集合，而是作为一个行 为过程，通过表演者的行为--坐在椅子上打字、喝水等一系列行为来构成整部作品。六十年代凯奇作品的性质已经属于行为艺术的范畴，他在作品中极大限度地将 生活与艺术之间的距离拉近和抹平，在这个阶段，他迈出了离传统的音乐概念最远的一步，他几乎完全取消了原来意义上音乐构成的基本因素——乐音，打破了听音 乐的习惯方式消解了观众的审美距离，最大限度地将音乐予以泛化。 六十年代末到九十年代，凯奇的创作风格基本上倾向于对传统音乐因素的靠拢 和回归。从《廉价模仿》开始，他明显表现出了对传统的可参考性的认可：“有时 候我们模糊了艺术与生活的区别，有时候我们又试图去分清它们。我们不能一条腿站立，得用两条腿站着。”于是他的作品又回到了有乐谱有音高的形式上来。 凯奇是美国人文背景中产生的音乐家，他的思维和行为方式都带有典型的美国式特点——开拓、创新和向传统挑战。从某种角度说，他开创了一个时代，却彻底的毁灭了音乐。

约翰·凯奇（全名John Milton Cage），美国人，著名实验音乐作曲家、作家、视觉艺术家。1912年9月5日出生于洛杉矶。

从1950年起，他的名声和影响波及全世界。1961年，他的演讲、论文集以一个意味深长的书名——《无言》出版问世；从此确立了他作为当代一位主要的音乐理论家和美学思考家的地位。作为“机遇”（chance）音乐的代表性人物，他曾深受远东哲学、美学、尤其是佛学禅宗和中国《易经》的影响。 早年学习绘画，但并不得志，曾在Pamona大学和UCLA （加州大学洛杉矶分校）学习，但未卒业。后辗转至著名作曲家勋伯格门下学习作曲。凯奇交不起学费，但勋伯格被凯奇欲献身音乐的精神所感动，同意免费为他授课。但凯奇毕竟缺乏一般意义上的专业作曲家所必需的对和声的感觉，两年后勋伯格劝他不要再致力于作曲。40年代，凯奇在北卡罗来纳的黑山学院听到了日本人铃木大拙关于佛教和禅学的讲课，深受其影响，很快成为禅宗的追随者。他开始把禅学思想运用在对作曲的新尝试中，把音乐想象成“无目的的游戏”，认为生活只是生活本身，一切都要顺其自然，而无须刻意从混沌和偶然中寻找出什么秩序，由此成为了“偶然音乐”作曲家的早期代表人物。他可以打破所有传统作曲技法、所有标准乐器及其标准演奏法为“音乐”所做的既成限定，用一系列连他本人都没有预料也根本不可能预料得出来的音响效果作为他的作品，给听众营造意境并昭示哲理。例如在钢琴的弦之间夹上异物来创造新的音色，在乐谱中写明各个演奏员要根据自己当时的感觉来随意打开或关上收音机，请钢琴家在台上泼水等等。毫无疑问，这些做法使得凯奇从成名时直到今天，一直都是备受争议的人。但以他的作品影响之大，也已无愧于被载入20世纪的音乐史。1992年8月12日，凯奇在纽约逝世，享年80岁。 约翰·凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”（沉默）。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。 约翰·凯奇的其他作品还有《方塔纳混合曲》、《玩具钢琴组曲》、《空洞的话语》等。并出版了《关于无的演讲》、《从星期一开始的一年》等很多专著和谈话录。 另外，凯奇也是一个狂热的业余的霉菌学家和蘑菇收集者，并加入了纽约霉菌学会。他还创造了一种叫做Mesostic的诗歌体裁，让大写字母位于句子的正中而不是开头。 ----------------------------------- 约翰·凯奇（John Cage， 1912－－1992）是 20世纪美国著名的“作曲家、 哲学家和音乐作家”，他在美国现代音乐发展史中，处于一个极为重要的地位，在很长一段时间内，约翰·凯奇在先锋艺术领域里的地位几乎就是一位领袖或先知。 在美国高度自由的艺术氛围里，他穷其毕生精力，以严肃的思考、独特的行为方式去探求音乐的新发展，获得人们的普遍关注与理解。 约翰·凯奇出生于一个英国移民家庭，凯奇家族中有好几代人都极具发明创造的天份，在凯奇一生的音乐创作中，这种家族遗传的天份表现得十分显著。他早年师从亨利·考威尔、阿道夫·威斯、勋伯格等三人学习作曲，其中勋伯格对他的影 响尤为深远。由于凯奇对西方传统作曲技法的不适应，更主要是与助伯格的作曲思 路和方式的截然不同，他前后历时五年的作曲学习以对师门的全盘背叛而告终。 由于对现有音乐材料产生不满足感，凯奇从三十年代末开始首先将探索的突破口放在音色和结构上。他通过打击乐创作，尝试新的音响组合，同时并对音乐的结 构作了一系列探索，节奏结构”理论就是他在这个时期所提出的。所谓“节奏结 构”理论就是将音乐结构建立在时间长度之上的简单而有效的组织方法，这种节奏 结构理论成为他后来多年创作的主要技术依据之一。凯奇在这个时期的代表作有； 为打击乐而作的《第一结构（金属）》《第二结构》《第三结构》《风景用爱神》等。这个时期凯奇集音色探索与节奏结构理论之大成的作品是为预制钢琴而写的一系列独奏，这些作品通过对钢琴的琴弦进行加工处理，在弦中间加入一些诸如钉子、 螺丝、铁片、毛毡等物，使钢琴的某些被预制的音接近于打击乐的音色，取得了令人意外的音乐效果，其中最富代表性的作品是《奏鸣曲与前奏曲》。 接下来，凯奇开始了他更为激进的前卫探索--摆脱前一时期对音乐要素诸如音 色和结构进行拓宽的思路，而是直接指向改造音乐概念本身。他在四十年代中后期 接触并接受了佛教禅宗思想，这种充满思辩色彩的东方哲学思想在凯奇一生的音乐 创作中起到举足轻重的作用，它是凯奇许多音乐思想和实践的基础，并且是凯奇背 离传统音乐道路的主要精神动力之一。他首次提出了“空的节奏结构”概念，就是 在作曲家划定的时间结构内，任何声音都可以投入到空的时间框架之中。他在著名 的“关于一无所有的演讲”中反复强调掸宗中的“空”、“增懂”的境界：“我无话可说但我正说着因此这正是我所需要的诗意”。 基于这些理论，他构想了一部实验性的作品《4分33秒》，在音乐史上首次将 “silence（无声）”这个概念在音乐舞台上得以实现。凯奇在这部作品中想要做的就是清空节奏结构，让它在一无所有的状态下，坦然地拥抱所有最纯粹的、自然 发生的音，在空的结构框架内所有的声音，包括无声，都可以成为音乐。 五十年代初，凯奇开始强调声音的产生是一种偶然的结果，它们之间的联系不 再是作曲家强加给它们的。由此他开始用偶然的方法来作曲，这个时期的许多作品还运用了图表形式来创作，也同样强调了偶然性的 应用，如《变化的音乐》《威廉混合》和系列图表作品“万千事物”等。 六十年代，他尝 试着把生活场景原封不动地搬进艺术。从他作曲生涯中的又一个划时代作品《0分00秒》开始，凯奇把创作注意力集中到对行为过程的关注。事实上，《0分00秒》没有 作为一个作曲的对象而存在，它完全不是一个乐音的系列或集合，而是作为一个行 为过程，通过表演者的行为--坐在椅子上打字、喝水等一系列行为来构成整部作品。六十年代凯奇作品的性质已经属于行为艺术的范畴，他在作品中极大限度地将 生活与艺术之间的距离拉近和抹平，在这个阶段，他迈出了离传统的音乐概念最远的一步，他几乎完全取消了原来意义上音乐构成的基本因素——乐音，打破了听音 乐的习惯方式消解了观众的审美距离，最大限度地将音乐予以泛化。 六十年代末到九十年代，凯奇的创作风格基本上倾向于对传统音乐因素的靠拢 和回归。从《廉价模仿》开始，他明显表现出了对传统的可参考性的认可：“有时 候我们模糊了艺术与生活的区别，有时候我们又试图去分清它们。我们不能一条腿站立，得用两条腿站着。”于是他的作品又回到了有乐谱有音高的形式上来。 凯奇是美国人文背景中产生的音乐家，他的思维和行为方式都带有典型的美国式特点——开拓、创新和向传统挑战。从某种角度说，他开创了一个时代，却彻底的毁灭了音乐。

【约翰·凯奇(1912年——1992年),二十世纪现代音乐流派的重要代表人物之一,是“偶然”音乐的创始者,对二次世界大战以后的音乐产生过巨大的影响。 1912年9月12日,凯奇出生于美国洛杉矶，早年喜欢的是民间音乐和现代音乐，1935年随现代派大师勋伯格学习作曲，勋伯格评价他：与其说是作曲家，不如说是发明家。凯奇早先的发明源于他对非西方音乐与打击乐的兴趣，他在钢琴之中放入钉子、橡皮之类材料，让其发出各种不同的声音，创作了他的第一首预置钢琴作品《饮酒歌》（1938年）；他50年代的作品多以偶然音乐方法写成，这与他在哥伦比亚大学学习东方哲学与禅学有关，同时他的音响发明仍然继续，他的《水的音乐》（1952年）是让钢琴家在台上倒水，在水中玩扑克等等。凯奇最大的发明是作品《4’33”》（1952年）和《0’00”》（1962年），前者是钢琴家在台上打开钢琴，静坐1’40”、2’23”与0’30”三个时间段，美其名曰三个乐章；后者是凯奇自己在台上切菜、搅拌等系列动作产生音响扩大放出，成为一种生活“音乐”。 凯奇生前曾携带作品四处巡演，所到之处观众哗然，同时也有不少年轻的追随者。1964年伯恩斯坦指挥纽约交响乐团演出他的《黄道天体图》，音乐会中途观众大部分退场，结束时全体演奏员向作曲家喝倒彩。凯奇的创作得到德国斯托克豪森、意大利贝里奥等现代派作曲家的支持，在美国国内，有布朗、沃尔夫等一批人的支持。作为二战后美国先锋音乐的代表人物，他的影响延续至今。就近而论，中国作曲家谭盾许多作品也深受其影响。】

1935年随现代派大师勋伯格学习作曲
1935年随现代派大师勋伯格学习作曲
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1935年随现代派大师勋伯格学习作曲
1935年随现代派大师勋伯格学习作曲

你可以考虑考虑 他到底是哪个流派的

约翰•凯奇（全名John Milton Cage），美国人，著名实验音乐作曲家、作家、视觉艺术家。1912年9月5日出生于洛杉矶。
从1950年起，他的名声和影响波及全世界。1961年，他的演讲、论文集以一个意味深长的书名——《无言》出版问世；从此确立了他作为当代一位主要的音乐理论家和美学思考家的地位。作为“机遇”（chance）音乐的代表性人物，他曾深受远东哲学、美学、尤其是佛学禅宗和中国《易经》的影响。
早年学习绘画，但并不得志，曾在Pamona大学和UCLA （加州大学洛杉矶分校）学习，但未卒业。后辗转至著名作曲家勋伯格门下学习作曲。凯奇交不起学费，但勋伯格被凯奇欲献身音乐的精神所感动，同意免费为他授课。但凯奇毕竟缺乏一般意义上的专业作曲家所必需的对和声的感觉，两年后勋伯格劝他不要再致力于作曲。40年代，凯奇在北卡罗来纳的黑山学院听到了日本人铃木大拙关于佛教和禅学的讲课，深受其影响，很快成为禅宗的追随者。他开始把禅学思想运用在对作曲的新尝试中，把音乐想象成“无目的的游戏”，认为生活只是生活本身，一切都要顺其自然，而无须刻意从混沌和偶然中寻找出什么秩序，由此成为了“偶然音乐”作曲家的早期代表人物。他可以打破所有传统作曲技法、所有标准乐器及其标准演奏法为“音乐”所做的既成限定，用一系列连他本人都没有预料也根本不可能预料得出来的音响效果作为他的作品，给听众营造意境并昭示哲理。例如在钢琴的弦之间夹上异物来创造新的音色，在乐谱中写明各个演奏员要根据自己当时的感觉来随意打开或关上收音机，请钢琴家在台上泼水等等。毫无疑问，这些做法使得凯奇从成名时直到今天，一直都是备受争议的人。但以他的作品影响之大，也已无愧于被载入20世纪的音乐史。1992年8月12日，凯奇在纽约逝世，享年80岁。
约翰•凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”（沉默）。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。
约翰•凯奇的其他作品还有《方塔纳混合曲》、《玩具钢琴组曲》、《空洞的话语》等。并出版了《关于无的演讲》、《从星期一开始的一年》等很多专著和谈话录。
另外，凯奇也是一个狂热的业余的霉菌学家和蘑菇收集者，并加入了纽约霉菌学会。他还创造了一种叫做Mesostic的诗歌体裁，让大写字母位于句子的正中而不是开头。
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约翰•凯奇（John Cage， 1912－－1992）是 20世纪美国著名的“作曲家、 哲学家和音乐作家”，他在美国现代音乐发展史中，处于一个极为重要的地位，在很长一段时间内，约翰•凯奇在先锋艺术领域里的地位几乎就是一位领袖或先知。 在美国高度自由的艺术氛围里，他穷其毕生精力，以严肃的思考、独特的行为方式去探求音乐的新发展，获得人们的普遍关注与理解。
约翰•凯奇出生于一个英国移民家庭，凯奇家族中有好几代人都极具发明创造的天份，在凯奇一生的音乐创作中，这种家族遗传的天份表现得十分显著。他早年师从亨利•考威尔、阿道夫•威斯、勋伯格等三人学习作曲，其中勋伯格对他的影
响尤为深远。由于凯奇对西方传统作曲技法的不适应，更主要是与助伯格的作曲思 路和方式的截然不同，他前后历时五年的作曲学习以对师门的全盘背叛而告终。
由于对现有音乐材料产生不满足感，凯奇从三十年代末开始首先将探索的突破口放在音色和结构上。他通过打击乐创作，尝试新的音响组合，同时并对音乐的结 构作了一系列探索，节奏结构”理论就是他在这个时期所提出的。所谓“节奏结
构”理论就是将音乐结构建立在时间长度之上的简单而有效的组织方法，这种节奏 结构理论成为他后来多年创作的主要技术依据之一。凯奇在这个时期的代表作有； 为打击乐而作的《第一结构（金属）》《第二结构》《第三结构》《风景用爱神》等。这个时期凯奇集音色探索与节奏结构理论之大成的作品是为预制钢琴而写的一系列独奏，这些作品通过对钢琴的琴弦进行加工处理，在弦中间加入一些诸如钉子、 螺丝、铁片、毛毡等物，使钢琴的某些被预制的音接近于打击乐的音色，取得了令人意外的音乐效果，其中最富代表性的作品是《奏鸣曲与前奏曲》。
接下来，凯奇开始了他更为激进的前卫探索--摆脱前一时期对音乐要素诸如音 色和结构进行拓宽的思路，而是直接指向改造音乐概念本身。他在四十年代中后期 接触并接受了佛教禅宗思想，这种充满思辩色彩的东方哲学思想在凯奇一生的音乐 创作中起到举足轻重的作用，它是凯奇许多音乐思想和实践的基础，并且是凯奇背 离传统音乐道路的主要精神动力之一。他首次提出了“空的节奏结构”概念，就是 在作曲家划定的时间结构内，任何声音都可以投入到空的时间框架之中。他在著名 的“关于一无所有的演讲”中反复强调掸宗中的“空”、“增懂”的境界：“我无话可说但我正说着因此这正是我所需要的诗意”。 基于这些理论，他构想了一部实验性的作品《4分33秒》，在音乐史上首次将 “silence（无声）”这个概念在音乐舞台上得以实现。凯奇在这部作品中想要做的就是清空节奏结构，让它在一无所有的状态下，坦然地拥抱所有最纯粹的、自然 发生的音，在空的结构框架内所有的声音，包括无声，都可以成为音乐。
五十年代初，凯奇开始强调声音的产生是一种偶然的结果，它们之间的联系不 再是作曲家强加给它们的。由此他开始用偶然的方法来作曲，这个时期的许多作品还运用了图表形式来创作，也同样强调了偶然性的 应用，如《变化的音乐》《威廉混合》和系列图表作品“万千事物”等。
六十年代，他尝 试着把生活场景原封不动地搬进艺术。从他作曲生涯中的又一个划时代作品《0分00秒》开始，凯奇把创作注意力集中到对行为过程的关注。事实上，《0分00秒》没有 作为一个作曲的对象而存在，它完全不是一个乐音的系列或集合，而是作为一个行 为过程，通过表演者的行为--坐在椅子上打字、喝水等一系列行为来构成整部作品。六十年代凯奇作品的性质已经属于行为艺术的范畴，他在作品中极大限度地将 生活与艺术之间的距离拉近和抹平，在这个阶段，他迈出了离传统的音乐概念最远的一步，他几乎完全取消了原来意义上音乐构成的基本因素——乐音，打破了听音 乐的习惯方式消解了观众的审美距离，最大限度地将音乐予以泛化。
六十年代末到九十年代，凯奇的创作风格基本上倾向于对传统音乐因素的靠拢 和回归。从《廉价模仿》开始，他明显表现出了对传统的可参考性的认可：“有时 候我们模糊了艺术与生活的区别，有时候我们又试图去分清它们。我们不能一条腿站立，得用两条腿站着。”于是他的作品又回到了有乐谱有音高的形式上来。
凯奇是美国人文背景中产生的音乐家，他的思维和行为方式都带有典型的美国式特点——开拓、创新和向传统挑战。从某种角度说，他开创了一个时代，却彻底的毁灭了音乐。

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茂名市13874026935： 古典音乐 - 搜狗百科？
乾郝益母：[答案] 网上有关什么是古典音乐的解释非常多,个人觉得下面这个更为贴切一些:古典音乐是指那些从巴洛克时期(1600-1750)开始一直到20世纪早期,在欧洲文化传统背景下创作的音乐,它有别于通俗音乐和民族音乐,具有永恒的意义.大...

茂名市13874026935： 什么是古典音乐 - ？
乾郝益母： 在国外,这种音乐类型被称之为“classical music”,“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意,所以我们国人将之称为“古典音乐”,确切地说应该是“西洋古典音乐”.首先从概念上解释,“古典音乐”是一种音乐类别的名称...

茂名市13874026935： 什么叫古典音乐? - ？
乾郝益母： CLASSICAL MUSIC,中文翻译成“古典音乐”.有人认为＂古典＂给人的感觉有古董、古板的味道,故改称“经典音乐”.也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义,in traditional and serious style,而称其为“严肃音乐”.于是,“古典音乐...

茂名市13874026935： 什么是古典音乐？
乾郝益母： CLASSICAL MUSIC,中文翻译成“古典音乐”.古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻,能发人深思,更能使人高尚,免于低俗.古典音乐是历经岁月考验,久盛不衰,为众人喜爱的音乐.古典音乐是一个独立的流派,艺术手法讲求洗练,追求理性地表达情感.

茂名市13874026935： 什么是古典音乐??？
乾郝益母： 古典音乐有广义、狭义之分.广义是指西洋古典音乐,那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐,主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐.狭义指古典主义音乐,是1750-1820年这一段时间的欧洲主流音乐,又称维也纳古典乐派.此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬.

茂名市13874026935： 何为古典音乐?？
乾郝益母： 1广义的古典音乐是指西洋古典音乐,那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐,主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐.2狭义的古典音乐是指古典主义音乐,是1750-1820...

茂名市13874026935： 什么是古典音乐？
乾郝益母： 古典音乐有广义、狭义之分.广义是指西洋古典音乐,那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐,主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐.狭义指古典主义音乐,是1750-1820...

茂名市13874026935： 什么是古典音乐?你喜欢吗?为什么? - ？
乾郝益母： 古典音乐就是指从古时候流传下来的音乐,比如二胡,古筝,琵琶之类的,我个人觉得除了中国的古典音乐,外国的轻音乐也不错,都很好听,有的音乐会给人很温暖,让人平静下来的感觉,很有韵味

茂名市13874026935： 有哪些著名的古典音乐 - ？
乾郝益母： 《爱的协奏曲》 《安妮的仙境》 《秋日的私语》 《水边的阿迪丽娜》 《神秘花园》 《星空》 《梦中的婚礼》 《人间四月天》 《卡农帕海贝尔》