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色彩是视觉艺术中最感情化的因素，具有在瞬间唤醒视觉注意和感情共鸣的效果。同时，色彩又是文化隐喻丰富的视觉因素，在人类生存的实践过程中积淀了丰富内涵。不同地区民族的文化传统习俗和情感传达方式都与色彩有密切的关系。在古希腊艺术中对形的重视显然超过对色彩的重视，这与古希腊哲学重视通过“数”来理解世界的观念不无关系。“美就是数与数之间和谐的关系。”因此，人们总结全众多的有关形体比例美的规律，比如黄金分割比，三停五眼等等。“形直接与构成世界本质的数相连。而色只是外表变化的影子。”[1]对关心如何才能塑造出彰显事物本质的典型形象的希腊艺术家来说，过多的色彩显然不利于“本质”的清晰化。因此古希腊时期的绘画色彩以自然物质的原色为主。如古希腊的建筑，雕塑多是以石材本身的天然色为主；瓶画则主要有黑绘式和红绘式两种较简单的色彩样式。从公元四世纪开始，随着基督教在欧洲的兴盛，象征主义和神秘主义带来了色彩的勃兴，基督教把色彩作为神迹的象征。教堂丰富的马赛克壁画把人带入了虚幻的色彩世界。最灿烂、最吸引人注意力的是墙上由各种鲜艳的彩色玻璃拼成的大玻璃窗，铸铁的深色与光亮的红、蓝、绿、紫、白等组成了美妙的五色缤纷的光色交响曲。中世纪彩色玻璃窗艺术巧妙的利用光的效果，将色彩的表现力推向了一个顶峰，色彩的象征性内涵在精神生活中得到了极大的发展。文艺复兴时期，色彩渐渐摆脱中世纪的概念化的象征功能，而服务于对空间透视效果的在现。油画的出现使色彩更具感染力，但它与形相比，仍属于次要的地位。“哪一种更重要：是使形象具有丰富的色彩重要还是具有明显的浮雕效果更重要——惟有绘画被观众视为奇迹，因为它使原来没有浮雕的物体呈现浮雕感，使壁上的东西似乎凸出壁外。色彩只能显扬它的制造商，它除了美观之外平平无奇，”[2]。显然达•芬奇在这里对色彩并不太赏识。佛罗伦萨画家的作画方法是重视素描和透视法，只有两者达到完美无缺之后才进行润色，因而他们的色彩变化层次较简单，而威尼斯画家则不同，画家对色彩和光线高度敏感把“形”与色同时融合在一笔中绘上画面，油彩通过笔触间的衔接变化而赋予了画面特有的运动感和光感。有人认为前者通过理性的把握，塑造了丰满结实的典型形象，而后者则是感性地把握了光和色的流动效果，营造了充满色彩和谐的画面。文艺复兴后的三百年间象征性的色彩被弱化了，人物与其生活的环境的质感与光感被强化，这一点与当时的人本主义思想相一致的，绘画的写实性得以强化。到了印象主义时期，由于科学的发展，尤其牛顿对色彩规律的发现，启示着画家：在平淡无奇的日光中竟然蕴涵着如此丰富的色彩内涵，画家们开始热衷于对色彩成份的科学分析。此时西方现代主义思想暗潮涌动，在黑格尔的绝对精神的指引下，艺术家们认为“只有心灵才是真实的，只有心灵才涵盖一切”，心灵的真实被放大到极至，由此也打开西方现代绘画之门。在后印象派时期，凡高画面色彩呈现出激动人心的节奏，蒙克画面色彩表现出神秘梦幻般的深奥，色彩成为画家有力的表现手段。凡高和蒙克等后印象主义的艺术家成为主观精神表现的先驱！其作品为后来表现主义者等现代画派的创作提供了经验。早期表现主义艺术家为了表现主题而在画面上挥洒鲜艳的色彩，这些色彩的物质性、力度和生动性，使整个画面呈现沸腾、激动人心的效果。色彩突破了传统作画形式，成为年轻人对传统、对学院派的反叛的象征。但这种强烈的色彩视觉效果超过了精神上的感染力，使色彩丰富的精神内涵无法充分表现，因此一部分表现主义画家开始把画面形式和所要表达的精神性统一起来。结果色彩在人心理、精神方面产生的影响越来越强于色彩的视觉效果，色彩具有了更为丰富的精神内涵。在作品中，他们根本就不是对自然的真实描绘，色彩越来越趋于独立，颜料的浓度不再重要，艺术家们不再依赖于色彩的物质特性来获取表现力，而强调色彩在心理上的表达能力。事物的形态较以前随意，但仍然能辩认出。人们不再感兴趣于所观察到的事物的外观。而感兴趣于它们的内在实质，事物与外界的光相脱离而存在，没有阴影和折射。表现主义者找到了直接表达心情和感受的途径。由此，西方色彩的运用由传统写实完成向现代主义的主观表现过渡。
中国的绘画在用色的观念上很大程度受到其“天人合一”的宇宙观的影响。中国画家认为“玄之又玄，众妙之门”，黑色乃是一切颜色之母。老子认为“色可乱心”，“五色令人目盲”，变幻不定的众多色彩是无常的表面现象，使人沉迷而妨碍对本体——“道”的认识。因此，中国画家一般对五彩缤纷的颜色是敬而远之的。以墨为主，墨虽然也分五色，但它毕竟是在同一种颜色里的变化，和西方通过五彩缤纷的色彩来塑造形象不同，其画面的冲击力度自然要差些，但中国画有自身理念和技法，有自已独特的审美价值和内涵。尽管在视觉冲击力上不如西方，但其自身的优势并不在这上面，中国画追求的是一种虚静之美，通过这种虚静之美而展示自己的精神境界。西方绘画历来重视光对色彩的影响，自从印象派将外光引进绘画之后，光在绘画中就扮演了重要的角色，在雷诺阿的作品中，物体在光的照射下，发出迷人的光芒，使我们的灵魂也融入了一片光的幻境之中。李可染将光引入了中国绘画中，他借鉴西方绘画中素描上的逆光效果，表现山的前后空间关系。这一开创性的突破为以后中国绘画的发展拓宽了道路。自嘲是“好色之徒”的林风眠常借浓重的色彩来表现艳丽的题材。彩色落在生宣纸上，立刻溶化，淡化，故一般传统水墨设色多为浅降，而林风眠则追求浓郁，经常采用水粉厚抹，色中掺墨，墨底上压色或同时在背面加托重色，竭力使鲜艳华丽之色彩渗透入流动性极强的生宣纸上而保持厚实感。“其色汲取印象派之后色彩的冷暖转折规律，同时结合中国民间大红大绿的直观效果，融丰富与天真浪漫，严格推敲于信手涂抹，”[3]。林风眠融合中西开创性的实践，对中国画未来的发展具有重要的意义。尽管中西画家对“色”的理解和运用是不同的，但都是通过主观性用“色”来传达画家的精神，这一方面却是相同的。

在现代美术教学中，素描作为造型艺术的基础，越来越受到人们的重视。要让学生在较短时间内学好素描，一是教师自身应具备良好的专业技能，二是应有科学的教学方法，使技法和理论有机地融合在一起。
一、素描教学是基础教学，应以培养学生掌握好基础知识和技能为目的。
不管什么风格的基础素描，它的基本要求是一致的，只是对素描造型诸要素各有不同的侧重而已。我认为在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据，在教师的指导下，让学生根据对物象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。学生的主观感受应依据客现物象并受制于客观物象，所谓"艺术地表现"是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。
素描教学训练要以培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力为目的，即要达到基础训练所必须具备的各项要求，
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掌握好基础知识和技能。同时，又应指导学生以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受。
我不主张在素描基础练习上，采用变形的手法，在打基础的阶段，"变形"容易养成主观随意的习惯。但并不因此反对有些素描对物象的结构进行一定程度的强调乃至合理的夸张。在教学过程中，教师的指导作用是主要的，但学生的主观感受在素描作品的表现力方面也具有非常重要的作用。主观感受是来源于客观物象的，关键是教师要正确引导学生学会正确地观察物象和处理画面。
二、在素描基础教学上应抓住两个主要环节，保证学生不脱离严格训练的轨道。
这两个环节是：轮廓准确和注意整体。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法，造型似是而非是初学者最普遍的毛玻要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。我认为第一阶段打轮廓时能做到构图恰当，比例准确，要点鲜明，形象明了，就应该说是轮廓准确了。
在素描训练过程中，应当要求学生在每一阶段都不断使轮廓更精确，特别是要求学生不要迁就轮廓的错误，那种明知有错而凑合了事的态度是非常有害的。如果在基础训练中老是犯轮廓不准的毛病，就
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不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表现物象特征的缺陷。
注意整体是观察物象和处理画面的一种方法，这个方法掌握得是否恰当直接影响作品的质量。因此，教师在向学生传授技法时，更要重视引导学生学会正确观察物象的方法，它与学习成绩的优劣和进度的快慢有着直接的联系。
不正确的观察方法，往往是盯住一点而忽略了全局，目的是为了看清楚那个要画的局部，并不作全面考虑，结果是只见树木不见森林，只看局部的细枝末节而看不到整体的情节气势。而作画时对物象的观察分析，不仅是为了认识物象，更重要的是为了表现物象。这就要求学生在开始完成一份素描作业时，要根据对物象的观察和感受，对习作的整体效果有一个设想，就像导演拿到剧本就应该在思想中形成这部戏或这部电影的整体"视像"一样。
整体观察是造型艺术的根本法则，它的实质是便于比较。学生能否把所要刻画的物象整个地控制在自己的视域之内，在处理局部时能否考虑到整体，是教师在教学中需要不断提示和强调的重要方面，要让学生养成自觉地进行整体观察的习惯。
但这并不是说只强调整体而忽视局部细节的深入刻画。整体和局部是对立统一的关系，并不存在纯粹的"整体"，整体的丰富性有赖于对局部的深入刻画。
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整体--局部--整体，作为习作的整个进程大致是这样，但在深入描绘各个局部的过程中，自然地形成了很多小的阶段。应当要求学生在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下笔来都是一张形象生动的画。所以，掌握整体是对局部而言，在一定阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体性特征，有了具体物象的整体性才有提高的基矗
三、应本着"由浅入深，由表及里，由简到繁，循序渐进"的原则进行素描训练。
不仅要有长远的总目标，而且要有分段实现的具体目标和要求。在不断循序渐进和适当重复的过程中，才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能，才能得心应手地表现各种环境下的复杂事物。 为了打好坚实的基础，习作应以长期作业为主，这样便于领会教师的指导，便于深入理解，反复校正和进行探索。教学上的严格要求也主要体现在长期作业中。教师要向学生说明长期作业的重要性，对各种不良倾向要及时加以纠正。同时，也要布置一些短期作业作为辅助，使写生与构图相结合，记忆、想象和速写相结合，以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。 习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此，教师对学生的"画外功夫"要正确引导，鼓励学生多掌握一些课外知识，如：文学、美学、历史等方面的
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知识，使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程，以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面，开扩眼界，有助于提高绘画水平。
在基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，教师要适当地加以引导和纠正。要让学生认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为学生不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力。 四、在教学中，教师应要求学生善始善终。
有的学生开始画的时候积极性很高，新鲜感强，观察力也比较敏锐，但经过一段时间后，观察力多少有些迟钝，不能保持一种清醒和整体的感觉来检查画面的表现效果。有些学生则急于求成，时间一长就有种画烦了的感觉。这时，教师应及时提醒学生，不要轻易地把调整修改这一步看做是作业结束时的修饰，而应认真对待，感到有不妥当的地方，一定要找出原因，下决心把它修改过来。
调整修改应本着整体的原则，反复分析研究，反复比较，理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果，找出画面与物象之间的差距，检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确，质量、空间关系是否恰当，主次虚实是否有序。

开卷睹盛世的风俗画———《清明上河图》的艺术成就
摘要】中国绘画发展到宋代达到了一个历史高峰，出现了反映市井生活的“风俗画”，描绘对象转向下层生活的普通人群。张择端的《清
明上河图》是这一时期的产生的艺术杰作，以叙事的手法，将北宋都城汴京的繁华景象以长卷的方式呈现给观者。其内容之复杂，技巧之精湛，
无论是艺术价值还是社会价值都有着极其重要的意义，可以说是前无古人，后无来者。
【关键词】风俗画；虹桥；艺术价值；社会价值
中国历史进入宋代，结束了五代十国连年的征战局面，社会逐步
走向稳定，农业经济也得到了发展。农业的发展也带动了商业和手工
业的空前繁荣，形成了新兴的市民阶层，于是表现市民生活题材的文、
艺作品也应运而生，社会生活画也因为手工业、商业的发展、城市规模
的扩展和经济的繁荣持续的发展，一部分画家逐渐走出画室，融入现
实生活。随后就出现了一种取材于市民生活的“风俗画”，主要反映当
时身处下层人们的社会生活状态，如商人、小手工业者，还有妇女和儿
童，这些普通的人物形象不断的出现在画家的笔端，也提高了他们的
艺术兴趣，成为他们乐于表现的题材和重点描绘的对象，由于对生活
实际体验的增强，所以在表现上得心应手，真实生动，这在以往的人物
画作品中是很少见的。
尤其是宋徽宗时期建立了翰林图画院，把五代时期散落的各地著
名的画家逐渐集中起来，形成了庞大的画家阵容，有一套完整的绘画
制度和适合统治者趣味的艺术风格。这更有利促进了宋代绘画的发
展，乃至于达到鼎盛时期。
北宋晚期张择端画的《清明上河图》，可谓是“风俗画”的宏篇巨
制，它就象一部纪实片，向观者详细真实地讲述了北宋时期都城汴京
的时代风貌，该作品内容复杂，场景开阔，人物众多，是一幅不可多得
的艺术珍品，也是一幅最具传奇色彩的绘画作品，还是历朝历代被临
摹最多的一幅作品，如明代画家仇英曾仿画过。该画堪称中国美术史
上的稀世神品，是历朝历代皇宫贵族争相收藏的珍品。
张择端，东武（今山东诸城）人，生卒年月不详，北宋晚期著名画
家，主要活动在宋徽宗时代。史书上说，他自幼好学，曾游学于京师，后
因画艺出众，才华横溢，被宋徽宗赵佶召进翰林图画院，亲自命题让张
择端绘画北宋京都的繁华盛景。张择端请旨到郊外作画，这样可以安
心创作。谁能想到，这样一幅北宋京都的繁华盛景，竟是在东京都城郊
外的偏僻农舍里创作完成的。当张择端呕心沥血完成此作品，并将画
好的长卷呈给宋徽宗御览时，徽宗大喜过望，连连夸赞，爱不释手。从
此，《清明上河图》被宋徽宗赵佶收入皇宫内府。历史上确切记载张择
端传世作品也只有一件，那就是《清明上河图》，但仅此一件，足可光照
千秋。
《清明上河图》，绢本设色，纵24.8厘米，横528.7厘米。表现了北
宋宣和年间，首都汴京（今河南开封）清明时节的繁华景色。这幅作品
内容极其丰富，技巧高超。画中人物超过550人，船只20余艘，车、轿
20余乘，房屋店铺，嶙次栉比，人马喧闹，充分反映了宋代京城水陆两
运繁忙和商业兴盛的景象，是北宋汴京社会风俗的全面反映，众多的
人群，丰富的场景，自然逼真，它不是一般的表面热闹场面的记录，而
是以各个阶层的人物的活动为中心，深刻地把这一历史时期的社会动
态和人民生活状况展示出来，是一幅有着高度的历史性、真实性的艺
术作品，是一部前无古人的宏伟史诗。
《清明上河图》在历史上也数次历经劫难，最后一次是1945年8
月19日，末代皇帝溥仪在沈阳机场乘飞机准备逃往日本，飞机起飞后
被苏联红军迫降，溥仪和他的随从人员，以及随身携带的珍宝、字画被
苏联红军截获，其中就有《清明上河图》卷，从此该画下落不明。直到
1950年，著名书画鉴定专家杨仁恺先生在负责整理鉴定解放战争收
缴来得大量书画珍品时发现了《清明上河图》，后经鉴定就是张择端的
真迹，使得这一遗失多年的国宝重见天日，再次入藏北京博物院。
《清明上河图》的艺术成就主要体现在以下几个方面：
1.超越传统题材
传统的人物风俗画题材，多表现帝王将相，神仙佛道，达官贵妇的
日常起居，而张择端表现的是现实生活中的真实人物，特别是下层人，
这源于画家深刻的生活体验和关照，对老百姓安居乐业生活状态的深
入了解和感受。普通百姓的寻常生活、平凡小事已经登上了大雅之堂，
这是具有划时代意义的重大突破。在《清明上河图》中，不仅仅表现了
士、农、工、商、僧、道、医、卜、官吏、妇孺、车夫、船夫等形形色色众多的
人物面貌，人数多达550人左右，仅从人数上就足可以与四大名著作
个比较。而且安排上疏密有致，聚散有理，同时还表现了他们的各种活
动，真可谓洋洋大观，生活百态。
2.人物刻画神形兼备
《清明上河图》中人物始终是整个画面的核心，画家巧妙地将各种
人物安排在生活背景中，唇齿相依，自然和谐。随着画面的不断展开，
人物位置的安排也恰如其分。整幅画卷真实地表现了不同人物的体态
形貌，数百个人物，不同行业，年龄，性格，活动，人物虽高不过寸，但须
眉毕现，栩栩如生，并能真实地表现人物的思想情感和生活情趣，或紧
张，或闲适，或冷漠，或焦虑等，作者生动逼真的刻画与描绘可以说入
木三分，达到了极至。如虹桥上看热闹的人群在表情刻画上传神生动，
姿态不一：有的静心观望，有的指指点点，有的大声吆喝，有的担心焦
虑，还有的高喊助威；桥下面来往船只更是热闹非凡，一条大船正从在
激流中通过桥洞，船夫20多人，动态各异，有人在放倒桅杆，有人在船
舷用力撑篙，有人在舱顶用竿抵住桥洞，还有人从桥上扔下绳索，以避
免船过桥洞时碰橦对方，发生意外，酿成大错，桥上观看的人也表情紧
张，画面从不同角度描绘了热心关注和参与这场搏斗的人们，人物刻
画生动细腻，表现出他们的互帮互助，我们通过画面似乎听到了船工
的呼喊声和喧闹声。
3.高度的艺术真实性
这幅作品为我们留下了社会的、历史的真实画卷，是现实主义的
伟大杰作，具有不可估量的价值。画家通过自己对生活深入地观察和
研究，分析和揣摩宋都汴梁的社会生活，了解汴梁城内外的各行各业、
各色人物的身份、年龄和穿着打扮，客观真实、精细准确地再现了“典
型环境中的典型人物。”如画面开首处在嫩柳初绿的乡间小道上，一行
人扫墓归来，街口遇到了同去扫墓的夫妻俩，丈夫头缠柳枝，赶着一头
母驴，妻子则身披斗篷骑在公驴背上。由于那头母驴发情拼命挣脱主
人手牵的缰绳而狂奔向公驴，主人一时没有防备而乱了手脚，惊恐万
分。等他冷静下来以后，一手用力扯着缰绳，一手则慌忙地保护小驴躲
避，而那只公驴竟发狂把背上的女主人掀翻倒地，丈夫见妻子危险便
惊慌的向四周求救。刻画的极为生动朴实，没有丝毫造作。还有如画面
所出现的宋代宣和年间汴京街道上的店铺，无论是酒楼饭店，还是当
铺旅馆等等，都与宋人孟元老撰写的《东京梦华录》完全相符合。而画
面出现的虹桥，则具有更高的研究价值和艺术价值。因其外形结构新
颖独特，宛如飞虹而称之为“虹桥”。该桥是古代木拱桥的典型代表，完全以木梁相接而成，虽然通体没有
一根支柱，却坚固、实用、美观，而“巨木虚架”又解决了急流冲倒桥柱
和大船过桥难的问题，从工程学来讲非常符合科学原理。虹桥外型独
特，朴实美观，是古代建造师们的智慧结晶。据桥梁专家研究，艺术家
真实地表现了桥梁的结构和比例，为后世留下了珍贵的建筑学资料。
4.全景式的构图
当我们欣赏《清明上河图》时，应当清楚的感觉到，中国画与西方
画有一个很大的区别。打一个比方，画家像一个导游，而看画的人，像
一个游客。西方的导游，可以原地不动，看到什么，就给游客介绍什么。
这是在西方艺术作品中常见的“焦点透视”。中国的画家与西方的画家
不同，采取全景式构图，象是在飞机上俯瞰大地，边走边看，走到哪里，
就讲到那里，空间跨度可以无限延展。中国画的这种表现方式叫做“散
点透视”。《清明上河图》在构图上巧妙灵活地运用了这种传统的透视
原理，表现了繁多而连续的场景内容，或是远望，或是近观，画家的视
角似乎总在流动变化，自由自在，随心所欲，无论视角如何变换，整个
画面却有一种气韵贯穿其中，浑然一体，丝毫不显得呆板和突兀。张择
端在这幅画巨作中将“散点透视法”的应用发挥到了极致，展示了他惊
人的艺术才华和艺术表现力。
《清明上河图》气势宏大，包罗万象，观为者展现了一个真实而鲜
活的北宋京城的全貌，无论从社会价值，历史价值还是艺术价值，都是
具有里程碑意义的作品，它的出现为中国古代美术史抹上了最辉煌的
一笔。

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